El Impacto de la Música en el Desarrollo Cognitivo y la Educación

Música e Inteligencia: Una Relación Sinérgica

La relación entre música e inteligencia ha sido objeto de numerosos estudios, sugiriendo un impacto positivo en el desarrollo cognitivo y emocional. La inteligencia, que adopta diversas formas, se define como la capacidad para resolver problemas o crear algo de valor apreciado por al menos una cultura.

Gardner y las Inteligencias Múltiples

Howard Gardner, con su teoría de las inteligencias múltiples, postula que no existe un único tipo de inteligencia, sino siete variedades:

Académica
Espacial
Kinestésica
Personales
Musical

Gardner identificó ocho tipos de inteligencia:

Lingüística: Facilidad para escribir, leer y contar cuentos.
Lógica-matemática: Resolución de problemas aritméticos y juegos de estrategia.
Corporal y kinésica: Procesamiento del conocimiento a través de sensaciones corporales (deportistas, bailarines).
Visual y espacial: Resolución de puzzles, dibujo, etc.
Musical: Habilidad para la música.
Interpersonal: Comunicación y comprensión de los sentimientos de los demás.
Intrapersonal: Autoconocimiento y automotivación intelectual.
Naturalista: Facilidad de comunicación con la naturaleza (añadida posteriormente).

Influencia de la Música en la Inteligencia

La música influye en la inteligencia de varias maneras:

Desarrollo cognitivo y emocional: La práctica musical mejora habilidades cognitivas como la memoria, la atención, la resolución de problemas, la percepción espacial y la creatividad. También fomenta el desarrollo emocional.
Inteligencia emocional: La música ayuda a conectar con los sentimientos y a mejorar la empatía.
Mejoras en el rendimiento académico: Algunos estudios sugieren que la educación musical puede mejorar resultados en matemáticas, lectura y ciencias.

En resumen, la música tiene un impacto significativo en el desarrollo intelectual, potenciando diversas áreas del cerebro y habilidades emocionales. Los efectos varían según factores como la edad, tipo de música y frecuencia de exposición.

La Importancia de las Artes en la Educación

Las artes, incluida la música, deben estar presentes en la educación porque contribuyen al desarrollo integral de los estudiantes, ofreciendo beneficios más allá de los conocimientos académicos.

Desarrollo Cognitivo

Las artes y la música estimulan el cerebro y favorecen el desarrollo de habilidades cognitivas. La práctica musical mejora la memoria, la concentración, la resolución de problemas y la atención. Estudios demuestran que estudiantes que practican música o artes visuales tienen mejor rendimiento académico.

Desarrollo Emocional e Inteligencia Emocional

La música y las artes ayudan a los estudiantes a comprender y gestionar sus emociones, promoviendo el bienestar emocional. La práctica en grupo fomenta la empatía, la colaboración y la comunicación.

Martha Nussbaum, en su obra «Sin fines de lucro. Por qué la democracia necesita de las humanidades» (2010), destaca la importancia de las humanidades para el desarrollo del respeto, el pensamiento crítico y la capacidad de reflexión.

En conclusión, las artes y la música son fundamentales en la educación porque contribuyen al desarrollo cognitivo, emocional y social, fomentando la creatividad, la inteligencia emocional y la colaboración.

Paisajes Sonoros: Una Propuesta Didáctica

Un paisaje sonoro se compone de diversos sonidos:

Sonidos naturales.
Sonidos humanos.
Sonidos producidos mecánicamente.

Murray Schafer estudió la evolución de los paisajes sonoros, identificando sonidos perdidos, en peligro de extinción y nuevos.

Objetivos Generales

Fomentar la escucha crítica.
Fomentar el respeto hacia los demás y el entorno.
Desarrollar una ecología acústica.

El World Soundscape Project de Murray Schafer es un proyecto destacado en esta temática. Luigi Russolo, en su manifiesto «El arte de los ruidos» (1913), propuso romper con el uso exclusivo de sonidos puros. Filippo Tommaso Marinetti destacó con sus «Síntesis Radiofónicas Futuristas».

Recursos y Aplicación en Educación Musical

Las cartografías sonoras son un buen ejemplo, registrando sonidos de distintos lugares. Sound Transit es un macroproyecto sobre esta temática.

Objetivos Específicos

Adquirir sensibilidad para escuchar la musicalidad del entorno.
Tomar conciencia del papel activo en el paisaje sonoro.
Discriminación sonora.
Facilitar el trabajo en grupo.
Fomentar la creatividad.
Familiarizarse con la expresión vocal.

Chris Watson propuso restablecer el vínculo auditivo entre edificios y un parque, introduciendo paisajes sonoros en canales de televisión. Barry Traux, en «Pendlerdrom», simula la sensación de estar en una estación de tren. Otros proyectos incluyen la creación de un Hacklab o laboratorio de audio (Rainer Krause) y proyectos como noTours o Andalucía Soundscape.

Movimiento Corporal e Inteligencias Múltiples

La percusión corporal mejora la memoria y la concentración, permitiendo el desarrollo de metodologías activas. Es fundamental utilizar grafías claras. Aunque ambos hemisferios cerebrales trabajan conjuntamente, existe una dominancia cerebral para ciertas funciones. La lateralidad es la utilización preferente de una mitad del cuerpo, y la lateralización es el proceso por el cual se establece esta diferencia (Rigal, 2006). Las inteligencias múltiples de Gardner (lógico-matemática, lingüística, visual-espacial, kinestésica-corporal, musical, intrapersonal, interpersonal y naturalista) se relacionan con el movimiento corporal.

Beneficios de la Danza en la Educación Musical

La danza ofrece múltiples beneficios:

Respecto al movimiento:
- Ritmo: Interiorización del ritmo.
- Lateralidad: Desplazamientos a derecha e izquierda.
Respecto a la interpretación de danzas:
- Dimensión espacio-temporal: Afianza la orientación.
- Atención: Desarrollo de la concentración.
- Memoria.
Respecto a la invención de coreografías:
- Creatividad.
- Trabajo en grupo.
- Diversión.

Además, mejora la condición física y mental. La falta de consideración de la danza en la educación se debe a su consideración como actividad femenina, la falta de formación del profesorado, la inexistencia de un currículum específico y la falta de recursos.

La Música como Hecho Cultural

El lenguaje de la música está determinado por:

El componente tecnológico de la sociedad.
La forma de percibir sus significados y de concebir el mundo.

La música refleja los modos de pensar, vivir y sentir de una época (Umberto Eco). Un breve recorrido histórico:

Edad Media: Influencia de la religión católica (canto gregoriano).
Renacimiento: Reforma luterana y aparición del coral en alemán.
Barroco: Crisis económica, política y religiosa, música expresiva y con contrastes.
Clasicismo: Músicos como «compositores artesanos», difusión de la imprenta y conciertos en salones.
Romanticismo: Nuevo concepto de artista, expresión de la subjetividad y libertad creadora.
Siglo XX: Cambio en el lenguaje musical (Debussy, Stravinsky, Schönberg). Jazz, gospel y blues como expresión de un pueblo oprimido.

La música actual está marcada por los avances tecnológicos, el consumo y el espectáculo. El blues influyó en la música popular occidental (ragtime, jazz, rock and roll, etc.). Cornell West destaca la importancia del blues y el jazz como punto de contacto cultural entre blancos y negros.

La Música y la Educación Musical como Parte Integral de la Identidad

La música y la educación musical son significativas cuando se integran en la vida diaria y en la identidad de las personas. La educación musical debe ser aplicable y relevante, permitiendo la expresión, la conexión emocional y el desarrollo de habilidades. Debe formar parte de la identidad, convirtiéndose en una forma de expresión y de entenderse a sí mismo y al entorno.

Música como Lenguaje

El lenguaje es comunicación por medio de símbolos (Juan Luis Arsuaga). Violeta Hemsy de Gainza afirma que la música es un lenguaje tan natural como el idioma. Ambos lenguajes comienzan con un balbuceo que se va afinando. Para Hemsy de Gainza, el lenguaje materno y el canto deberían progresar en paralelo. La música, como lenguaje, carece de información semántica directa, pero tiene un gran poder de comunicación, estimulando la imaginación y la fantasía. Transmite mensajes subjetivos, aunque existen pautas comunes utilizadas en otros medios, como el cine.

La Audición, la Escucha Activa y Creativa

Edward Willems afirmaba que la audición musical debe ser el punto de partida de los esfuerzos pedagógicos. En «El oído musical», expone la importancia del desarrollo de la percepción sensorial auditiva. En Educación Primaria, es importante desarrollar una escucha activa, valorando la sonoridad, percibiendo los sonidos y jugando con ellos. La enseñanza de la música en Primaria no busca formar músicos, sino contribuir a la formación integral.

Aaron Copland (1955) describe tres planos de escucha musical:

Sensual: Placer o distracción.
Puramente musical: Análisis de los elementos musicales.
Expresivo: Exploración del poder de la música, creando imágenes mentales.

La escucha creativa transforma los sonidos en imágenes o historias mentales. John Paynter (2009) considera la escucha musical creativa un factor clave en la experiencia musical. John Kratus (2004) señala que muchos educadores se centran en identificar parámetros musicales, olvidando que escuchar música es un acto creativo.

Percepción y Expresión Musical

El «mundo sonoro creativo» del niño se refiere a la importancia de desarrollar su relación natural con la música, fomentando su percepción, expresión y apreciación musical. Tradicionalmente, se han potenciado los lenguajes verbal y numérico sobre el artístico. La Educación Primaria es una fase crucial para el desarrollo de la persona. Kurt Palhen señala que la educación musical debe comenzar en la cuna.

La percepción musical implica la sensibilización al mundo sonoro y a patrones organizados de sonidos. La expresión musical permite a los niños crear música a través del canto, la improvisación o el movimiento corporal.

Consideraciones para fomentar la percepción y expresión musical:

Escucha Activa: Prestar atención a los detalles musicales.
Identificación de Elementos Musicales: Nombrar tempo, timbre, ritmo, etc.
Exploración de Instrumentos: Comprender cómo se crean los sonidos.
Cantos y Coros: Desarrollo de la percepción y expresión musical.
Juegos Musicales: Desarrollo lúdico de habilidades.
Exploración de Géneros Musicales: Ampliar la comprensión musical.
Creación Musical: Composición e improvisación.
Conciertos y Presentaciones: Asistencia a eventos en vivo.

Música Programática

La música programática busca representar o contar una historia o imagen a través de la música. Ejemplos:

«Los Planetas» de Gustav Holst.
«En un mercado persa» de A.W. Ketélbey.

Música y Cine

Desde la invención del cine, la música en directo acompañó las proyecciones. «El cantante de jazz» (1927) fue la primera película sonora. El cine fue una oportunidad para compositores clásicos (Prokofiev, Shostakovich). Max Steiner fue el primer compositor en utilizar los leitmotives wagnerianos en el cine («King Kong», «Lo que el viento se llevó»). En los años 50, el jazz influyó en la música cinematográfica (Alex North). Bernard Hermann colaboró con Alfred Hitchcock. En los años 60, la música pop irrumpió en el cine (Henry Mancini). John Williams y Steven Spielberg colaboraron en grandes bandas sonoras. La música cinematográfica es una poderosa arma de mensaje emocional.

Musicar

La idea de componer en la escuela surge en la década de 1960 (Rusinek, 2005). David J. Elliot y Christopher Small definen «Musicar» como tomar parte en una presentación musical. Musicar, en el contexto educativo, es una herramienta clave para el desarrollo cognitivo, emocional y social. Mejora la memoria, la atención, la creatividad y el pensamiento crítico. Promueve el trabajo en equipo, la expresión emocional y la inteligencia emocional.

Papel del Docente en la Clase de Música

Según Maravillas Díaz (2002), ser creativo musicalmente implica hacer patentes las posibilidades de cada uno, desbloquear inhibiciones y enseñar a decidir por sí mismo.
Murray Schafer, en «El rinoceronte en el aula», afirma que el pedagogo musical no enseña música, sino que hace música con sus alumnos.
Violeta Hemsy de Gainza advierte contra el interés desmedido por la repetición, que produce «pequeños repetidores».
François Delalande, en «La música es un juego de niños», señala que la educación musical ha evolucionado hacia pedagogías activas.

El docente ante la composición e improvisación debe fomentar el elemento lúdico. Para Keith Swanwick, los elementos del juego imaginativo en música son: creación, composición e improvisación.

Qué no se debería hacer:

Ser excesivamente directo y controlador.
Ser partidario de la repetición en busca de la perfección.
Preparar tareas de corte analítico.

Qué sí se debe hacer:

Hacer que el alumnado se sienta protagonista.
Animar a componer e improvisar.
Proporcionar acceso libre a materiales de creación.
Valorar en positivo el trabajo realizado.
Crear a partir de ideas globales.

¿Qué es la Metodolatría?

La metodolatría es la excesiva vinculación a un método estandarizado, una «pedagogía de recetas» (Regelsky). Es necesario desarrollar una actitud reflexiva y crítica ante los modelos educativos.

Características de la metodolatría:

Enfoque excesivo en el método.
Desajuste con las necesidades del contexto.
Desinterés por los resultados de aprendizaje.

Audición Musical Activa y Comprensiva

La audición musical activa y comprensiva permite al oyente participar activamente y disfrutar de la música de un modo más consciente. El profesorado debe fomentar la experiencia de escuchar música en vivo, la atención, la concentración y el desarrollo de la memoria musical.

Referencias:

A. Copland: «Si se quiere entender mejor la música, lo más importante que se puede hacer es escucharla».
Pahlen (1961): Todos tenemos musicalidad.
Maneveau (1993): «Hay que enseñar y aprender a escuchar para oír y entender la música…».

Métodos Musicales: Activos, Instrumentales y Creativos

Métodos Instrumentales Activos

Los métodos instrumentales activos involucran la participación activa de los estudiantes mediante el uso de instrumentos musicales. Se basan en el principio de que los estudiantes aprenden mejor cuando están directamente involucrados en la práctica musical.

La rítmica de Jaques-Dalcroze: Conexión entre rimas y movimientos corporales. Trabaja el oído interno y la motricidad.

Características:

Aprendizaje mediante la práctica.
Fomento de la creatividad y la improvisación.
Participación activa y colaborativa.
Desarrollo de habilidades prácticas y cognitivas.

Métodos Instrumentales

Los métodos instrumentales son enfoques pedagógicos diseñados para enseñar a tocar instrumentos musicales de manera estructurada.

Método Orff-Schulwerk: Utiliza movimientos naturales y creativos. Pilares: voz, instrumentos de percusión corporal o pequeña percusión y movimientos.

Método Kodály:

Folklore.
Sensibilidad auditiva.
Canto.
Educación musical temprana.
Lecto-escritura musical.
Fenonimia (gestos para representar sonidos).

Métodos Creativos

Los métodos creativos en la música fomentan la improvisación, la composición, la experimentación y el pensamiento crítico musical.

La educación musical no es sólo aprender música, sino también experimentar sonidos del entorno y la producción artística y creatividad.

John Paynter: Todos los sonidos deben ser considerados como material musical. Relación escuchar-explorar-crear.
Murray Schafer: Importancia de crear música y sonidos a través de la experimentación y sensibilización del entorno sonoro. Creador del paisaje sonoro.
Delalande: Contrario al aprendizaje de la notación codificada. Exploración con todo tipo de material sonoro.