CarácterÍSTICAS GENERALES:
El Siglo de Oro de la pintura española lo es por el número de Pintores y por su originalidad. Es sin duda una de las aportaciones españolas Más importantes al arte europeo, por la gran calidad, por la personalidad de Algunos de sus pintores y por sus cualidades.
Es Una pintura fundamentalmente naturalista: lo mismo se refleja al humilde que se Expresan los estados excepcionales del alma (ascetismo y misticismo). Este Apego a la realidad, propio del temperamento artístico español, le aleja de la Interpretación heroica de los temas religiosos del Barroco italiano y flamenco, Más teatral y falso.
Los Sentimientos religiosos son los que impulsaron la sencillez, credibilidad e Intensidad expresiva que caracterizan a la pintura de la época (fusión de lo Milagroso con lo cotidiano). Se trataba de conmover e impresionar el alma de Los fieles para atraerles a la auténtica fe, dentro del espíritu de laContrarreforma, aunque también se usa Lo simbólico, pero que sólo llega a unos pocos.
En España destaca lo realista y lo concreto, por lo general, cargado de emoción. Se prefiere la sencillez de composición y de formas. Se rechaza el movimiento Violento e impetuoso de los italianos y flamencos. Casi toda es pintura al óleo Sobre lienzo. Se cultivan muchísimos géneros, aunque es sobre todo una pintura Religiosa y, en menos grado, de retrato.
Hay Dos centros artísticos: Madrid y Sevilla, y es que el arte se refugia donde hay Dinero y actividad intelectual.
JOSÉ RIBERA (1591-1652)
Rivera representa, junto con Zurbarán, La pervivencia del Naturalismo caravaggiesco, aunque ambos olvidaron o Atenuaron su tenebrismo con el transcurso de los años.
Nacíó En Játiva (Valencia). Muy joven se trasladó a Italia donde, después de residir En varias ciudades, se instaló en Nápoles (1616) donde vivíó hasta su muerte (no volvíó, decía, porque la patria trata bien a los extranjeros pero es Madrastra para los nativos). Gozó de la amistad de los virreyes, los cuales se Esforzaron por remitir cuadros al monarca español.
En Roma, antes de instalarse en Nápoles, conocíó la obra de Caravaggio;
En Bolonia contactó con el clasicismo, y en Parma admiró los cuadros de Correggio.
De estos contactos dan fe el interés por la realidad concreta y las Equilibradas y ordenadas composiciones que caracterizan su estilo. De Caravaggio Conocíó el Naturalismo tenebrista. También añadió el rigor y claridad Compositiva de los clasicistas, el color veneciano y la inspiración de la Estatuaria clásica, aspectos todos estos no caravaggiescos.En Su estilo la nota predominante es el interés por la realidad, haciendo Prevalecer en sus modelos la nobleza de la condición humana. Crea figuras Monumentales, a lo que contribuye su pincelada pastosa, de forma curva.
El Tenebrismo sólo lo utilizó en su primera etapa (hasta los años 30), Evolucionando a una pintura de gran riqueza cromática y fondos claros, por Influencia veneciana y clasicista. Se puede decir que le seduce Caravaggio Pero no lo imita.
Para La composición busca siempre un motivo dominante, al que subordina todo el Conjunto. Mostró escaso interés por el espacio en sus composiciones.
El Romanticismo forjó de él la leyenda de pintor cruel y sanguinario. Efectivamente pintó algunos martirios, que él representa con gran expresividad (sus clientes religiosos deseaban incrementar así el fervor popular) o cuadros Con morbo como La barbuda de los Abruzzos *.
Pero eran obras de encargo, a las que él aportó su capacidad para Captar el Realismo. Pero hay otras obras que expresan belleza.OBRA
Su Principal producción es religiosa, pero vivir en Italia hace que su temática se Beneficie con el tema mitológico, y con la práctica del grabado.
Para El Duque de Alcalá pintó La Barbuda de los Abruzzos
(Magdalena Ventura con su marido e hijo), que refleja un tema patológico.En La década de los treinta su estilo sufre una decisiva evolución. Su admiración Por el colorido veneciano, el propio cambio de gusto en la pintura italiana y Los trabajos de los clasicistas, le hizo iluminar los fondos (sin que abandone Las sombras, cuando el cliente o el tema lo exijan). La obra que mejor Representa este cambio es La Inmaculada Concepción*
, de gran luminosidad y riqueza cromática. Hay Realismo combinado con serenidad y equilibrio compositivo, realizado con Pincelada más suelta. Supone el inicio de una nueva iconografía, pues se Proclama la Inmaculada como dogma de fe en 1661.Esta Renovada fórmula más colorista también aparece en El Patizambo *
, mendigo tullido y de triste vida, que sin Embargo ofrece una digna imagen llena de ternura, con una sonrisa maliciosa y Resignada. Es un retrato de la vida de los suburbios de Nápoles.A Partir de 1637, por demanda del virrey duque Medina de las Torres realizónumerosas obras, de las que destacan El sueño de Jacob *
, donde se Describe el sueño de éste tras su huida a Harande las iras de Esaú; la voz del Señor le prometía protección. Se observa Una composición en aspa, pero sencilla, en actitud natural, y una cálida luz Que ilumina la escena.También De esa época es el Martirio de San Felipe *
, que representa la preparación del martirio, ya que Prefiere la entrega del santo al martirio mismo. Vemos la composición en Triángulos.Uno de los capítulos más Prolíficos de su producción religiosa lo constituyen las imágenes de santos y Apóstoles, a los que representa en solitario, en medio cuerpo o entero. Los Modelos los toma de la calle. Son figuras monumentales:
San Pedro, San Andrés, San Onofre, Tránsito De la Magdalena
Ejemplo de pintura de género es Vieja usurera.
Francisco DE ZURBARÁN (1598-1644)
Nacíó En Fuente de Cantos (Badajoz). Se formó con un discípulo de Luis de Morales, en Badajoz.
Su Principal aportación a la pintura barroca es el reflejo de la vida, las Creencias y las aspiraciones de los ambientes monásticos. Esta clientela le Llevó al éxito pero también condiciónó su pintura, porque los encargos de los Monasterios se ceñían a modelos establecidos. Por eso su pintura es un Magnífico exponente de la sencillez y del carácter fervoroso de la vida Monástica, que él plasmó con un estilo realista, simple, ajeno a cualquier Artificialidad o complicación compositiva. Se trataba de plasmar algo legible, Ejemplarizante para los frailes, y exaltando a la orden (espíritu de la Contrarreforma).
Sus logros son sus expresiones llenas de espiritualidad y dulzura, con Una dedicación especial a las visiones místicas, a los éxtasis y a la Reverencia, todo ajeno al dolor que imperaba en otros ejemplos de la época.
Fue el pintor más importante en Sevilla entre 1630 y 1645. Sus obras Reflejan el Naturalismo y el tenebrismo, pero más que el efectismo, buscaba la Realidad. Sus sombras fueron más suaves que las de Rivera y usadas como un medio para acentuar el volumen.
Destacan los colores luminosos y un preciso dibujo, con los perfiles Netos. Pocas veces emplea el paisaje; la escena acontece en un lugar cerrado, De ahí la falta de profundidad de sus cuadros.
OBRA
En 1622 se comprometíó a pintar veintidós cuadros para uno de los claustros del convento de la Merced Calzada de Sevilla, con historias de su santo fundador, San Pedro Nolasco.
Otra Serie son las escenas de la vida de San Buenaventura que pintó para el colegio franciscano del mismo Nombre. En algunos cuadros utiliza un marcado tenebrismo junto a un gran Cromatismo, destacando la profundidad de los sentimientos y la fuerza expresiva De sus personajes, concebidos como una galería de retratos.
En 1629 va a Sevilla donde iniciasu más Brillante etapa. Pinta la Apoteosis De Santo Tomás, de las obras más conseguidas del pintor.
En 1634 recibe la llamada de la corte para intervenir en la decoración del Salón De Reinos del Buen Retiro. Le encargaron diez cuadros de los trabajos de Hércules, y doce victorias Militares para ensalzar la gloria de Felipe IV:
La defensa de Cádiz, con estilo Teatral, fondos luminosos, escaso dominio de la perspectiva expresa su falta de Habilidad para composiciones complicadas.En Esta etapa influye el conocimiento de las colecciones reales, abandonando el Tenebrismo, influido por Velázquez.
Para el Monasterio de Guadalupe pintó una serie considerada como una de las obras maestras del Pintor. Son acontecimientos de la vida de monjes jerónimos que vivieron en el Monasterio durante el Siglo XV. En general, son milagros y apariciones. Era una Especie de propaganda clerical, ya que en las órdenes era un honor contar con Algún visionario o favorecido por los prodigios divinos. Alterna tenebrismo y Luminosidad:
Fray Gonzalo de Illescas *
Para El Monasterio de la Cartuja de las Cuevas (Sevilla) pintó La virgen de las cuevas con el manto Protector extendido
, Que es una alegoría, sin profundidad y con gran misticismo;
San Hugo en el refectorio de los cartujos *, Donde se representa la sumisión de los monjes ante el milagro, con gran Serenidad, en una composición ingenua, casi infantil.Por último, también hay que hablar de cuadros independientes, como sus Inmaculadas, rico en color Y dulzura;
La Virgen Niña, Santa Casilda *
o Crucifixión Con San Lucas.En El Bodegón, demuestra Que es el pintor de las calidades táctiles. Destaca su simplicidad, con una composición Clara y sencilla. Refleja la calidad del bronce, de la plata, de la cerámica, De gran Naturalismo.
DIEGO RODRÍGUEZ DE SILVA Y VELÁZQUEZ(1599-1664)
Velázquez es un pintor Excepcional. Nacíó en Sevilla. Tuvo una amplia formación cultural y artística En su juventud de la mano de Francisco Pacheco y posteriormente gracias A las posibilidades que le daba su situación en la corte, el conocimiento de Las colecciones reales, sus contactos con Rubens, sus viajes a Italia. Fue nombrado pintor del rey en 1623, en 1627, ujier de cámara; en 1652, Aposentador de palacio; alcanzó la nobleza en 1658: Caballero de la Orden de Santiago.
Su Posición le permitíó sosiego a la hora de pintar, sin tener que apresurarse Para entregar un encargo para cobrar, y de cierta libertad para pintar. Esto Conlleva que su obra no sea muy extensa, aunque sí fecunda, llena de retoques o Arrepentimientos, que son auténticos cuadros superpuestos (dibujaba “alta Prima”, sin dibujo previo).
Todo Su arte se apoya en la realidad, pero una realidad más sentida que observada. Representa la mitología con escenas cotidianas, pero no es un pintor “fotográfico” al estilo de los del Siglo XIX. No gustade contemplar la vida desde un ángulo trágico Ni espectacular.
Como Sus contemporáneos, utilizó el tenebrismo, aunque sólo en su etapa juvenil. Entiende que la luz no sólo ilumina los objetos, sino que nos permite ver el Aire interpuesto entre ellos, y como es aire mismo, hace que las formas pierdan Precisión y los colores brillantez y limpieza: es la perspectiva aérea. Nadie Como él fue capaz de captar los efectos atmosféricos entre los cuerpos, la Irradiación de la luz, los colores… Al abandonar el tenebrismo, aclara su Paleta y deja el color opaco y oscuro de su juventud. Utiliza una técnica Fluida que apunta las formas más que definirlas, proporciónándoles una Apariencia de desmaterializada.
En Los temas, se dedicó sobre todo a los retratos, obligación como pintor al Servicio del monarca, y temas profanos, facilitado por su vinculación a la Corte.
OBRA
ETAPA SEVILLANA (hasta 1623)
En 1610 entró en el taller de Pacheco, hombre de condición pictórica Modesta, pero que le transmitíó una serie de conocimientos teóricos decisivos. Empleó sus influenciaspara colocarle en La corte.
Realizó Una serie de obras basadas en la copia del natural y con un estilo vinculado al Naturalismo tenebrista de raíz caravaggista. Hace temas de género, con dibujo Preciso, factura lisa, ricas calidades, pocos personajes, vulgares e Individualizados (auténticos retratos), dispuestos generalmente junto a una Mesa, donde introduce la naturaleza muerta.
Vieja friendo huevos *
supone una conmoción ante la Pobreza, con una composición complicada. En la misma línea está El aguador *.
Algunos presentan En su fondo una ventana abierta o un cuadro con tema religioso, al gusto de la época:Cristo en Casa de Marta
En La adoración de los Magos Ya hay estratificación de planos con la luz.PRIMERA ETAPA MADRILEÑA (1623 -1629)
En 1622 viaja por primera vez a Madrid, donde conoce las colecciones reales. En 1623 se establece en Madrid como retratista, llamado por el Conde Duque de Olivares.
Obtuvo el título de pintor del rey Felipe IV, a quien Realizó varios retratos *
, Con los pies en ángulo recto, con los que obtiene mucho éxito.En Esta etapa, aunque se mantiene la dureza del contorno, la figura va a Destacarse sobre un fondo más claro. Se enriquece el color con tonalidades Rosadas y blanquecinas. Fue abandonado paulatinamente el tenebrismo, ablandando Los volúMenes y comenzó a soltar su pincelada, manteniendo el carácter realista De los modelos.
De Esta etapa destacamos El triunfo de Baco *
, también conocido como Los Borrachos:
El Realismo aquí es extremo; adapta la Mitología a su siglo, y la interpreta a su modo. Hay nuevos tonos, estabilidad En cuanto a la composición, monumentalidad y firmeza de las figuras…Antes De marchar a Italia contactó con Rubens, del que aprendíó las Posibilidades de la luz y del color, el valor de la imaginación y la relevancia Social que podía alcanzar un gran artista. Comprendíó que mucho le faltaba por Aprender, por lo que marchó a Italia.
PRIMER VIAJE A Italia (1629-1631)
Aunque Su destino era Roma viajó antes por Génova, Venecia, Ferrara, Bolonia… Su Paleta se transforma: desaparecen los negros y hay interés por el desnudo, el Paisaje y la perspectiva aérea, esto es, distinto grado de concreción y nitidez Que se aplica progresivamente a cada uno de los planos. Su estilo va alcanzando Madurez.
La Obra más conocida de esta etapa es La Fragua de Vulcano *
, que representa el momento en que Apolo ¾ deslumbrante ¾desciende del Olimpo a la mansión de Vulcano (representado en la fragua De un herrero) parainformar a éste de La infidelidad de su esposa. Destaca la expresión de sorpresa e indignación en Vulcano y sus compañeros, queriendo resaltar un choque psicológico. Coloca dos Huecos luminosos, la puerta y la hoguera, y tres planos iluminados: uno Sombreado, otro muy luminoso y otro en semioscuridad.SEGUNDA ETAPA MADRILEÑA (1631- 1649)
Hasta 1636 trabaja como retratista de la familia real y otros personajes de la época. También realizó algunos cuadros religiosos como el Cristo crucificado, de gran sencillez y sin sangre. Toma Como modelo el Cristo de la Clemencia de Montañés en torso y cabeza; El resto, es iconografía de Pacheco.
En Los retratos brillan los tonos plateados (influencia de El Greco o Veronés)
, Como se observa en Felipe IV De plata. Otros son los de laReina Isabel de Borbón, y el BufónPablillos de Valladolid *
, el más humano y mejor conseguido De sus retratos; no está en ningún sitio, el fondo es ambiguo y confuso, sin Elementos arquitectónicos; la figura se apoya en su propia atmósfera.Va A participar entonces en la empresa artística cortesana más importante de los años Treinta: la decoración del Salón de Reinos del Palacio del Buen Retiro, Con el objetivo de resaltar las glorias de la monarquía española (de Felipe IV)
, sobre todo a través de sus éxitos militares. De este conjunto destaca La rendición de Breda o Las lanzas *
, Donde capta los efectos atmosféricos en la lejanía, alcanzando gran protagonismo La luz y el color. Es uno de los primeros paisajes velazqueños y uno de los Primeros exteriores.Se inspira en la Comedia de Calderón
El Sitio de Breda. Resalta la hidalguía del Vencedor, evitando la humillación del vencido. Quiere escenificar algo Alegórico: la concordia. Es además un gran ejemplo de composición.Para El mismo Palacio realizó los Retratos Ecuestres de Felipe IV, Isabel de Borbón y El Príncipe Baltasar Carlos *
, con quizá el más bello de sus fondos Paisajísticos.En Los años siguientes continúa buscando el paisaje con avidez, como se ve en el Retrato ecuestre del Conde-Duque de Olivares *
, que representa al valido con gran arrogancia, como caudillo, en La batalla de Fuenterrabía. Puede ser el lienzo más Barroco de Velázquez.Para la Torre de la Parada del Pardo realizó retratos de cazadores:
Don Fernando
Hacia 1643 hace casi toda la serie de bufones, a los que Trata con un Realismo exquisito y sin ningún animo de ridiculizar, destacando El niño de Vallecas *, Francisco Lezcano, El bufón Calabacillas, Don Sebastián de MorraDos últimas obras de este período son La Coronación de la Virgen, plena de elegancia y majestuosidad y Marte.
SEGUNDO VIAJE A Italia (1648 – 1651…)
En Este caso viajó a Italia con el encargo de buscar cuadros para las galerías Reales españolas. Allí pintó mucho, sobre todo retratos, como el de Inocencio X, que se considera su mejor obra como retratista, ahondando en la Psicología del personaje (“Demasiado verdadero” dijo el papa).
EnPaisaje de Villa Médici *
Aparece prefigurado el impresionismo, pues vemos en el aire filtrarse Los rayos de sol hasta el suelo: del Realismo del tema se pasa al impresionismo De la factura.La Venus del espejo *
quizás la pintara en este viaje, Ya que se trata de un desnudo femenino (no es determinante, pues en España no Estaba prohibido), pero es un tema abundante en Italia. El espejo permite la Doble imagen, muy del gusto Barroco. Según la posición del espejo, Venus no se Puede reflejar en él.Es de gran Sensualidad, aportando sencillez y armónía en la composición. Se considera una De sus obras maestras. Se deja ver la influencia de Tiziano y Rubens.PERÍODO FINAL: 1651-1660
En Esta última etapa se produce la culminación de su calidad. Corresponden las más Altas definiciones de perspectiva aérea, lo que es la culminación del Naturalismo moderno. La paleta se hace muy líquida, esfumándose la forma y Logrando calidades insuperables. Realiza retratos (El Papa Inocencio X *)
y cuadros mitológicos exclusivamente.Su Obra maestra es Las Meninas *.
Se trata de un relieve colectivo. Constituye un gran compendio de la pintura Barroca: luz, espacio, ambiente, retratos, vida cortesana… Hay que señalar el Carácter enigmático de su contenido: La infanta Margarita visita el Taller de Velázquez que estaba en el propio Alcázar, acompañada por dos Jóvenes damas o meninas (Isabel de Velasco y Agustina Sarmiento), y otros Miembros de su séquito (enanos Maribárbola y Nicolasito Pertusano), mientras Que los Reyes Felipe IV y Doña Mariana de Austria entran (o Posan), atrayendo las miradas, reflejándose ambos en el espejo.Esta Natural escena adquiere un sentido trascendente e intelectual cuando se apunta La posibilidad de que Velázquez hiciera deliberadamente en este cuadro Una ostentosa exhibición de su talento, para convertirlo en una alegato en Favor de la pintura como un arte liberal, que imprime nobleza y dignidad a sus Creadores, rechazando la consideración de artesanal: presencia del pintor junto Al rey como un hecho excepcional. Así el cuadro no es la simple imitación del Natural ni el lucimiento de una técnica, sino la proyección de una idea Interna. El cuadro se agranda el mezclando lo que se ve con lo que no se ve, Mediante el espejo, que es una invitación para penetrar en el mismo cuadro.
En Las hilanderas *
o la fábula de Aracne consigue aunar La realidad visual y la concepción intelectual del mito. Se descubríó tarde (en 1947) que era una obra mitológica basada en la Metamorfosis de Ovidio. Siempre se había considerado como una exaltación del trabajo, una escena de Taller. La fábula narra la historia de la joven Aracne, que pregonaba ser mejor Tejedora que Minerva. Ésta convoca un concurso. Aracne, orgullosa de su Habilidad como tejedora, desafió a los dioses, ofendiendo a Minerva (Palas) al Representar en sus trabajos las aventuras amorosas de su padre Júpiter (quien Aparece raptando a Europa en el tapiz del fondo). Minerva levanta el brazo y la Convierte en Araña. Así, sitúa en primer plano el momento de la competición Entre la diosa y Aracne, tratada como una verosímil escena de género, dejando El castigo para el fondo, que es la clave de la obra. Las otras son jóvenes, Que según Ovidio, acuden a contemplar las labores de Aracne.Finalmente, De esta época son retratos deMariana de Austria, Infanta Margaritay el busto de Felipe IV.
BARTOLOMÉ ESTEBAN MURILLO (1617-1682)
El Artista sevillano pertenece ya a otra generación. Cambia el contexto histórico, Se ha relajado la Contrarreforma, La Iglesia ha triunfado. Si antes se Rinde culto a los santos heroizándolos, ahora se inicia la aproximación de la Religión al pueblo, de forma más familiar. Interesa también la gloria celestial Prometida.
Murillo es quien mejor representa el Nuevo lenguaje de la fe. Se inclina hacia la gracia; embellece la realidad, la Hace amable, serena, apacible, aun en los temas de miseria y pobreza. Su obra Está plena de equilibrio compositivo y expresivo (no hay sentimientos extremos). Es exquisito en la técnica, colorista excelente y buen dibujante. Creó Atmósferas cálidas y doradas, aunque también usó el tenebrismo.
Se Anticipó al Rococó, de ahí el gran crédito que gozó su obra en el Siglo XVIII, Y es que adivinó el gusto estético de dicho siglo, tiempo en que sus cuadros Entraron en las colecciones reales. En el Siglo XIX se rechazó su obra debido a La laicidad imperante, la repetición de los temas en estampas y grabados, Cambio de gusto… Hoy se considera uno de los mejores pintores religiosos del Barroco.
OBRA:
Se Formó en el taller del modesto pintor Juan del Castillo.
Estudió las Obras de Herrera el Viejo y Zurbarán;
Conocíó los cuadros de Ribera y de las escuelas italiana y flamenca que existían en las colecciones sevillanas.Sus Primeras obras pertenecen a los años 40, siguiendo la estética del Naturalismo Tenebrista: contrastes, naturalezas muertas, dibujo preciso, tonos apagados… En 1645 hace su primer gran encargo: once grandes lienzos para adornar el Claustro del conventosevillano De San Francisco, con Escenas de varios santos de la Orden:
San Diego dando de comer a los pobres
Los niños no faltan en su obra, Poniendo la nota de candor juvenil. De la misma serie es La cocina de los ángeles.
De Esta época es La sagrada familia Del pajarito *
, donde se observa su capacidad para captar el encanto Infantil. En el niño convergen las líneas. El sentido del color es aún pobre y Empastado. Los padres aparecen como artesanos. Este humanismo velazqueño lo va A ir abandonando poco a poco, integrándose en la corriente sagrada oficial.Antes De 1655 su estilo se encuentra plenamente formado como demuestra en La anunciacióncon colores Fluidos y pincelada decidida y ligera. No hay tenebrismo y el colorido es Alegre y desbordante. También destaca Visión De San Antonio *.
Hacia 1660, época de plenitud, consigue una gran soltura de pincel y riqueza Cromática y lumínica. Es admirable la capacidad compositiva y el tratamiento Elegante e idealizado de sus modelos, verosímiles pero menos individualizados (en 1658 estuvo en la corte donde admiró las colecciones reales y las obras de Velázquez). Realizó para la iglesia de Santa María la Blanca, en formato de Medio punto, una serie que tienen como tema la fundación de la Basílica romana De Santa María La Mayor:
El sueño Del patricio, en el que la virgen y el niño se le presentan al Patricio Juan. Son pinturas algo tenebristas.En 1665 contrató veintidós pinturas para el Convento sevillano de los Capuchinos:
Es un espléndido muestrario de habilidad Compositiva, del dominio de recursos técnicos y de la elegancia formal, Consiguiendo plasmar la espiritualidad de la pintura de la época. Sirvan como Ejemplo San Francisco abrazando al Crucificado *.Además De las series, Murillo realizó numerosos cuadros, entre los que destacan Los dedicados a la Inmaculada Concepción *
, uno de los temas que más han contribuido a extender su Fama, siendo el propio Murillo el más importante creador de esta Tipología. Destacamos la del Hospital de los Venerables (hoy en el Prado). Reflejó la devoción del pueblo con un lenguaje delicado y armonioso, con Grandes calidades pictóricas, expresión de candor y movimiento ascensional.Pero Sin duda su más original temática fueron las escenas infantiles, sin precedentes En la pintura española. El origen de este tipo de cuadros está en el Sentimiento religioso de la época y el interés del pintor por la representación De niños. Así, los representa vinculándolos en el terreno religioso a la Infancia de Jesús y de San Juan Bautista y otros santos.
El Buen Pastor
constituye un conjunto preciosista y Delicado, destacando los colores blancos e incluyendo como norma una columna Clásica, al fondo. Otros cuadros son San Juan niño, o Los niños De la concha.También representó a los niños en asuntos de género, donde la expresión Melancólica desaparece. Los pintó en la última etapa de su vida, plasmando Escenas populares con niños alegres y desenfadados, que por su espontaneidad Hacen olvidar la pobreza de sus vestimentas. Los primeros sí guardaban esa Melancolía:
Niño pordiosero * o Espulgándose
Otros son Niños comiendo Frutas *
oniños jugando a los dados.