David de Bernini
Bernini representa al futuro rey David en el momento previo al lanzamiento de la piedra que derrotará al gigante Goliat. Gracias al giro vigoroso de su cuerpo y a la tensión que ejerce con la honda, la escultura adquiere una gran fuerza expresiva. Aunque el artista diseñó esta imagen para ser observada desde un punto de vista principal, Bernini la trabajó desde todos sus ángulos. La figura, con los pies ampliamente separados y apoyados en el suelo, deja caer el peso del cuerpo sobre su extremidad derecha. De esta forma, su figura conforma una gran diagonal que crea una composición en aspa a través de la posición de sus piernas y brazos, acentuada por la torsión del torso. Los músculos de su cuerpo muestran una gran tensión debido a la fuerza ejercida con la honda, y su rostro, caracterizado por el ceño fruncido, los ojos fijos en su enemigo y la boca estrechamente cerrada, refleja un gesto de profunda concentración. Ataviado únicamente con una bolsa con piedras y un paño, este último elemento contribuye a la composición a partir de un juego de pliegues y claroscuros. Su desnudez se justifica por la narración bíblica, y la base de la escultura revela la armadura que el rey Saúl le prestó, yaciendo en el suelo e impidiéndole moverse con total libertad. Sobre la base también se representa la lira, un atributo que identifica a David como rey poeta. Ornada con un águila en la parte superior, pretende evocar uno de los emblemas heráldicos de la familia Borghese, ya que la obra fue comisionada por el cardenal Scipione Borghese para formar parte de la decoración de una de las salas de su villa en Roma.
Temática
Bernini, en esta escena, representa un episodio del Antiguo Testamento en el cual el joven pastor David se ofrece a Saúl, rey de Israel, para derrotar al gigante Goliat, llamado por los filisteos para luchar contra el ejército israelí. Se tendría que desarrollar un combate cuerpo a cuerpo entre los dos oponentes, David y Goliat; el que ganara daría la victoria a su respectivo pueblo. David consiguió derrotar a su adversario lanzándole una piedra con una honda y cortándole posteriormente la cabeza, consiguiendo así la victoria para el pueblo israelí. Se trata de la representación de una alegoría de la virtud heroica que ofrece una reflexión cristiana, para demostrar que la fuerza no proviene de las armas, sino de la fe en Dios, por lo cual el débil puede vencer al fuerte.
Detalles de la Obra
- Cronología: 1623-1624
- Tipología: Escultura exenta
- Material: Mármol
- Medidas: 170 cm
- Estilo: Barroco
- Tema: Bíblico
- Localización: Roma
Fachada y Columnata de San Pedro del Vaticano
Autores: Carlo Maderno y Bernini
Cronología: 1656-1667
Tipología: Plaza
Material: Mármol Travertino
Estilo: Barroco
Localización: Ciudad del Vaticano
La plaza se estructura en dos espacios: uno de forma trapezoidal, denominado Piazza Recta, y otro elíptico, conocido como Piazza Obliqua. En la Piazza Obliqua, Bernini creó una columnata de orden dórico dispuesta en cuatro hileras, con una mayor separación en el centro y presidida en sus extremos por dos frontones triangulares de orden clásico. La Piazza Recta va disminuyendo la altura a medida que se acerca a la fachada, ocultando la cúpula de Miguel Ángel y restándole frontalmente importancia. Ambas plazas crean un espacio que permite a los fieles ver al Papa cuando da la bendición. La creación en 1929 de la Via della Conciliazione permite visualizar la plaza con la Basílica de San Pedro al fondo, coronada por la gran cúpula. La horizontalidad de la fachada restaba protagonismo al conjunto basilical. Para enfatizarla, se le sugirió a Bernini la construcción de una plaza con la finalidad de resolver la poca altura de la fachada y acoger al mayor número posible de fieles. El pasillo central del bosque de columnas sirve como cobijo. La escenografía propia del Barroco pretendía provocar emociones en los fieles.
La Vocación de San Mateo
Autor: Caravaggio
Cronología: 1599-1600
Técnica: Óleo sobre lienzo
Medidas: 340 x 322 cm
Estilo: Naturalista Barroco
Tema: Bíblico
Localización: Roma
La escena de la vocación de San Mateo se sitúa en el interior de una taberna u oficina de recaudación de impuestos contemporánea de Caravaggio. En ella, Cristo y San Pedro interrumpen el cálculo de ingresos de San Mateo para llamarlo, mientras sus ayudantes se vuelven hacia ellos. En ese momento, San Mateo percibe el sentido de su presencia y se señala a sí mismo sorprendido. Caravaggio fija en esta obra las características del tenebrismo pictórico, situando la acción en un interior sombrío, solamente iluminado por el potente haz de luz que entra a través de un punto situado fuera del cuadro, iluminando a los personajes y creando fuertes contrastes de luces y sombras. Se trata de una composición estática horizontal, en la cual los personajes ocupan la mitad inferior del cuadro. El rayo de luz incide en la composición del lienzo a través de un eje diagonal que resalta el gesto de Cristo y los rostros de los recaudadores, creando volumen, espacio y profundidad. Las posturas de los personajes también proyectan líneas diagonales para dar movimiento a la escena. El naturalismo que caracteriza al estilo de Caravaggio está presente en los personajes y su vestuario. Por este motivo, el pintor presenta la figura de San Pedro como un individuo corriente, representando sus pies desnudos sin ocultarnos la suciedad que hay en ellos.
Temática
La escena describe un pasaje del Nuevo Testamento en el que se narra el momento en que Leví, recaudador de impuestos, es llamado por Jesús a seguirle, y Leví renuncia a todo para convertirse en el apóstol Mateo. Esta obra fue encargada para la capilla del cardenal francés Contarelli, junto con El Martirio de San Mateo y San Mateo y el Ángel. La luz adquiere sentido teológico, al identificarse con la entrada de Cristo en un lugar donde dominaban las sombras.