El Estilo Concertato y la Ópera en el Barroco Musical

El Estilo Concertato en la Música Barroca

1.1. Introducción

El estilo concertato se basa en el principio del contraste, es decir, masas sonoras (coros) diferenciados. Por ejemplo, en el género concierto, hay un contraste u oposición entre un instrumento solista o un grupo de instrumentos de orquesta.

1.2. Etapas del Estilo Concertato

Podemos distinguir tres etapas principales en el desarrollo del estilo concertato:

Primera etapa (1570-1620): Se caracteriza por una música muy experimental, donde la música estaba totalmente al servicio del texto. Para describirlo, recurría a todo tipo de innovaciones, sobre todo relacionadas con el uso de la disonancia.
Segunda etapa (1620-1680): Se observa una vuelta a la tradición (melodías cantables, ritmos más proporcionados, vuelta al contrapunto). Este estilo se denomina bel canto y se aplica a la ópera.
Tercera etapa (1680-1740): Se establece la tonalidad (música tonal) y hay un auge de las formas instrumentales (conciertos, sonatas barrocas).

1.3. Características del Nuevo Estilo

El estilo barroco se diferencia del renacentista en varios aspectos:

En el Renacimiento, una práctica era un estilo, mientras que en el Barroco, dos prácticas eran tres estilos: eclesiástico, instrumental y teatral.
En el Renacimiento, prima la música sobre el texto, mientras que en el Barroco, el texto prima sobre la música.
En el Renacimiento, todas las voces estaban equilibradas de modo igual, por lo tanto, no había melodía. En el Barroco, había polaridad en las voces extremas, por lo que el bajo y el tiple eran más importantes.
En el Renacimiento, se usa un sistema modal, mientras que en el Barroco, un sistema tonal.
En el Renacimiento, el tactus rige un ritmo de desarrollo uniforme, mientras que en el Barroco, se rige por ritmos extremos y declamación libre.
En el Renacimiento, no pensaban en el timbre. En el Barroco, sí que valoraban el timbre.

Primera y Segunda Práctica

En la primera práctica, había que preparar las disonancias y la relación con el texto era moderada.
En la segunda práctica, las disonancias no hacía falta prepararlas y la música estaba al servicio del texto.

Bajo Continuo

Es una línea de un bajo que se extiende a lo largo de una pieza, en la que se improvisan armonías.

2. El Desarrollo de la Ópera

2.1. Orígenes de la Ópera

Las tragedias griegas tenían una unidad de texto, canto y movimiento:

Tenían coros (Ej. De Orestes)
Partes solistas
Pantomima (danza y gestos)

Los teóricos del Renacimiento desarrollaron dos teorías de cómo podrían ser las tragedias y cómo las pusieron en práctica mediante la unión de música, texto y representación escénica de algún tema mitológico.

Solo se cantaban los coros: (Andrea Gabrieli, Edipo Rey)
Todo se cantaba en la escena, tanto los coros como las partes solistas. La primera obra que fue Eurídices de Jacobo Peri.

2.4. Características del Estilo Recitativo o Representativo

Imita las inflexiones de la voz.
Utiliza con libertad los ritmos y la armonía (licencias en el tratamiento de la disonancia) para así favorecer la expresión de los sentimientos que aparecen en el texto.
No tiene claridad melódica, sino que busca un punto intermedio entre la música y el habla.

2.5. Personajes Protagonistas del Desarrollo de la Ópera

Girolamo Mei: Secretario eclesiástico que en su estancia en Roma investiga las fuentes más importantes de la música de las tragedias griegas.
Vincenzo Galilei: Principal teórico e introductor en la academia de las teorías de Mei a través de una abundante correspondencia.
Camerata de los Bardi: Academia florentina compuesta de mecenas, compositores, músicos y poetas que reflexionaron y teorizaron sobre el arte, la poesía, la música, etc.
- Conde Bardi: Principal mecenas.
- Rinuccini: Poeta de un texto sobre el mito de Orfeo y Eurídice.
- Jacobo Peri: Autor de la música.

Resultado: La Primera Ópera

Estas primeras óperas se denominan óperas de corte, pues estaban financiadas por una corte de la nobleza o por el alto clero:

Solo se interpretaban una vez para conmemorar un acontecimiento.
Eran muy costosas y los gastos no eran amortizados.
Su temática solía ser mitológica (alegórica).
El público invitado era perteneciente a las clases más altas.
Servía como signo del poder del mecenas, pues acrecentaba su prestigio ante el resto de la nobleza.
A partir de 1637, aparece la ópera empresarial del teatro de San Casiano de Venecia.

Características de la Ópera Empresarial

Se podía repetir tantas veces como se quisiera.
Los gastos se amortizaban mediante el pago de una entrada.
El tema solía ser el mito del buen gobierno y tendía a ser atractivo al público más popular.
El público pertenecía a todas las clases sociales.

2.6. Desarrollo de la Cantata

Forma vocal, compuesta por arias, recitativos y ritornellos instrumentales. En los primeros ejemplos, aún no hay una clara diferenciación entre aria y recitativo (Cantata primer barroco, Grandi).

La cantata del barroco medio adopta el estilo recitativo, arias (con una recurrencia muy común a bajos ostinatos, por ejemplo, el bajo de chacona) y ariosos. Más tarde adopta las características del bel canto (Lagrime mie, Bárbara Strozzi).

En Alemania, se desarrolló un tipo de cantata religiosa protestante que recurre muy a menudo a coros, inspirados normalmente en el coral luterano y que llegó a sus máximas cotas artísticas en la obra de Juan Sebastián Bach (Cantata nº 140, Bach).

2.7. Desarrollo del Oratorio

El término deriva del latín «oratorium» y significa «casa de oración». Eso indica que los comienzos de la forma se encuentran en contemplaciones religiosas, pero no litúrgicas. Por lo tanto, es una forma vocal de carácter religioso. Se compone de recitativos, arias, ritornellos y coros (generalmente sirven para acentuar momentos dramáticos). A diferencia de la ópera, no se representa, sino que la acción es narrada por un narrador o teoto. Suele estar basado en historias bíblicas. Un caso especial de oratorio son las pasiones, cuyo tema se basa en la historia de la pasión de Cristo. El primer oratorio es una pequeña obra de Cavallieri que lleva por título «Representazione di alma e di corpo». Hay dos tipos: latín (Carissimi) (culto) y volgare (Stradella) (vulgar).

2.8. Características del Bel Canto

Reacción a las imposiciones de los poetas.
Restauración de las leyes musicales tradicionales (melodía cantable y fluida, ritmo proporcionado con preferencia por el ternario, repeticiones temáticas, etc.).
Rechazo de la excesiva ornamentación (coloratura), que queda relegada a ciertos puntos dramáticos.
Idioma vocal más comedido. Influencia posterior a la época instrumental.
Utilización de pautas de danzas estilizadas. Suites (alemanda, courante, zarabanda y la giga).
Integración del bajo en la melodía (recursos contrapuntísticos).
Esta técnica se aplica a las arias, continuando un lenguaje representativo en los recitativos, que suelen tener una función más narrativa.

3. El Barroco Francés

3.1. Características del Barroco Francés

Aplicación del vers mesure (verso medido) consistente en la imitación de los metros cuantitativos antiguos. Esto se percibe en el continuo cambio de compás en los recitativos especialmente.

Elementos rítmicos como el doble puntillo.
Obertura francesa (Ejemplo: Armide)
- Forma A B A
- A: ritmo binario o cuaternario, tempo lento y carácter majestuoso.
- B: ritmo ternario, tempo rápido y textura contrapuntística.
Preferencia por las grandes agrupaciones instrumentales. Escritura orquestal a cinco voces.
Importancia del ballet.

3.2. Antecedentes de la Ópera Francesa: El Ballet de Cour

Forma escénica procedente del Renacimiento, que se representaba mímicamente y con recitados junto con canciones y coros. Esta forma pasó a ser típicamente barroca cuando los textos pasan a ser cantados mediante el recitativo francés.

3.3. La Ópera Francesa

Se llamaba Tragedie Lyrique (tragedia lírica). Contiene temas de la mitología, leyendas y héroes históricos. El centro constituye el recitativo. El género fue perfeccionado por Quinault y Lully como en Alceste (1674) o Armide (1686).

4. El Barroco Primero y Medio en Alemania

El principal músico alemán de este período es Heinrich Schütz. Allí conoce el nuevo estilo concertante basado en el bajo continuo. La representación del texto y del afecto típica del estilo moderno y el contrapunto del estilo antiguo se funden en una música genial sobre una base artesanal.

5. El Barroco en Inglaterra

5.1. Características de la Mascarada

Giraba alrededor de tres ballets específicamente diseñados o danzas escénicas a las que se sumaban recitativos y arias con un carácter alegórico.

5.2. La Ópera Inglesa

En sus comienzos, las óperas inglesas no dejaban de ser obras de teatro musicalizadas con una mezcla de elementos musicales de Francia e Italia.

El compositor más importante es Henry Purcell (Funeral de la reina Mary). Fue autor de música sacra (Anthems), de cámara y teatral.

Características Musicales de la Ópera Inglesa

Método cantable.
Una atrevida armonía cromática (descripción de los afectos).
Fusión de todas las influencias en un estilo personal:
- Formas del barroco italiano.
- Influencias de la música orquestal francesa.

La única ópera de Purcell con todo el texto cantado es Dido y Eneas (Londres de 1689), considerada la ópera inglesa más importante del siglo XVII.

6. El Barroco en España

6.1. Características del Barroco Español

Por un lado, tenemos que señalar un cierto conservadurismo, sobre todo en la música religiosa. Si bien ya durante el primer barroco existen numerosos ejemplos de compositores españoles en el extranjero, con un estilo italiano moderno como Bartolomé de Selma y Salaverde o guitarristas como Doisi y Briceño, clavicembalistas como Romaña, etc.

Ejemplo: Selma y Salaverde “Canción para soprano e Basso”.

El compositor de música para órgano más importante será Correa de Arauxo, que supo integrar las tradiciones hispánicas con las innovaciones musicales barrocas. Su obra más importante es la “Facultad orgánica”, una serie de tientos y otras obras para órgano. Otros autores son Aguilera de Heredia o Cabanilles.

En cuanto a la música vocal, villancicos y tonadas tienen una gran influencia del folclore, en sus ritmos sincopados, hemiolias, etc.

El género español por antonomasia es la zarzuela (equivalente español al ballet de cour o la masque inglesa). A diferencia de la ópera, los diálogos no se cantan en recitativo, sino que se hablan.

La primera ópera en español es La Selva Sin Amor, con texto de Lope de Vega, que no ha llegado hasta nosotros (música de Filippo Puccini). Se estrenó en 1627.

7. El Último Barroco en Italia

7.1. La Tonalidad en el Último Barroco

La tonalidad no la inventó un solo compositor ni una sola escuela, sino en varias escuelas y estilos musicales (escuela de Bolonia, ópera napolitana, etc.). Rameau, que pertenecía a una generación posterior a su primera aparición en música, la codificó (Tratado de armonía de 1722).

Características del Nuevo Sistema Tonal

Estableció un sistema de gradaciones de las relaciones de los acordes con un centro tonal.
La secuencia de quintas se convirtió en la fórmula más común y notable de la armonía (determina el grado de alejamiento de la tónica).
Utilización de acordes de séptima en todos los grados de la escala.
Utilización del acorde de séptima sobre la sensible en menor (séptima disminuida) para todos los momentos del clímax.
La serie descendente de acordes de sextos.
Progresiones armónicas.
Homofonía del bajo (con bajo continuo).

7.2. Las Formas Instrumentales del Último Barroco

La Sonata en Trío

Está escrita para dos instrumentos melódicos solistas y bajo continuo, haciendo las tres partes un todo, de ahí el nombre trio sonata. Sin embargo, debido a que el bajo continuo suele constar de dos instrumentos por lo menos (un chelo o una viola de gamba y un instrumento de teclado como el clave), las sonatas a trío son interpretadas generalmente por cuatro músicos.

Tipos de Sonata en Trío

Sonata de iglesia (Sonata da Chiesa):
- En general, consta de cuatro movimientos (lento-rápido-lento-rápido con respecto al tempo).
- El 2º movimiento es un allegro de fuga, el 3º movimiento se aumenta a la zarabanda y el 4º movimiento es giga (6/8).
- Se tocaban en la iglesia como entretenimiento, de ahí su carácter más serio que la sonata de cámara.
Sonata de cámara:
- Es una obra en tres o más movimientos estilizados de danza (a veces con un movimiento en forma de prólogo).
- A partir de 1700, se va fusionando con la sonata de iglesia, recibiendo ésta el nombre de partita, suite u ordre.
- El primero es un prólogo, el segundo es la alemanda y siempre empieza en anacrusa, el tercero es lento.

Suite

Serie de danzas estilizadas que tienen como origen la danza cortesana renacentista: a una danza lenta “de paso” le seguía una rápida “de saltos”. De ahí el carácter contraste de las danzas tanto en el ritmo como en el tempo. Son muy diversos los tipos de danza que pueden contener, si bien el tipo básico contiene la alemanda, la courante, la zarabanda y la giga. Otros términos utilizados para el mismo género son la partita y el ordre.

Concierto

Es una de las formas más características de la música instrumental del último barroco. Los dos tipos más importantes son:

Concerto Grosso (Corelli):
- Se basa en la división de la orquesta en dos grupos instrumentales, el tutti o concerto grosso y el solo o concertino: ambas partes con un continuo propio, lo cual les permitía mantener una cierta independencia. Para el concertino, Corelli escogió un trío de cuerdas, proyectando así el idioma de la sonata en trío sobre el entorno de la orquesta.
Concerto Solista:
- Se basa en la alternancia entre ritornellos (tutti) y episodios (solos). Su forma quedó establecida por Vivaldi en tres movimientos en sus más de cuatrocientos conciertos (violín, fagot, trompeta, mandolina, etc.). Episodio: suena el solista y Ritornello: toca la orquesta.