Evolución de la escultura gótica:
-Se libero del marco arquitectónico. Esto se nota en las estatuas-columna de las portadas.
-El Naturalismo, se trata de un Naturalismo idealizado. Las figuras están dotadas de volumen, que realza el aspecto naturalista y aleja a la escultura de la planitud. Los ideales de Naturalismo, belleza, humanismo… Son comunes con la estatuaria clásica.
-La humanización. En el gótico Dios sigue siendo el centro de todo pero el hombre va a cobrar una gran importancia. La representación de la figura humana se va a aproximar más al natural. El periodo gótico es un largo camino hacia el Realismo, que se lograra en el Renacimiento.
-Temática y cambios en la iconografía. La temática religiosa predomina, la escultura gótica dará importancia a los Evangelios y las vidas de los santos, al contrario que la ROMánica (en el Antiguo Régimen).
-Los valores estéticos de la plástica ROMánica van a ser sustituidos por la expresión humana de los sentimientos. En el gótico las figuras religiosas estarán dotadas de sentimiento, por ejemplo. El Cristo crucificado sufre, sangra…
En cuanto a la disposición espacial, desaparecen las representaciones historiadas de los capiteles y serán las portadas el principal ámbito escultórico.
En vez de encontrar el tímpano presidido por el Pantocrátor, se suele crear la escena del Calvario, y a menudo aparece narrada la vida de la Virgen. En el tímpano se alinean apóstoles y profetas. En el parteluz es frecuente la representación de la Virgen, de pie con el Niño en el brazo izquierdo. Otros lugares donde encontremos narraciones escultóricas serán retablos. Normalmente se dividen en sentido vertical en calles y en horizontal en pisos.
Evolución de la escultura gótica:
-Se libero del marco arquitectónico. Esto se nota en las estatuas-columna de las portadas.
-El Naturalismo, se trata de un Naturalismo idealizado. Las figuras están dotadas de volumen, que realza el aspecto naturalista y aleja a la escultura de la planitud. Los ideales de Naturalismo, belleza, humanismo… Son comunes con la estatuaria clásica.
-La humanización. En el gótico Dios sigue siendo el centro de todo pero el hombre va a cobrar una gran importancia. La representación de la figura humana se va a aproximar más al natural. El periodo gótico es un largo camino hacia el Realismo, que se lograra en el Renacimiento.
-Temática y cambios en la iconografía. La temática religiosa predomina, la escultura gótica dará importancia a los Evangelios y las vidas de los santos, al contrario que la ROMánica (en el Antiguo Régimen).
-Los valores estéticos de la plástica ROMánica van a ser sustituidos por la expresión humana de los sentimientos. En el gótico las figuras religiosas estarán dotadas de sentimiento, por ejemplo. El Cristo crucificado sufre, sangra…
En cuanto a la disposición espacial, desaparecen las representaciones historiadas de los capiteles y serán las portadas el principal ámbito escultórico.
En vez de encontrar el tímpano presidido por el Pantocrátor, se suele crear la escena del Calvario, y a menudo aparece narrada la vida de la Virgen. En el tímpano se alinean apóstoles y profetas. En el parteluz es frecuente la representación de la Virgen, de pie con el Niño en el brazo izquierdo. Otros lugares donde encontremos narraciones escultóricas serán retablos. Normalmente se dividen en sentido vertical en calles y en horizontal en pisos.
Pintura del Giotto y del Trecento italiano:
Cuatro estilos pictóricos.
1. Estilo gótico lineal o Franco gótico (1200-1300)
2. Estilo ítalo-gótico o Trecento (S.XVI)
3. Gótico internacional (1350-1450)
4. Los primitivos flamencos (S.XV y principios del S.XVI)
En la pintura gótica se puede aplicar la tendencia al Naturalismo, humanización de gestos y actitudes, sentido narrativo, a los que habría que añadir:
la búsqueda de volumen en objetos y figuras, y el interés por representar la profundidad espacial y el `paisaje de fondo.
En el Trecento, su mejor representante en Giotto. La pintura bizantina se va a ir rompiendo y se va a conseguir una pintura mas creíble.
Giotto, transforma la pintura partiendo de un objetivo: aplicar a la superficie pictórica el Naturalismo. Al igual que las estatuas divinas son mas humanas, las figuras pintadas también quieren tener esa apariencia, lo que conlleva representar la profundidad. Por eso introduce la tercera dimensión, lo que logra a través del escorzo y del juego entre luces y sombras. El esfuerzo altera las proporciones y realiza deformaciones. La intensidad lumínica modifica los colores, aporta relieve y profundidad, para lo lejano se usan tonos mas oscuros y para lo cercano tonos claros.
Giotto rompe con los convencionalismos del estilo bizantino.
La monumentalidad y volumetría de las figuras que adquieren corporeidad mediante un correcto juego de luces y sombras.
La expresividad de los rostros y la naturalidad de los gestos y actitudes. El movimiento, anuncia un estilo más vivo y más humano.
Sugiere la tridimensionalidad con el volumen lo que implica la necesidad de sombras y gradaciones.
Giotto es considerado el antecedente derecho del Renacimiento posterior. Además, realizo pintura mural de las Capillas de los Scrovegni en Pauda y de los Bardi y de los Peruzzi en la iglesia de Santa Croce de Florencia.
Pintura del Giotto y del Trecento italiano:
Cuatro estilos pictóricos.
1. Estilo gótico lineal o Franco gótico (1200-1300)
2. Estilo ítalo-gótico o Trecento (S.XVI)
3. Gótico internacional (1350-1450)
4. Los primitivos flamencos (S.XV y principios del S.XVI)
En la pintura gótica se puede aplicar la tendencia al Naturalismo, humanización de gestos y actitudes, sentido narrativo, a los que habría que añadir:
la búsqueda de volumen en objetos y figuras, y el interés por representar la profundidad espacial y el `paisaje de fondo.
En el Trecento, su mejor representante en Giotto. La pintura bizantina se va a ir rompiendo y se va a conseguir una pintura mas creíble.
Giotto, transforma la pintura partiendo de un objetivo: aplicar a la superficie pictórica el Naturalismo. Al igual que las estatuas divinas son mas humanas, las figuras pintadas también quieren tener esa apariencia, lo que conlleva representar la profundidad. Por eso introduce la tercera dimensión, lo que logra a través del escorzo y del juego entre luces y sombras. El esfuerzo altera las proporciones y realiza deformaciones. La intensidad lumínica modifica los colores, aporta relieve y profundidad, para lo lejano se usan tonos mas oscuros y para lo cercano tonos claros.
Giotto rompe con los convencionalismos del estilo bizantino.
La monumentalidad y volumetría de las figuras que adquieren corporeidad mediante un correcto juego de luces y sombras.
La expresividad de los rostros y la naturalidad de los gestos y actitudes. El movimiento, anuncia un estilo más vivo y más humano.
Sugiere la tridimensionalidad con el volumen lo que implica la necesidad de sombras y gradaciones.
Giotto es considerado el antecedente derecho del Renacimiento posterior. Además, realizo pintura mural de las Capillas de los Scrovegni en Pauda y de los Bardi y de los Peruzzi en la iglesia de Santa Croce de Florencia.
Pintura flamenca:
Se produce una renovación pictórica encaminada a conquistar la realidad. Ciudades como Burgos, sobresalen como principales centros artísticos gracias a la pintura.
Su cliente principal es la burguésía flamenca, que demanda obras para sus cosas. (Las obras se adaptan para ser colgadas en las casas). Su principal aportación es la técnica al óleo, colores más brillantes y permite su gradación, a la vez que mayor minuciosidad en los detalles. Con frecuencia se trata de trípticos en los que la cara exterior está pintada en tonos grises que imitan el efecto de la escritura. Carácterísticas:
-Minucioso detallismo.
-Interés por motivos anecdóticos y secundarios.
-Amor al paisaje.
-Perfecta combinación de la luz y el color, para el volumen de las figuras y objetos, y para la profundidad del espacio.
Los temas eran religiosos pero con frecuencia se fundía lo sacro y lo cotidiano, pues los personajes sagrados aparecen en ambiente de la vida cotidiana. Sin embargo, los objetos y detalles encierran un significado simbólico de carácter religioso.
El espíritu individualista y el afán burgués se refleja en que quienes encargaban la obra solían hacerse representar en ella, lo que daría origen al retrato.
Predominaron las composiciones equilibradas y simétricas. La perspectiva se consigue abriendo los fondos con arquitecturas o paisajes.
Entre los pintores flamencos destacan: Hubert y Jan Van Eyck que serás los auténticos revolucionarios de la escuela; obra: Políptico del Cordero Místico, tema central la adoración del cordero, símbolo de Dios.
Roger Van der Weyden, tendrá importancia por si gran perfección compositiva y por la penetración sicológica de sus personajes; obra: el descendimiento del Museo del Prado. El Bosco, es un pintor de gran modernidad e imaginación. En algunas obras analiza la sociedad desde un punto de vista satírico. En otras deja andar su imaginación y representa el mundo de los sueños, precedente de la pintura surrealista. Obra; El Jardín de las Delicias.
Debido a las innovaciones que presenta la pintura flamenca algunos historiadores no la consideran pintura gótica sino una variante nórdica del Renacimiento.
Pintura flamenca:
Se produce una renovación pictórica encaminada a conquistar la realidad. Ciudades como Burgos, sobresalen como principales centros artísticos gracias a la pintura.
Su cliente principal es la burguésía flamenca, que demanda obras para sus cosas. (Las obras se adaptan para ser colgadas en las casas). Su principal aportación es la técnica al óleo, colores más brillantes y permite su gradación, a la vez que mayor minuciosidad en los detalles. Con frecuencia se trata de trípticos en los que la cara exterior está pintada en tonos grises que imitan el efecto de la escritura. Carácterísticas:
-Minucioso detallismo.
-Interés por motivos anecdóticos y secundarios.
-Amor al paisaje.
-Perfecta combinación de la luz y el color, para el volumen de las figuras y objetos, y para la profundidad del espacio.
Los temas eran religiosos pero con frecuencia se fundía lo sacro y lo cotidiano, pues los personajes sagrados aparecen en ambiente de la vida cotidiana. Sin embargo, los objetos y detalles encierran un significado simbólico de carácter religioso.
El espíritu individualista y el afán burgués se refleja en que quienes encargaban la obra solían hacerse representar en ella, lo que daría origen al retrato.
Predominaron las composiciones equilibradas y simétricas. La perspectiva se consigue abriendo los fondos con arquitecturas o paisajes.
Entre los pintores flamencos destacan: Hubert y Jan Van Eyck que serás los auténticos revolucionarios de la escuela; obra: Políptico del Cordero Místico, tema central la adoración del cordero, símbolo de Dios.
Roger Van der Weyden, tendrá importancia por si gran perfección compositiva y por la penetración sicológica de sus personajes; obra: el descendimiento del Museo del Prado. El Bosco, es un pintor de gran modernidad e imaginación. En algunas obras analiza la sociedad desde un punto de vista satírico. En otras deja andar su imaginación y representa el mundo de los sueños, precedente de la pintura surrealista. Obra; El Jardín de las Delicias.
Debido a las innovaciones que presenta la pintura flamenca algunos historiadores no la consideran pintura gótica sino una variante nórdica del Renacimiento.