El Renacimiento Artístico: Origen, Fases y Características Clave

El Renacimiento Artístico: Un Nuevo Amanecer

El concepto de Renacimiento se aplica a la época artística que da comienzo a la Edad Moderna. El término procede de la obra de Giorgio Vasari, *Vidas de pintores, escultores y arquitectos famosos*, publicada en 1570, pero hasta el siglo XIX este concepto no recibió una amplia interpretación histórico-artística. El Renacimiento rompe con la tradición artística de la Edad Media, a la que califica, con pleno desprecio, como un estilo de bárbaros o de godos. Y con la misma conciencia se opone al arte contemporáneo del norte de Europa.

La figura del artista es engrandecida y admirada, por lo que se abandona definitivamente el anonimato. Surge el taller del maestro que controla el acceso a la profesión de los oficiales y aprendices, y que es quien recibe los encargos de los clientes.

La burguesía, la Iglesia y la monarquía serán protectores de los artistas, ya que se descubre el valor propagandístico del arte.

Se establecen tres tipos de relación entre el artista y el cliente:

1. El sistema doméstico, en el que el mecenas acoge en su casa al artista para que trabaje.
2. El mercado, en el que el artista simplemente vende las obras que crea por encargo.
3. La academia, en el que el artista trabaja para el Estado.

Como definición, el Renacimiento supone la recuperación del arte clásico.

Fases del Renacimiento

• Trecento (siglo XIV en Italia): Se inicia el Renacimiento en Pintura con Giotto.
• Cuatrocientos (siglo XV)
• Cinquecento (siglo XVI)
• Clasicismo (hasta 1525)
• Manierismo (desde 1525 a 1590)

Características Generales del Renacimiento

• Búsqueda de la inspiración en la Antigüedad clásica (Grecia y Roma): Se buscan formas simples, armonía de proporciones, uso de elementos arquitectónicos del mundo clásico (frontones, columnas, cúpula, arco de medio punto, etc.), uso del desnudo en pintura y escultura.
• Dominio de la perspectiva: Dando una sensación más real al representarse la profundidad.
• El hombre como centro: Retorno a la medida humana, edificios adaptados a la medida humana y a sus necesidades.
• Observación e imitación de la naturaleza: Imitación de la realidad de forma idealizada, buscando la belleza y la perfección técnica.
• Cambio en los temas: En arquitectura, junto a las iglesias, se construyen palacios, ayuntamientos, universidades, hospitales y plazas públicas. Pintores y escultores no sólo realizan obras religiosas, también retratos y escenas mitológicas.
• Importancia de los mecenas para el apoyo y desarrollo del arte.

Modelo de la Sociedad Renacentista

• Aparición de las monarquías autoritarias
• Descubrimientos geográficos y ampliación del mundo conocido
• Desarrollo de la burguesía
• Conflictos religiosos (pensamiento humanista, reforma protestante y contrarreforma católica)

Arquitectura Renacentista

Características Generales de la Arquitectura Renacentista

• Ruptura con el gótico: Se descarta el arco apuntado y la verticalidad, se aleja de la decoración del edificio, la decoración debe ser la misma estructura del edificio. Se rechazan las vidrieras y la luz tamizada a los arcos apuntados.
• Vuelta al clasicismo: El Renacimiento es ante todo una vuelta al clasicismo, a los valores de la antigüedad grecorromana aunque no imitando sino recreando, releyendo. Se retoman los órdenes clásicos y su alternancia en las fachadas al estilo romano (toscano, jónico, corintio). Arcos de medio punto, cúpulas sobre pechinas o tambores.
• Proporción, armonía y simetría entre los elementos del edificio.
• Perspectiva y proporción numérica: módulo.
• Elementos según las vistas de planta y alzado.

Planta

• Plantas basilicales aunque se idealizará la planta centralizada de cruz griega, cuadrada y circular.
• Plantas de palacios con patio central.

Alzado

Elementos Sustentantes

• Columnas de orden clásico de fustes generalmente lisos.
• Pilares.
• Muros. El muro vuelve a tomar la función sustentante que había perdido en el gótico francés.

Elementos Sustentados

• Cúpulas de media esfera sustentadas sobre pechinas o sobre tambores.
• Bóvedas vacías de cañón de crucería.
• Adinteladas, artesonados.

Elementos de Descarga

• Arcos de medio punto.

Materiales

• Piedra
• Mármol, usado en placas al estilo romano, pocos edificios estarán construidos completamente de mármol
• Caliza, areniscas, granitos, dependiendo de la zona.
• Barro cocido
• Ladrillos, disimulados bajo el mármol
• Tejas, cubiertas exteriores.
• Madera: Vigas, artesonados, cerchas

Decoración

Exterior (Fachadas)

En un principio, se tiende a reducir la decoración dejándola en los elementos estructurales y la belleza matemática de la construcción, el Renacimiento es un arte intelectual con vocación de tal.

• Mármoles de colores (Florencia).
• Esculturas.
• Terracotas esmaltadas.
• En los palacios se implanta el sistema de tres niveles.

Interior (Paramentos)

La misma teoría que en los exteriores, luz pura y la proporción del edificio.

• Esculturas, coros, altares y capillas.
• La pintura al fresco será el elemento decorativo fundamental de los edificios renacentistas.

El Renacer del Arte Clásico en el Renacimiento

El Renacimiento va a tener dos principales periodos:

Quattrocento

El siglo XV, periodo inicial donde se empieza a experimentar con la arquitectura, la pintura y escultura. El centro de este primer periodo va a ser Florencia, ciudad rica por el comercio y los banqueros, dominada por la familia Medicis.

Cinquecento

Siglo XVI. El Renacimiento se expande por todas las cortes europeas aunque va a ser la Roma de los Papas el principal centro de creación.

Quattrocento: Arquitectura

Los principales arquitectos del Renacimiento del siglo XV son Filippo Brunelleschi (Santa María di Fiori) y Leon Battista Alberti (Santa Maria Novella, S.Andrés de Mantua, Palacio Ruccelai).

Las bases de la arquitectura renacentista serán:

• Proporción: Los edificios estarán sujetos a un canon de proporción marcado por la altura de la columna, que marcará el intercolumnio, siendo este la mitad de la altura.
• La luz: La luz será limpia, sin elementos que la alteren como vidrieras de colores.
• Recuperación de los órdenes clásicos, dórico, jónica y corintio.
• Recuperación del arco de medio punto frente al apuntado gótico.
• Uso de la cúpula como cubierta.
• Portadas en forma de arco de triunfo romano.

Escultura del Quattrocento

Los principales escultores serán Donatello (David, Condottiero Gatamelatta) y Ghiberti (puertas de bronce dorado del batipterio de la catedral de Florencia).

Las bases de la escultura son:

• Reaparece la gliptica greco-romana
• Representación del espacio
• Utilización del contraposto
• La escultura se influirá directamente de las obras greco-romanas
• Se recuperarán los cánones clásicos basado en la cabeza, de 7 u 8 cabezas
• La escultura deja de estar sujeta a la arquitectura como elemento decorativo para convertirse en una obra autónoma.
• Se recuperan materiales como el bronce o el mármol. Además de la temática religiosa, abundará la obra conmemorativa como estatuas ecuestres de generales.
• Recuperación de la figura del mecenas.

Pintura del Quattrocento

En pintura van a destacar, entre otros del círculo florentino, Piero de Francesca (El Bautismo, La Resurrección) Masaccio (Santísima Trinidad, Expulsión del paraíso) Fra Angelico (Anunciación) y Botticelli (Virgen con el Niño, Alegoría de la primavera).

Las bases de la pintura son:

• Se va a crear un lenguaje completamente nuevo a partir del uso de la perspectiva matemática ya que no quedaban casi ejemplos de la pintura griega y romana.
• Se buscará la naturalidad aunque al utilizar métodos matemáticos será una naturalidad artificial.
• Se usarán dos técnicas principalmente: el fresco y el temple sobre madera. Hasta el siglo XVI no se introducirá el óleo que permitirá una mayor plasticidad a la obra.
• La temática será principalmente religiosa aunque también se cultivará el retrato y los temas mitológicos.

Cinquecento: Arquitectura

Bramante (Templete de S. Pietro in Montorio) y Miguel Ángel Buonarroti (Basílica de S. Pedro) van a ser los principales arquitectos de la época.

Bases de la Arquitectura del Cinquecento

• Se van a acometer grandes obras como la construcción de la Basílica de San Pedro.
• En esta etapa predomina el volumen sobre la proporción, los grandes pilares, y las cúpulas.
• El estilo se hará internacional apareciendo obras en casi toda Europa.

Escultura del Cinquecento

En este periodo va a destacar Miguel Ángel (Sepulcro de los Médici, La piedad, Madonna de Brujas, David, Sepulcro de Julio II) sobre todos los demás artistas, tanto es así que los sucesivos artistas les van a designar como manieristas porque trabajan a la manera de Miguel Ángel.

Bases de la Escultura del Cinquecento

• Se conquista el volumen y las obras adquieren gran rotundidad.
• Las obras de tipo mitológico abundarán más que en primer periodo.
• Los materiales serán los mismos del primer periodo aunque Miguel Ángel optará por el mármol frecuentemente.

Pintura del Cinquecento

En el Cinquecento tendremos tres grandes artistas en pintura: Leonardo da Vinci (Leda y el Cisne, La Virgen de la Rocas, La dama del armiño, La Gioconda, La Última Cena), Miguel Ángel (Capilla Sixtina) y Rafael (Vírgenes, Las tres gracias, el entierro de Cristo, Desposorios de la Virgen).

Bases de la Pintura del Cinquecento

• La pintura se consolida y adquiere una gran relevancia gracias a la introducción del óleo que va a permitir pintar el aire.
• La temática será la misma del siglo anterior, siendo los temas religiosos y los retratos la mayor parte de la producción.
• Las técnica avanzará bastante gracias a la introducción del óleo y del sfumato.

Arquitectura del Quattrocento

Brunelleschi (1377-1446)

Considerado como el primer arquitecto renacentista por su cúpula de Santa Maria de las Flores. Su conocimiento matemático le permitió levantar esta cúpula y crear obras de perfecta proporción. Crea el dado brunelleschiano, se trata de un fragmento de entablamento que se coloca sobre el capitel y sirve de arranque para el arco. En los interiores se observa una luz diáfana el material es pietra serena (piedra arenisca de color grisáceo).

Obras de Brunelleschi

• Cúpula de Santa María de las Flores.
• Recuperación de la cúpula como sistema de cubrición.
• Doble cúpula esquifada sobre un tambor de 46 metros de diámetro. La cúpula exterior se sustenta con la interior, se eleva sobre un tambor octogonal, de dimensiones colosales y una ingeniosa solución técnica, dos cúpulas unidas, una interior semiesférica y otra exterior apuntada, que contrarresta los empujes de la primera. Utiliza ladrillos huecos (menor peso). Con linterna y cimbra de madera.

Características Innovadoras de Brunelleschi

• Decoración exterior a base de galerías de arcos de medio punto, hornacinas aveneradas y los entablamentos clásicos.
• Utilización sistemática del arco de medio punto, sostenido por columnas de orden clásico formando galerías, su repetición rítmica contribuye a subrayar la claridad racional de los edificios renacentistas.
• La simetría y regularidad de los elementos constructivos y la unidad de conjunto, se materializan en las líneas de perspectiva que guían la mirada del observador y otorgan al espacio amplitud y profundidad.
• Muy utilizada la columna, tanto por su función constructiva (sustentante), como decorativa, bien aislada, formando arquerías o combinada con pilares. Se emplea el repertorio de los cinco órdenes clásicos. La columna es esencial, el estudio de sus proporciones es uno de los, y sirve como pauta para determinar toda la proporción del edificio.
• Se utilizan todas las órdenes romanos, desde el rústico al compuesto, el corintio enriquecido es el más utilizado.

León Battista Alberti (1406-1472)

Escribió un tratado de arquitectura *De Re Aedificatoria*, basado en el libro *De Architectura* del escritor romano clásico Vitruvio. Contribuye a la difusión del arte arquitectónico. Es el gran teórico de la arquitectura renacentista.

Sus edificios denotan una clara inclinación al clasicismo, especialmente en las fachadas, en las que las columnas, las arcadas, los capiteles y los frontones con tímpano nos remiten directamente a los arcos de triunfo y a los templos grecorromanos.

Busca un tipo de templo que aúne la utilización de los elementos clásicos y las necesidades derivadas del culto y la liturgia cristiana. Era preciso compaginar la grandiosidad de los edificios clásicos y el carácter aéreo de la arquitectura gótica, pues si la primera imponía por su solidez, la segunda se distinguía por la luminosidad de sus interiores.

El arquitecto renacentista se inspirará en las formas geométricas básicas, que se encontraban en los edificios clásicos. El círculo y el cuadrado, el cubo y la esfera, el cilindro, son las formas más adecuadas, gracias a su perfecta regularidad y racionalidad. La dinámica lineal y ascendente del gótico será desplazada por la lógica del clasicismo.

Obras de León Battista Alberti

• Santa María Novella (1279): Iglesia gótica con fachada renacentista, aunque la parte inferior sigue siendo gótica. Incorporación de elementos clásicos como las pilastras, los arcos de medio punto y los aletones para que sirvan de transición entre el cuerpo inferior y el superior.
• *San Andrés de Mantua (1472):* Considerada la primera construcción monumental del renacimiento clásico. Planta de cruz latina. Fachada en forma de arco del triunfo de gran profundidad.

Arquitectura del Cinquecento

Miguel Ángel

Obras de Miguel Ángel

• Biblioteca Laurenciana: Emplazada dentro del convento de la basílica de San Lorenzo, en el piso superior del lado oriental del claustro. Durante la década de 1520, Miguel Ángel diseñó la sala de lectura y vestíbulo con la escalinata de acceso, los trabajos no finalizaron hasta varias décadas después y no bajo la dirección de Miguel Ángel. Miguel Ángel tomó como punto de referencia el tipo de articulación de muros desarrollado por sus predecesores florentinos, pero en lugar de seguir con fidelidad los cánones clásicos estipulados por griegos y romanos, Miguel Ángel utilizó columnas, frontones y ménsulas de manera más personal y expresiva. Hacía falta organizar espacios diferentes para separar los libros latinos de los griegos, y también se querían repartir los libros raros en pequeñas salas, al final se acabó optando para organizarlo todo en una gran sala. Se situaron ventanas muy próximas las unas a las otras, con lo que se conseguía ampliar la luminosidad; el vestíbulo se diseñó como lugar de circulación, con una altura superior, y se añadieron ventanas de iluminación.

Evolución del Lenguaje del Arte Clásico: Clasicismo y Neoclasicismo

Introducción

Llamamos arte clásico al desarrollado en Grecia y Roma, y que ha aportado a la historia del arte un estilo basado en la naturaleza, el ser humano, la racionalidad de las formas y de los volúmenes. Esta recurrencia a las formas clásicas ha sido constante a lo largo de la historia en la civilización occidental. El arte clásico se ha considerado la herencia cultural del mundo grecolatino en la civilización occidental.

Gran parte de lo que se conserva y se conoce de esa época fue gracias a su recuperación en el Renacimiento entre los siglos XV y XVI, en el Clasicismo del siglo XVII y en el Neoclasicismo del siglo XVIII. Los humanistas y artistas plásticos del Renacimiento italiano se dedicaron a estudiar e imitar las obras de la Antigüedad que se conservaban en Roma, a la revisión de los textos clásicos y a la conservación de los cánones de la cultura clásica.

Influencias Griegas en Diferentes Épocas

• Roma: En todos los ámbitos culturales y lugares del imperio Romano, sobre todo en la escultura, conservamos gran parte del patrimonio griego gracias a copias romanas. La cultura grecolatina constituye la base del concepto de lo clásico.
• S.XV Edad Media: Pervivencia de lo clásico en la Filosofía. Los saberes científicos son difundidos por los árabes. En el arte bizantino el mosaico, la planta basilical fue adoptada por la arquitectura religiosa cristiana.
• S.XVI Renacimiento: En todas las formas artísticas, el pensamiento y los temas, utilización de los mitos clásicos como tema.
• S.XVII Barroco: Pervivencia de los temas mitológicos (Velázquez) y la utilización de elementos clásicos como referencia para la formación de artistas en la Academias de Arte.
• SXVIII. Neoclasicismo: Vuelta a las formas clásicas.

El clasicismo surgió en Italia a finales del siglo XVII y se afianzó hasta las postrimerías del siglo XIX. Se caracterizó por una rápida expansión en Europa y en los Países Bajos, se implantó en Italia, Francia, España, Alemania, Rusia e Inglaterra. Convivió entre la corriente romántica y el barroco, pasando por el Rococó y el Manierismo.

Características del Clasicismo

• Concibe el arte como algo de utilidad pública, siempre destacando la ética y el buen gusto. Pretende ser universal y atemporal.
• Exhibe una búsqueda constante de la perfección, destaca la pureza y el equilibrio de las formas. Se inspira en los ideales de belleza de la antigua Grecia y la civilización Romana, armoniza las formas con el equilibrio y la sobriedad.
• Da continuidad a los valores del Renacimiento, sigue la tendencia humanista, resaltando la independencia y dignidad del espíritu humano.
• Los temas que aborda están relacionados con la moral, la filosofía, la mitología y la política.

El Neoclasicismo

El neoclasicismo fue un movimiento artístico y literario que surgió a mediados del siglo XVIII y se desarrolla en Francia durante casi cien años, desde la segunda mitad del siglo XVIII hasta las primeras décadas del siglo XIX. Tenía como base la renovación de los valores filosóficos y estéticos de la Antigüedad Clásica y el culto a la razón.

Se presenta como un cambio, el Barroco y el Rococó serán duramente criticados y sustituidos por un estilo basado en el redescubrimiento de la Antigüedad Clásica.

Características del Neoclasicismo

• Es un arte sereno y equilibrado, que reacciona al lenguaje decorativo, y reiterativo del Rococó. Sus postulados son pureza, luminosidad, equilibrio y fidelidad al pasado: el Clasicismo.
• Su ideal: el modelo artístico griego y romano. Llevar lo clásico hasta la admiración y a la imitación. Nuevos descubrimientos arqueológicos: Herculano (1738) y Pompeya (1748), ciudades romanas sepultadas por las cenizas del Vesubio en el año 79 influyen en el desarrollo de las artes plásticas.
• Es el primer arte no cristiano: sustituye a Dios por el culto a la razón. Su centro es la inteligencia, el testimonio de la luz de la razón.
• Creación y desarrollo de las academias, en las que el artista recibirá una formación de rigor intelectual y fidelidad a las grandes artes del pasado.
• Los nuevos centros del Arte serán ahora Roma, donde llegarán, generación tras generación, jóvenes artistas, expertos y coleccionistas para formar su gusto y formular sus ideas estéticas, y París, por ser el foco histórico más relevante en cuanto a cambios políticos y sociales que harán posible el desarrollo del nuevo arte.

Escultura Neoclásica

Canova (1757): Escultor italiano. Antonio Canova se inspiró en la Antigua Grecia para crear sus espectaculares esculturas, por las que fue considerado el mejor escultor europeo desde Bernini.

El nombre de Canova se asocia esencialmente a esculturas de mármol de acabado y pulido perfectos, que encarnan la belleza ideal y son frías y distantes, libres de la expresión de cualquier sentimiento o turbación. Este escultor, que encarna de maravilla el gusto de su tiempo, plasmó la belleza natural en reposo, libre de cualquier movimiento espontáneo y con simplicidad que contrasta con la etapa anterior de la escultura barroca.

Cúpula de la Basílica de San Pedro

Miguel Ángel utiliza elementos decorativos clásicos de forma personal. Enorme cúpula de media naranja sobre tambor, linterna, ventanas entre pares de columnas coronadas por frontones curvas y rectos.

Basílica de San Pedro del Vaticano

Miguel Ángel fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro en 1546 a los 72 años de edad. La construcción de la basílica había sido empezada sobre la anterior paleocristiana, por mandato del papa Julio II y bajo la dirección del arquitecto Bramante; a partir del fallecimiento de este último, se hizo cargo Rafael Sanzio, que modificó la planta y la transformó en una cruz latina.

Cuando Miguel Ángel recibió el encargo de las obras, modificó de nuevo la planta y volvió, con ligeras variaciones, a la idea original de Bramante de cruz griega, pero redujo las cuatro esquinas del cuadrado para que las áreas más pequeñas pudieran tener luz directa.

Le corresponde en particular la modificación de la cúpula central respecto al proyecto de Bramante: suprimió el anillo con columnas y le dio un perfil más elevado. Al suprimir las torres, la cúpula se convirtió en el elemento predominante.

Obtuvo permiso del papa, ante la vista de sus maquetas, para demoler parte de la construcción de Sangallo y, sin alterar de forma sustancial el interior, consiguió imponer su estilo personal y aportar una gran unidad al conjunto. La mayor parte de las obras se realizaron entre los años 1549 y 1558.

Bramante

Obras de Bramante: San Pietro in Montorio (1501)

El edificio tiene un objetivo conmemorativo, con intención de exaltar la figura de San Pedro como Pontífice Romano. La obra fue financiada por los reyes católicos, Isabel de Castilla y Fernando de Aragón, como monumento conmemorativo del martirio de San Pedro.

El edificio consta de una cella circular que rodea el agujero abierto en la roca donde la tradición cristiana sitúa la crucifixión del primer Papa. Esta Cella formada por 16 columnas peripteras de orden dórico, sostienen el entablamento que posee friso de triglifos y metopas, y está coronado por una balaustrada. El cilindro adopta por encima de la balaustrada un aspecto de tambor con ventanas abiertas y hornacinas con veneras.

Escultura del Quattrocento

Características Generales de la Escultura del Quattrocento

• Se independiza de la arquitectura (bulto redondo), pasa a ser un arte mayor.
• Se utilizan más los materiales nobles: mármol y bronce.
• Importancia del cuerpo humano (antropocentrismo).
• Perfecto tratamiento anatómico, pero un naturalismo idealizado.
• Recupera las proporciones del mundo clásico (canon de 9 cabezas).

Temáticas de la Escultura del Quattrocento

• Representación del hombre: retratos, la escultura ecuestre y el desnudo.
• Representación del espacio, en perspectiva con líneas de fuga, y combinación de alto, medio y bajo relieve.
• Incorporación del entorno a la obra.
• El cuerpo humano es la belleza absoluta, el contrapposto fue utilizado por Donatello y Miguel Ángel.
• Los relieves se realizaron con las reglas de la perspectiva y se mostraban a los personajes con expresiones de dramatismo.
• Reapareció con la gliptica greco-romana el trabajo con piedras semipreciosas con la talla en camafeo.

Materiales de la Escultura del Quattrocento

En la escultura del Renacimiento se utilizaron toda clase de materiales, principalmente del mármol, bronce y madera. El bronce compitió con el mármol principalmente en monumentos funerarios, fuentes y pequeñas esculturas para decoración de interiores.

La madera fue utilizada mayormente en países como Alemania y España, donde la gran riqueza forestal y el trabajo tradicional de la madera policromada estaba muy arraigado.

La terracota fue empleada como material más pobre y por lo tanto más económico.

Técnica de la Escultura del Quattrocento

• A partir del Renacimiento se empleó el taladro manual o trépano para eliminar la piedra hasta una cierta profundidad.
• Para las obras en bronce fundición necesitaba la realización de la obra previamente en arcilla o en cera para su posterior.
• La talla en madera, se podía realizar también en talla directa sobre el bloque de madera con la ejecución de un boceto pequeño para su guía o con el modelo previo en yeso o arcilla, y también pasarlo por puntos como en el mármol.

Tipos de Esculturas

Vitrubio (arquitecto y escritor romano del siglo I a.C.) definió el canon del cuerpo humano, el Hombre de Vitruvio, adoptado más tarde por Leonardo da Vinci: el cuerpo humano inscrito en el círculo y el cuadrado (los patrones geométricos fundamentales del orden cósmico).

• Bulto redondo: El Renacimiento adoptó los elementos básicos que había descrito Vitrubio, la composición de la figura humana se basó en la búsqueda de la perfección en la anatomía, sobre la que muchos artistas de esta época adquirieron verdaderos conocimientos con la práctica de disecciones para su estudio.
• Relieve: En el relieve se utilizaron la arquitectura y las recién adquiridas leyes de la perspectiva para componer los fondos de las representaciones, como en la célebre puerta del Paraíso de Ghiberti o en los relieves con la técnica de *stiacciato* para el altar de San Antonio en Padua realizados por Donatello.

Obras Destacadas

• David de Donatello (1440)
• David de Miguel Ángel (1504)

El David de Miguel Ángel

• Material: Mármol
• Altura: 4,10 metros
• Ubicación: Academia de Florencia

Tema

David estudia a su rival en un momento de máxima concentración y energía contenida (*terribilità*), mirada con ira, preparando el ataque.

Composición

Escultura de bulto redondo, realizada en mármol. El artista no representa la acción, sino la intención, la tensión contenida, por eso la figura es musculosa. Es una suma de voluntades, la representación del naturalismo florentino y al mismo tiempo el gusto por el desnudo y el estudio de la anatomía. Miguel Ángel rompe con el Quattrocento y el Clasicismo al colocar dos miembros del mismo lado en movimiento y agranda otras partes (agigantamiento miguelangelesco): manos, pies, uñas, dedos o el gesto.

Significado

David es un símbolo para Florencia en la defensa de su libertad frente a Milán.

Antonio Cánova: Eros y Psique

La escena capta el momento en el que Eros revive a Psique con un beso, después de que ella ha tomado la poción mágica que le había arrojado a un sueño eterno.

Este grupo ofrece una imagen al mismo tiempo idealizada y humana del amor. También por las grandes superficies y el fino grosor sorprendente de las alas de Eros, los puntos de apoyo estructural sabiamente elegidos, pero formalmente atrevido y elegante entrelazado de las formas corporales, cuya fluidez y dulzura aparecen tan naturales, todo esto esconde una notable proeza en términos técnicos y un profundo conocimiento por parte del artista de las capacidades expresivas del cuerpo humano.

Sepulcro de Julio II: Moisés de Miguel Ángel

Composición

Moisés muestra un rostro que estará presente en muchos de los personajes del mismo autor: *le terribilità*, término italiano que resume la fuerza contenida en sus figuras. Moisés lleva bajo el brazo las tablas de la Ley, posee una musculatura rotunda, titánica, como muestra su potente pierna apoyada en el suelo. La figura presenta una pierna ligeramente adelantada, tiene la cabeza girada, su expresión facial es seria y dura con una poblada barba (2,35 m).

Moisés era parte del mausoleo del Papa Julio II, encargo que dicho Papa hizo a Miguel Ángel y que le tuvo ocupado al artista 40 años, aunque el propio Papa lo distraía con otros encargos. Introduce diferentes puntos de vista en la escultura, con expresiones diferentes que sumadas nos dan el carácter expresivo: un iluminado mirando al Sinaí, con las cejas concentradas, con la responsabilidad de ser conductor de un pueblo pero con la tragedia de no poder pisar la Tierra Prometida. Con un ángulo más oblicuo la sensación es de mayor vigor, con un brazo en tensión y de perfil, se ve la pierna semiflexionada también en tensión. Sumando todo esto vemos la posición sentada pero a punto de levantarse, inestable, en tensión. El acabado es perfecto como en las demás figuras, mármol pulido con resalte de tendones y venas en brazos y piernas, con plegados en vestido y barba realizados a trépano. Es otra obra perfecta, inmortalizando un segundo, un momento antes de pasar a la acción.

Tondo Doni de Miguel Ángel (1504)

Se trata de un encargo de su amigo personal Agnolo Doni, un rico tejedor florentino (ya vimos

al matrimonio Doni retratados por Rafael)Representa a la Sagrada Familia. La Virgen María, sentada de rodillas en el suelo gira el cuerpo en un escorzo muy marcado para coger al Niño Jeús que por detrás se lo entrega San José.-Una composición circular para un marco redondo cortado sólo por la horizontal del fondo donde podemos ver a la derecha a San Juan Bautista niño que contempla la escena y a un grupo de desnudos masculinos que podrían tratarse de ángeles representados sin alas.Técnicamente Miguel Ángel utiliza un dibujo muy depurado y una técnica de colores muy intensos. El resultado es de un efecto escultórico sorprendente.-Es la única obra pintada sobre madera de Miguel Ángel.inmaterialidad. venus(1484): es también una pintura al temple sobre lienzo. Venus aparece totalmente desnuda surgiendo del mar.Venus se acerca a la costa sobre una concha a modo de barco. Los vientos empujan a Venus hacia la orilla donde la espera la Primavera para cubrirla con el manto. Venus es la figura principal, destaca la belleza dulce y sugerente y la gran melancolia de su miradaEsta Venus no representa el amor carnal o el placer sensual sino el ideal de belleza.Análisis formal: Esta obra mitológica, encargada para la villa de Castello, representa a Venus emergiendo de las aguas en una concha, arrastrada hacia la orilla por los vientos Cefiros, mientras una de las Horas la espera con un manto floreado.Linea y ritmo: Las lineas ondulantes de los cabellos de Venus, sus manos y la curva de la concha crean un ritmo visual que refuerza la sensación de movimiento y gracia.Espacio y perspectiva: El fondo carece de profundidad realista, funcionando como un «telón» que destaca la figura de Venus.Luz y color: Las sombras son casi inexistentes, y los colores suaves y translúcidos aportan ui atmósfera etérea y divina.Análisis conceptual:Neoplatonismo: Venus encarna la dualidad entre el Amor Humano (Venus Vulgar) y el Amor Divino (Venus Celestial). Su desnudez simboliza la pureza de la belleza ideal, mientras que su sensualidad conecta lo divino con lo terrenal.imbolismo cromático: Los tonos pastel evocan la delicadeza de lo celestial, mientras las flores y el manto floreado conectan con la idea de fertilidad y renacimiento.Relación con La Primavera: Ambos cuadros exploran la transformación de la belleza divina en belleza terrenal. El manto floreado que cubre a Venus en El Nacimiento de Venus anuncia la Venus vestida de La Primavera, conectando ambas obras en un relato neoplatonico sobre la armonia entre lo fisico y lo espiritual.Botticelli logra sintetizar los fundamentos del arte renacentista -línea, color, perspectiva y simbolismo- en un estilo único, marcado por la influencia neoplatónica.

Virgen con Niño (1469) Está ejecutada al temple sobre madera. Mide 100 centímetros de alto y 71 cm de ancho. Las Madonas de Botticelli, tienen un estilo propio que permite reconocerlas. Se caracterizan por su estado de ánimo serio, meditabundo. La relación entre la Madre y su Hijo es más intelectual que afectuosa.CinquecentoDurante el periodo se consolidaron los logros y tendencias del siglo XV, pero también se introdujeron algunas novedades:Predominio de la pintura al oleo sobre tela (aunque también se pintaron frescos monumentales como los de la Capilla Sixtina).Utilización del claro-oscuro: lo contorno dejan de definirse con líneas para hacerlo con un juego de luces y sombras, dando como resultado un modelado mas blando.El sfumato y la perspectiva aérea sustituyen a las perspectiva lineal y matemática.Las composiciones son grandiosas, simplificadas y la claridad, frente a la complejidad de las pinturas del siglo XV.Desaparece lo anecdótico y la influencia flamenca pues se supera.Los marcos arquitectónicos se reducen al minimo.Los pintores se concentraron en la búsqueda de la belleza ideall y la perfección, prestando gran atención al cuerpo humano, especialmente desnudo (tanto masculino como femenino).Pintores del Cinquecento: Leonardo, Rafael y Miguel AngelLeonardo da Vinci( Leda y el Cisne, La Virgen de la Rocas, La dama del armiño, ultima Cena), Miguel Angel (Capilla Sixtina) y Rafael (Virgenes, Las tres grai Cristo, Desposorios de la Virgen).la Virgen del jilguero, pintada en 1506, en la que siguiendo las pautas de Leonardo, representa en un paisaje natural a la Virgen María y al Niño Jesús, al que le entrega un jilguero San Juan Bautista niño.- Es evidente la utilización de la composición piramidal y la técnica del sfumato en el tratamiento del paisaje y de las propias figuras.

En 1508 el Papa Julio II lo convoca en Roma para confiarle la decoración de la parte privada del Papa en el palacio vaticano, lo que se conoce como Las Estancias Vaticanas.De las cuatro habitaciones, Rafael sólo realizará la primera, la que servia de biblioteca privada de Julio II. Por ese motivo representa en cada una de sus cuatro paredes todo un programa humanístico, la justicia, la poesia, la teología y la filosofia.Capilla Sixtina.En 1508, cuando ya tenía iniciado el encargo de la tumba del Papa Julio II, éste le hace un nuevo encargo, la decoración del techo de la Capilla SixtinaMiguel Ángel, a pesar de considerarse escultor, acepta sin mucho convencimiento el encargo y le dedica cuatro años de su vida en exclusividad desde 1508 a 1512.Simuló diez arcos fajones para dividir la bóveda en nueve tramos y dos falsas cornisas que parten cada tramo en tres partes.Los nueve rectángulos centrales de dos tamaños diferentes narran historias del Génesis, del Antiguo Testamento, narrando la Creación y la caida delhombre:-La separación de la luz de las tinieblas-La creación de los astros-La separación de la tierra del agua-La creación de Adán-El pecado original y la expulsión del Paraiso-El sacrificio de Noë-El diluvio universal-La embriaguez de Noé.En las cuatro esquinas de los recuadros menores encontramos sentados y en escorzos a los ignudis, Jovenesdesnudos que sostienen unos medallones también con escenas del antiguo testamento.-En los timpanos de los laterales se encuentran los antepasados de CristoY entre los timpanos se alternan las sibilas y los profetas que habían anunciado en la mitología pagana y en la Biblia la redención de Cristo.En las cuatro esquinas de la bóveda encontramos cuatro relatos del antiguo testamento y que tienen que ver con la salvación del pueblo de Israel, uno de ellos es el relato de David y Goliat-Una concepción escultórica guió toda la realización del fresco, como se aprecia en la rotundidad de las figuras y en los escorzos de los cuerpos desnudos.Para conseguir que las figuras tuvieran una postura diferente, realizó innumerables estudios anatómicos.-Los cuerpos desnudos y la extrema naturalidad de los gestos revela el profundo conocimiento que tenia de la anatomia humana.- La profunda rectauración que se le realizó entre 1990 y 1994 reveló ese colorid conociamos en la obra de Miguel Ángel en el Tondo DaniLa escena más famosa de la bóveda de la Capilla Sixtina es la de La creación de Adán, en la que Dios padre con el dedo extendido le transmite la vida al padre de la humanidad, presentándonos el acto de la creación del hombre con una grandeza jamás igualada.