Plaza Mayor de Madrid. Realizado durante el reinado de Felipe III. Tiene un trazado rectangular y es un espacio cerrado destinado a la celebración de festejos y mercados. En los lados norte y sur, se encuentran la casa de panadería y la carnicería. Ambas casas se encuentran rematadas por torres coronadas por chapiteles de pizarra negra. Toda la plaza está rodeada por unos soportales sostenidos sobre pilares de granito q son d forma adintelada salvo los de la casa de panadería y carnicería q son de medio punto. La plaza consta de 4 alturas la última de ellas abuhardilladas y los materiales de la plaza, son ladrillos rojos para los muros y pizarra negra para los tejados.
Fachada de la Catredral de Granada. Fue concebida como un monumental arco de triunfo, con tres calles separadas por pilares lo que proporciona al conjunto intensos contrastes de luces y sombras que acentúan su diseño lo que le da una sensación de movimiento. Las molduras y pilastras dan ritmos a la fachada, a su vez un entablamento la recorre de forma horizontal y la divide en dos pisos. Tiene una decoración de motivos florales y geométricos que dan dinamismo a la fachada.
Plaza Mayor de Salamanca. fue concebida como un lugar de reuníón, de esparcimiento y de mercado. Es un diseño armonioso en piedra rosada (piedra de Villamayor). En la plaza destaca el pabellón real, hoy sede del ayuntamiento salmantino. Los soportales son sostenidos por arcos de medio punto con medallones decorativos en las enjutas de los arcos. Los balcones son corridos y la decoración es mucho más abundante que la de la plaza mayor de Madrid. Consta de tres alturas coronadas por una balaustrada con pequeñas columnas decorativas
.Las Hilanderas.Es un cuadro de óleo sobre lienzo.
Éste cuadro representa la fábula de Aracne. En el 1er plano aparecen 5 mujeres que preparan la lana para realizar un tapiz. Al fondo, detrás de ellas, aparecen otras 5, ricamente vestidas. El cuadro presenta una gran sensación de movimiento como se aprecia en la rueca cuyo radio no vemos o en la mano del personaje que está devanando la lana q mueve su mano con tanta rapidez q parece que tenga 6 dedos. Velázquez representa un efecto atmosférico dando la sensación de que Entre las figura hay aire que distorsiona la figuras y hace que se vean borrosas. En cuanto a la técnica, la pincelada es suelta, utilizando manchas de color como en el gato o en el rostro de la mujer del centro. La luz viene de la derecha y en este cuadro podemos admirar como un colorido tan limitado de blancos, azules, rojos, Y ocres, Velázquez consigue una excelente luminosidad en la escena.
Inmaculada Concepción. Es un cuadro de óleo sobre lienzo. Es una
Obra que representa dinamismo y movimiento. La virgen se muestra en actitud
Triunfante apoyando su pie derecho sobre la luna y sus rodillas sobre una nube
Sostenida por ángeles. Viste una amplia túnica blanca y un manto azul, siendo
Sus ropajes pesados y voluminosos. La colocación de la pintura a una gran
Altura y distancia del espectador condiciónó la composición ya que Murillo tuvo
En cuenta que la obra debía ser vista de abajo a arriba y en oblicua,
Consiguiendo un gran resultado y demostrando con ello una gran maestría.
Cena de Emaús. Es un óleo sobre lienzo. Cuando Caravaggio pintó este cuadro tenía 35 años y ya estaba cercana su muerte con 39 años. Destaca la atmósfera intimista de la escena, llegando a la melancolía ante la escena del milagro. Los gestos de todos los personajes son comedidos y los alimentos Y los enseres que adornan la estancia parecen pobres y sencillos. Aparecen dos sirvientes, presumiblemente los esposos, con el aspecto de unos taberneros Romanos. Los discípulos tienen los rostros vueltos hacia Cristo por lo que apenas podemos ver sus caras. En el eje central de la composición aparece Jesús iluminado por una luz interior que se va degradando suavemente.Es un cuadro tenebrista con luz en el primer plano y oscuridad en el fondo.
Las tres Gracias. Es un óleo sobre tabla. Se encuentra en el museo Del Prado. Fue adquirida por Felipe IV. El cuadro representa las tres gracias, Eufrosine, Talía y Anglae, hijas de Zeus. Ellas, Siempre aparecen desnudas ya que la belleza no necesita cubrirse y representan la amabilidad, simpatía y delicadeza. Están conectadas por los brazos, El velo y las miradas. El canon de belleza de la época eran mujeres entradas en carne, pero proporcionadas y elegante. Las figuras irradian sensación de movimiento e invitan al espectador a formar parte de la cena. La guirnalda de flores en la parte superior y el paisaje del fondo acentúan la belleza de la composición.Un fuerte foco de luz resalta el colorido perlado de la piel de las muchachas. La escena transcurre en un paisaje idílico y en este trío se resume la belleza femenina de la pintura de Rubens.
Lección de anatomía. Es un óleo sobre lienzo y es un excelente retrato de grupo de grupo. En esta pintura vemos al doctor Tulp con un sombrero reflejo de su cargo con unas pinzas en la mano derecha mostrando a sus alumnos la disección de un brazo, los tendones y los músculos. El cuerpo del muerto es de un conocido criminal que fue ajusticiado. Detrás de el se sitúan 7 alumnos que escuchan al profesor destacando el Realismo de sus expresiones: sorpresa, entusiasmo, atención, ect. El pintor está interesado en los contrastes lumínicos que provoca La Luz potente y clara que ilumina unas zonas, fundamentalmente el cuerpo del muerto y deja en profunda sombra el resto del espacio, utilizando la técnica tenebrista. Por lo que se que refiere al colorido, predominan los colores oscuros resaltando los cuellos y los puños blancos. Los detalles de los cuellos y los ropajes demuestran la altísima calidad de Rembrandt como pintor.
La ronda de noche. Se trata de un óleo sobre lienzo. Aparece la milicia del capitán Cocq en el momento en que este está dando la orden a su alférez para que inicie la marcha, indicado por el gesto de la mano y la boca abierta del capitán. Tras estas dos figuras centrales, aparecen el resto de integrantes de la compañía. La escena de desarrolla al aire libre. Es un retrato en grupo muy de moda en el Ámsterdam de la época. Presenta un gran Realismo captando a la perfección los rostros y actitudes de todos los personajes. El cuadro da una sensación de movimiento y para ello, además de la disposición de los personajes, juega con las luces y sombras utilizando para ello la técnica del tenebrismo. Es remarcado por el color oscuro de los trajes a excepción del personaje vestido de color rojo, el alférez y La Niña de blanco y los cuellos y los puños del resto de personajes. Es una pintura donde destacan los detalles como podemos ver en la banda del capitán y en la casaca del alférez o el vestido de La Niña. Las figuras que están en 2 plano se representan difuminadas como si entre ellas hubiera una capa de aire y polvo.
San Andrés.Es un óleo sobre lienzo a tamaño natural. Sobre un fondo oscuro que impide averiguar qué hay detrás, se encuentra la figura San Andrés. Un potente foco de luz artificial incide de forma lateral lo que destaca algunas partes del cuerpo y deja otras en completa oscuridad. La pintura presenta un acusado Realismo que podemos observar en el rostro y en el cuerpo lleno de arrugas
Cristo Yacente. Es una escultura en madera policromada. En ella vemos a Cristo muerto recién descendido de la cruz. En el lado derecho aparece desnudo porque el paño de pureza queda abierto para mostrarnos su cadera y cintura. Es un estudio anatómico de un cuerpo muerto, donde resulta inquietante la expresión de la cara. Presenta también un cuerpo apolíneo (de proporciones bellas), donde abunda la sangre para reforzar el sentimiento de compasión.
San Jerónimo. Es una estructura de madera Policromada, en ella el artista nos enseña su perfecto dominio de la anatomía humana, reflejada en los músculos y las venas de los brazos. El rostro presenta una gran expresividad. Hay que destacar también las diferentes texturas de la carne, la tela y la piedra.
Apolo y Dafne. El material es mármol. Es un grupo escultórico donde predomina la espiral lo que da una gran sensación de movimiento. Refleja el instante en que los tiernos miembros de Dafne se convierten en dura madera de laurel, instante que queda reflejado en el rostro de horror Dafne y de estupor de Apolo. Bernini realiza un gran estudio anatómico tanto del cuerpo femenino como del cuerpo masculino, a la vez que trabaja las diferentes texturas reflejadas en la carne de los personajes, en los ropajes, en la roca y en la ramas de laurel.
El Éxtasis de Santa Teresa. El material utilizado es mármol. Es la obra más importante de Bernini. Representa el momento en el que la santa está teniendo una experiencia mística.El grupo escultórico es resaltado por la luz que penetra por un transparente y la luz resbala a través de unos rayos dorados hasta la figura. El grupo se representa en un cúmulo de nubes, tiene una representación triangular, Y en ella destacan los ropajes de la santa que representan pesadez. Además de la Santa Aparece un ángel con una flecha dorada que representa el amor divino.
Baco enfermo. Es un óleo sobre lienzo. La pintura representa al Dios Paco que es el Dios del vino. Se le representa con sus atributos, con un racimo de uvas y con una corona de hojas de parras. Aparece como muchacho de complexión musculosa y atractivo pero de piel macilenta y labios descoloridos. Se trata de un autorretrato del propio Caravaggio mientras estaba en el hospital debido a las lesiones que le produjo la coz de un caballo. El hecho de que se trate de un autorretrato explica la postura retorcida que adopta el modelo sentado de lado para poderse ver en el espejo y de esa manera poderse pintar. Es una pintura tenebrista con una luz muy potente en primer plano, resaltada por la túnica blanca y el amarillo de los melocotones y un fondo completamente oscuro.
El juicio de París. Se trata de un óleo sobre lienzo y recoge el momento en el que París va a tomar una manzana que le ofrece Mercurio para que se la entregue a la diosa más bella. Las tres diosas habían intentado previamente comprar la desición del joven con diferentes ofrecimientos. En el cuadro aparecen las tres diosas con sus respectivos atributos. De izquierda a derecha: Atenea con sus armas, Venus acompañada de cupido y Juno con su pavo real. Sobre ellas se sitúa un amorcillo coronando a Venus. La composición es cerrada que sitúa a los personajes en los extremos del cuadro, a un lado las tres diosas y en el otro extremo a París y Mercurio, consiguiendo así una sensación de equilibrio. Al fondo, contemplamos un paisaje donde se encuentran las ovejas de París. Las diosas están resaltadas por La Luz y por la técnica del transparente. Sus bellos cuerpos desnudos ponen en manifiesto el canon de belleza femenino durante el Barroco. Mientras que en los cuerpos masculinos vemos la influencia de los desnudos de Miguel Ángel. Durante el reinado de Carlos III este cuadro estuvo a punto de ser quemado por considerarlo impúdico.