Los trovadores y Trovero
Se encuentran traS Las poesías destinadas al canto más antiguas que se conservan en todo el Occidente. El movimiento trovadoresco nacíó a finales del Siglo XI en Provenza, al sur de Francia, como fruto del lujo y del refinamiento de las costumbres, así como del espíritu caballeresco y de culto a la mujeR. Algunos aspectos que diferencian a estos dos grupos:-los probadores utilizan la lengua de Oc, en cambio los trovero se expresan en la lengua de Oíl. – Los proverbios fueron posteriores a los trovadoreS. -La canción de los troveros es técnicamente más simple y trata temas más variados, que la de los trovadores, más centrada en el amor. Ambos se consideraban grupos cultos, por ser los creadores de canciones y de su letra, este aspecto lo distingue del juglar, cantor intérprete, acróbata que se ganaba la vida vulgarizando danzas Y canciones, interpretando lo que otro había compuesto.
Ars nova
Se denominó por primera vez en el tratado del teórico francés Felipe de vitry, este tratado se dedicaba al análisis de las nuevas técnicas de composición que, a partir de 1325 comenzaron implantarse en Francia, en la oposición a las prácticas procedentes del Ars antiQua. La música adquiríó categoría de ciencia y se incluyó por ello en las disciplinas que se impartía en la Universidad de París, dentro de lo que se denomina Quadrívium, Que comprendía aritmética, geometría, astronomía y música, en estrecha vinculación con las disciplinas de los estudiosos previos del Trívium, formado por gramática, retórica y dialéctica.
La música instrumental en la Edad Media
Durante la Edad Media, la condición social del músico se equiparo con la de los juglares y los ministriles, a menudo considerados como una clase marginal, de vagabundos y pícaros. Escapaban a esta condición los que inventaban música trovadores y troveros. Los instrumentos y la práctica instrumental: poco a poco durante la Edad Media, sobre todo a partir del Siglo XI, fueron desapareciendo de Occidente algunos instrumentos heredados de la antigüedad como la lira, la citaRa, Y empezaron a dominar el panorama musical algunos instrumentos de cuerdas como la viola o el laúd.
Barroco, la música y los músicos
La música barroca, fastuosa y decorativa, fue un arte reservado a una élite. Los compositores y los instrumentistas profesionales no eran independientes, sino que frecuentemente estaban ligados a la corte familias nobles por las relaciones de mecenazgo. El espíritu Barroco se expresen la música a través del gusto por el pasto, por lo monumental. Lo excesivo se traduce en el afán de explotar al máximo los recursos que ofrece los instrumentos y el lenguaje musical: en muchos casos se busca un juego de contrastes: -La oposición de planos sonoros, a través de la tenencia de grupos instrumentales desiguales. Guión en los tempi de las obras:
la suite, la sonata o el concierto, se suceden movimientos vivos y lentos. Guión en la textura: secciones homo rítmicas imponen a seguir acciones fugadas. Guión en los dinámicos: en esta época la única dinámica que se practica es el procedimiento de eco.
El estilo concertante
Durante la primera mitad del Siglo XVII, persistíó el llamado estile concertado o moderno, en posición del antiguo estilo renacentista. El nuevo estilo se plasmo en las tres grandes formas: suite, sonata y concierto. Esto supuso darle primicia a una voz encargada de traducir musicalmente el texto poético, el compositor asumía estos principios des tacando en primer plano una o varias partes solistas sostenidas en un segundo plano por el acompañamiento que recibe el nombre de bajo continuo.
La suite
Que puede ser para teclado solo o para orquesta, puede definirse como una sucesión de piezas instrumentales de carácter contratados rígida por dos principios: tonalidad única y el estilo particular de la danza, en general de forma binaria. Estas danzas se oponen siempre por su tempo y su coreografía; El número de piezas que contribuyen la suite no es fijo, pero a comienzos del Siglo XVII se habían establecido como más habituales la allemande, la corrente, la zarabanda y la giga.
La sonata
El término sonata aparecíó en la mitad del Siglo XVI, derivado de canzona da sonar. Se distinguen dos modalidades de sonata barroca:
la sonata da camera, destinada al concierto, y la sonata da chiesa, reservada para el iglesia, la sonata de concierto o de Cámara recoge todas las carácterísticas de la suite de danzas y, de hecho se confunde a menudo con ella. La sonata del iglesia incluye de 3 a 5 movimientos contrastados en su tempo: la principal obra de Escarlati son sus ejercicios. Se trata de sonatas breves para claves, de un solo movimiento, en las que aveces anuncia los dos temas contrastes de la futura sonata clásica. La influencia de Escarlati sobre el padre Soler resulta evidente en las 80 sonatas para la vecina, la obra que más fama le dado.