El Surrealismo
Movimiento artístico que sucedíó al Dadá rechaza y rompe con el pasado tratando de alejarse de la razón.Lo mismo que otras vanguardias,desenvuelve tanto en el mundo plástico como en el de la fotografía,cine,teatro o poesía.En el período de entreguerras, aunque su Primer manifiesto, escrito por el poeta andre bretón,no aparece hasta el año 1924 en parís
Dos aspectos:
-La crítica feroz contra la sociedad burguesa que había dado lugar a la Gran Guerra con sus terribles consecuencias.
-Los avances en el campo de la psicología que hizo Sigmund Freud. Se reconoce importancia de lo que escondemos en nuestra mente, pero que puede aflorar mediante los, sueños. Éstos deberían ser la base de la creación del artista.
El resultado es un mundo aparentemente absurdo. Los objetos aparecen deformados o situados en contextos completamente ajenos a su realidad habitual.El subconsciente, los sueños, se pueden presentar de forma figurativa o más abstracta. Surgen entonces dos tipos de Surrealismo pictórico, dos grandes grupos de pintores surrealistas:
1-Por un lado los pertenecientes al Surrealismo figurativo, entre los que se encontraban Max Ernst, René Magritte, Dalí y Chagall, quienes, a pesar de sus deformidades y transformaciones nunca abandonaron la referencia real de los objetos.
2-Por otro lado está el Surrealismo abstracto que cuenta con autores como Y Klee
Dalí pinta en 1931 un tema onírico, los «Relojes blandos, Museo de Arte Moderno de Nueva York, que puede hacer referencia a la «Teoría de la Relatividad» de Albert Einstein. En el primer plano, hay una serie de tres «relojes blandos», cada uno tiene una hora distinta. Un cuarto reloj es de bolsillo, en este caso colocado al revés y cubierto de hormigas (que para Dalí eran el símbolo de la podredumbre y putrefacción)
La obra desde el punto de vista formal es clásica, importancia del dibujo delimitando las formas y volúMenes con cierto detalle,
pero las formas no son reales como los relojes de grandes dimensiones y aldeformados y la cabeza (posible autorretrato. Contrate de colores cálidos fríos. Luz y paisaje irreal.
Dalí. Biografía (1904-1989). Nace y muere Gerona. En su obra es frecuente la referencia al paisaje de su infancia: Port- Lligat. En 1927 viaja por primera vez a París, pero es al ano relojes siguiente cuando se instala en la capital francesa y se une al grupo surrealista que lidera el poeta André Bretón. Estuvo también en los EE.UU y en 1948 regresó a Gerona. Una de las carácterísticas de su personalidad es la extravagancia. Una persona fundamental para Dalí fue su compañera Gala que ejercíó una fuerte influencia sobre el artista.
Miró. Biografía (1893-1983): Nace en Barcelona y fallece en Mallorca. Se instala en París y en 1941, tras la ocupación nazi de Francia, se va a Mallorca, donde inicia su gran exilio interior. Una de las formas de elaboración artística del Surrealismo es el automatismo, no dejar que intervenga la razón: Miró observa elementos de la naturaleza pero no los plasma en sus cuadros tal como son, ni tan siquiera como los ve él. Lo que hace es un proceso de metamorfosis para crear formas diferentes. Por eso obras tienen siempre elementos parecidos, que se han convertido en el referente de su arte.
Miró.
El carnaval de Arlequín (1924-25), Búfalo, EEUU, El movimiento y la fantasía de colores propios del carnaval se reflejan en esta obra. El cuadro está trabajado con una técnica miniaturista, muy meticulosa. Destaca el empleo de los colores primarios, el azul, el amarillo y el rojo, junto al blanco y el negro. Partir de bocetos previos .Esta obra considerada como el inicio del Surrealismo de Miró.Percibir dos ejes uno vertical formado por la sinuosa forma blanca y un eje ormado por el brazo negro sinuoso que divide el suelo y la pared y dos espacios de es la pared de color beige claro y el suelo de beige oscuro. Predominan lineas curvas y formas circulares que dotan de dinamismo a la escena.
Representa los elementos surrealistas en un espacio o perspectiva clásica..Tratamiento de las figuras es antinaturalista mezclando miniaturas de objetos reales como guitarra, dado, gatos con otros elementos inventados por su imaginación. Todos estos elementos gusanos, amebas, insectos parecen flotar. El ritmo está marcado por los colores sobre todos los brillantes primarios que mueven nuestros ojos y crean dinamismo.
Mujer peinándose ante el espejo
Julio González, h. 1936-1937, EBAU, Hierro forjado, Valencia, Instituto Valenclano de Arte Moderno. Julio González junto con Pablo Gargallo su precedente más directo, convierten el hierro en material artístico. Nacíó en Barcelona (1876-1942) Sus primeras incursiones artísticas son pequeñas piezas de orfebrería trabajadas en el taller familiar. En 1900, tras el cierre del taller de su familia, se trasladó a París junto a su hermano Joan y entró en contacto con Picasso, Juan Gris y Pablo Gargallo. La temprana muerte de Joan, a quien estaba muy unido, lo llevó a una gran depresión y limitaron su producción a la pintura y su circulo de amistades a Picasso levó uay su circulo Brancusi. Durante los años de la Primera Guerra Mundial trabajó en una factoría de soldadura En 1927, cuando decidíó dedicarse completamente a la escultura, aprovechó sus conocimientos de orfebrería y la técnica de la soldadura para entregarse plenamente al hierro. Además entre 1928 y 1932, González colaboró con Picasso en una serie de obras que éste había concebido en hierro, lo que le permitíó darse cuenta de las extraordinarias posibilidades que el hierro le ofrecía como materia escultórica. Sus primeras creaciones, máscaras y naturalezas muertas en lámina hierro, dejan ver cierto componente cubista, pero desde 1928 irá caminando hacia la abstracción, aunque siempre se inspiró en el estudio de naturaleza, conservando algunas referencias de la realidad como en esta obra. La década de los años treinta es el momento de esplendor de González. Se limita al empleo de planos esenciales, de líneas de fuerza v de los elementos más significativos, intentando unir la materia y el espacio, es decir, intentando proyectar en el espacio. A menudo sus obras recrean temas como la maternidad, las máscaras o las figuras femeninas, como en este caso González
transforma la varilla de hierro de distinto grosor, en nuevas y originales formas que se alejaban de los planteamientos tradicionales de simetría, creando un lenguaje abstracto muy personal e innovador, fruto no sólo de su dominio de la técnica sino también de una gran libertad imaginativa y de una especial sensibilidad artística. Además utilizó la plancha de hierro para crear volúMenes más compactos. La variedad de estos recursos formales se hace evidente en Mujer peinándose ante el espejo. Esta mujer es una obra capital de la escultura moderna, es la más ambiciosa de González tanto por sus dimensiones como por su gran complejidad conceptual y formal. El artista transformó la imagen clásica de una mujer reflejándose en el espejo y reordena las diversas partes de la anatomía femenina con una interpretación muy personal.Esta escultura monumental en hierro anuncia uno de los temas de predilección de Julio González al final de su vida. Simboliza de manera alegórica la esperanza ante el conflicto que se desarrolla en la época en su tierra natal, España.
ARQUITECTURA SXIX-XX
Nuevos materiales:
Hierro y acero: la mejoría y el abaratamiento de la producción los convirtió en los materiales más empleados. Las vigas y los arcos se conseguía que las columnas internas del edificio y los muros de piedra sean innecesarios creando espacios interiores.Cemento + hierro: originó el hormigón armado
Vidrio y cristal: el empleo del hierro permitíó sustituir las paredes por cristaleras y vidrieras
La nueva arquitectura tuvo serios problemas para imponerse ya que los arquitectos tradicionales le achacaban la falta de belleza
EXPOSICIONES UNIVERSALES :
Son las muestras mas representativas de la arquitectura para ellas se contruyeron enormes edificios de hierro destacan la de Londres 1851 con el palacio de cristal y la de París 1889 torre Eiffel
-Torre Eiffel-Gustave Eiffel – París SXIX
-Escuela de chicago-realizado por Louis Sullivan
Modernismo
CarácterÍSTICAS:
1-los edificios tratan de integrar todas las artes: el arquitecto modernista se ocupa también de todos los elementos que hay en el edificio.
2-la inspiración en la naturaleza: en la vegetación aparece siempre estilizada
3- el empleo de formas redondeadas, curvas:siguiendo a la naturaleza se prefieren la línea curva y la asimetría tanto en plantas y alzados y la decoración
4-el empleo de nuevos materiales en la construcción se usan materiales más contemporáneos como el hierro cristal o cerámica
5- la importancia de elementos decorativos sobre todo el hierro forjado,cerámicas,maderas y vidrios de colores
Modernismo ESPAÑOL
-Gaudi (1852-1926)
Obras más importantes:-la casa de Milá( Barcelona) SXX -la sagrada familia (Barcelona) 1882
El Cubismo
Movimiento más significativo y trascendente. A partir del Cubismo los conceptos de arte y belleza cambian totalmente. Picasso es el principal creador y artista del Cubismo,junto con georges braque y Juan gris. Va desarrollar pintura plana,bidimensional. Es otra forma de ver la realidad pues se renuncia a pintar las cosas como aparecen antes nuestros ojos.El pintor cubista presenta objetos o figuras como si los viese desde diferentes puntos de vista a la vez.
Color:no es el color sino la línea la que crea las figuras.La importancia de las representaciones en blanco y negro.
Temas:no tratan de lanzar ningún mensaje social…Los cubistas se mantienen vinculados a los modelos tradicionales.
El collage:al pegar en los cuadros diversos materiales.
Influencias recibidas:-paúl cezanne puse en practica un nuevo sistema de ver la realidad. Trato de apreciar en los paisajes las formas geométricas que estaban presentes en rocas,casas,etc.Elementos geométricos esenciales eran el circulo,el cubo,la esfera o el rectángulo. -esculturas primitivas de África y el pacifico.
Las Señoritas de Aviñón, Picaso, XX, representa a cinco mujeres, prostitutas de la calle barcelonesa de Avinyó,posan delante de una tela. En el centro, en la zona de abajo se muestra un bodegón compuesto por algunas frutas sobre una mesa tapada con un mantel arrugado de color blanco. Las formas son angulosas y, en ocasiones, desproporcionadas. Los desnudos femeninos están descompuestos en formas más o menos triangulares, marcadas por lineas claro-oscuras. Cinco mujeres presentan rostros muy peculiares la izquierda recuerda a las pinturas murales del arte egipcio, con la cara de perfil pero el ojo mirando de frente; dos de ellas tienen rostros que parecen máscaras pintadas, semejantes a las esculturas del arte primitivo africano; y las dos del centro tienen sus caras más acordes con el resto del cuerpo. Esta obra no se puede analizar desde la óptica de la perspectiva en el sentido tradicional pues, se presentan distintos puntos de vista, es un simultánea, distintos puntos de vista para ver las figuras en su totalidad. Ese intento de captar y descomponer la realidad en distintas facetas y puntos de vista se aprecia más aún en el Retrato de Ambroise Vollard, XX, Moscú, que es un ejemplo de la fase analítica del Cubismo, cuando se reconoce peor lo representado, porque hay más descomposición en distintas partes de las figuras que representan. Retrata a un célebre marchante de arte de la época con el rostro ceñudo. El color se limita a varios tonos neutros. Toda la figura está descompuesta en facetas, al igual que el espacio por lo que la forma se disuelve en ese entorno.
Ese análisis del Cubismo analítico no siguió adelante hacia la abstracción y se inaugura después el Cubismo sintético que conecta más con la realidad, llegando a incluir objetos reales en el cuadro, creando así el collage.
Naturaleza muerta con silla de rejilla, XX, París, Museo Picasso. Un bodegón que anuncia los primeros pasos en
la etapa sintética y es la primera exploración ación en serio del artista en el collage. Podría ser un típico cuadro analítico donde los objetos aparecen descompuestos en multitud de facetas, además los colores son austeros como todos los de la serie analítica, en tonos pardos para no distraer al espectador en la reconstrucción mental de los objetos. Hay una parte que así está tratada reconocíéndose algunos objetos diseñados en el ya consolidado lenguaje cubista de representarlos desde varios puntos de vista: una copa de cristal, una boquilla de pipa, un periódico, una rodaja de limón… Pero en la parte inferior izquierda tenemos el trenzado de rejilla de una silla perfectamente detallada y definida. Además aparecen signos tipográficos. Se puede leer las letra «JOu, inicio de «Journal». La obra, es ovalada, y el pintor la enmarca con una cuerda de cáñamo. El óleo ocupa la zona superior, pero la zona inferior, la de la rejilla… Es un hule. Braque y Picasso ya habían incorporado papeles. Periódicos o cartones pegados en otras obras cubistas, pero por primera vez se introduce el material plástico estampado: nos encontramos ante un collage. El juego con óleo y materiales de la vida cotidiana convertidos en objetos artísticos, también será de gran repercusión en otros movimientos y artistas del Siglo XX
EL Guernica, XX, Museo Reina Sofía, casi 4 metros de alto por 8 de largo. Día de mercado la legión Cóndor bombardea la ciudad vasca de Guernica. Es el primer ejemplo de masacre de población civil con fines desmoralizadores que luego se aplica en la Segunda Guerra Mundial: El cuadro es un encargo del gobierno de la Segunda República para la Exposición Universal de París. El pintor lo realiza en dos meses. No existe ninguna referencia a enemigos, verdugos, ni armamento, solo víctimas, por tanto se puede considerar como un cuadro denuncia de los horrores de la guerra, de cualquier guerra así se convierte en cuadro símbolo como lo era también los fusilamientos del 3 de Mayo de Goya El cuadro tiene aparentemente caos o desorden porque este es un elemento que provoca cualquier guerra. Sin embargo se percibe un eje triangular que tiene como vértice la lámpara que lleva una mujer, tal
vez como símbolo de luz y esperanza y la bombilla, como símbolo de la inteligencia. Es una obra llena de símbolos y mensajes.Es un cuadro símbolo, denuncia de la guerra que ocasiona sufrimientos; la lo del oscurantismo de la guerra; quinqué y lámpara, la luz y la flor que porta el guerrero son ese resquicio de esperanza en el horror. Es un cuadro dinámico por alternancia de curvas y rectas, espacios mas llenos y vacíos,negro y blanco y la propia deformación de los personajes. Predominan tonos blancos,negros,grises y azulados.Luz es irreal.Luz surge de los propios cuerpos,destacando rasgos anatómicos que fomentan la expresividad.No hay volumen,las figuras son planas,excepto el caballo que presenta cierta redondez.Apenas hay profundidad.
ESCULTURA cUBISTA y EXPRESIONISTA ESPAÑOLA:
Gargallo, El Profeta,, XX varias copias, Una en el Reina Sofía. El tema parece remitir a la iconografía cristiana, pero es probable que simbolice, de manera expresiva, el peligro que puede traer el que los fascismos hayan triunfado en Italia y Alemania. La escultura muestra a un hombre de píe con la espalda cubierta de piel de cordero. Su expresión es de fuerza, incluso agresiva, está gritando, gesticula para que le escuchen y le sigan, un brazo se eleva amenazante y con el otro sujeta el bastón o cayado del pastor, Es de bronce con dominio de la estructuras cóncavas que contribuyen a crean espacios vacíos de no materia que son tan importantes como los que tienen materia. Por eso da sensación de algo liviano a pesar de las dimensiones
El expresionismo
El GRITO, De Edvard Munch 1893 museo de Oslo Postimpresionism: la fuente de inspiración quizás proceda de la atormentada vida del artista: o por un padre severo, siendo niño vio morir a su madre y a ana de tuberculosis. En la década de 1890, a Laura, su avorita, le diagnosticaron un trastorno bipolar y fue n un psiquiátrico. Su estado anímico queda reflejado en estas líneas de su diario (escritas hacia 1892) Paseaba por repente el cielo se tiñó de rojo sangre, me detuve y me apoyé en una valla muerto de cansancio sangre y lenguas de fuego un sendero con dos amigos -el sol se
puso-de acechaban sobre el azul oscuro del fiordo y de la ciudad- mis amigos continuaron y yo me quedé quieto, temblando de ansíe sentí un grito infinito que atravesaba la naturaleza La obra muestra en primer plano una figura monstruosa, cas cadavérica, aterrada se tapa los oídos, su boca profundamente abierta hace que la mandíbula parezca desencajada y sus ojos aterrados, la propia naturaleza ondulante parece responder al grito pero no los personajes que como siluetas aparecen en el puente, ajenos o indiferentes a la angustia del hombre. En el fondo se observa el fiordo y unos pequeños barcos. Los contornos sinuosos del personaje central, las diagonales de la barandilla y las líneas sinuosas del fiordo crean un efecto dinámico, de agitación. En cambio las rectas de las siluetas crean la sensación de quietud, de pasividad. Predomina el color sobre la línea. En cuanto a las lineas se observan trazos curvos que se equilibran con las rectas de la silueta y las diagonales paralelas de la barandilla. Los colores son arbitrarios, planos con fuertes contrastes entre los tonos cálidos y los fríos. El tratamiento las figuras se caracteriza por la deformidad. En resumen todos los elementos formales están al servicio de conseguir la expresividad y la idea de angustia. Hasta la propia naturaleza parece hostil con un cielo rojo sangre que aumenta la idea de miedo .
Grupos expresionistas
Hay dos grandes grupos que conforman básicamente el movimiento expresionista (ambos objetivos y rasgos comunes, aunque con alguna diferencia):
-Los llamados «Die Brücke» (El puente), en Dresde. Formado por Ernst Kirchner y Emil Nolde. Su programa se publicó en 1906 llevar a cabo un movimiento artístico revolucionario que se alejara del arte precedente.
-El Jinete Azul, 1911-1914, Marc, Paúl Klee y Kandinsky,, quien dentro del grupo inicia pronto la tendencia hacia la abstracción. Posteriormente al expresionismo, durante los años 40 y 50 del s. XX, se desarrolla, sobre todo en Nueva York, un movimiento denominado Expresionismo
Abstracto. La pintura trata de expresar emociones, ya sean las del propio artista o las del espectador a partir de su reflexión ante la obra.
Cuadro de Pollock
Uno de los principales representante del expresionismo abstracto es Pollock, que aporta a esta tendencia una técnica pictórica denominada drip o goteo: vertía regueros de pintura sobre una tela tendida en el suelo mientras se movía a su alrededor. La velocidad en su ejecución es uno de los aspectos más significativos de este tipo de pinturas completamente abstractas, en las que se observa un sentimiento claro de horror vacui .