El Arte del Renacimiento: Un Legado Imperecedero
El Isabel de Valois Sosteniendo un Retrato de Felipe II
Ficha Técnica
- Autor: Sofonisba Anguissola
- Cronología: 1561-1565
- Estilo: Renacimiento
- Localización: Museo de El Prado (Madrid)
- Técnica: Óleo sobre lienzo
Descripción Formal
Retrato que muestra a la reina Isabel de Valois, tercera esposa de Felipe II, de cuerpo entero, vestida con el clásico negro propio de la corte castellana del momento, aunque aparece ricamente adornada. Va tocada con multitud de joyas que se entrelazaban con sus cabellos, tal como se peinaba prácticamente a diario, y también luce un collar y una cintura de diamantes y perlas. La delicadeza con la que Sofonisba Anguissola recrea con minuciosidad cada uno de los detalles del vestido de la reina es una de las características más destacables de este retrato, y algo propiamente italiano. La reina viste saya negra con mangas en punta, recogidas con botones de rubíes y cerrada en su parte frontal con perlas. Además, Anguissola ha sabido tratar el cabello minuciosamente y ricamente adornado con una diadema de perlas y piedras preciosas, así como el cuello, adornado con un collar y una rica puntilla.
La reina sostiene una miniatura de su marido, en la que el rey aparece vestido con ropa negra y el Toisón al cuello colgado de una cinta de seda roja. Este retrato se ha querido asociar al papel de la reina Isabel de Valois en la Conferencia de Bayona, celebrada en 1565, en la que se tuvo que entrevistar en nombre de Felipe II con su propia madre, Catalina de Médicis, y su hermano Carlos IX, rey de Francia, para dirimir los asuntos del cristianismo que a ambas naciones afectaban. La reina apoya su mano derecha en actitud de majestad sobre una columna de jaspes polícromos, característica en los retratos de Estado y que hace alusión al linaje de su marido. Durante muchos años esta obra estuvo atribuida erróneamente al pintor Sánchez Coello; sin embargo, detalles como la preparación en blanco de plomo han hecho que su autoría se decante definitivamente por Anguissola. Esta obra se considera el mejor de todos los retratos que la artista hizo de la familia real durante su estancia en España. Asimismo, el retrato de Isabel de Valois es excepcional puesto que es el retrato de una mujer hecho por otra. Es testigo de un siglo XVI en el que dos mujeres con mucho talento, coincidieron, convivieron y dedicaron su vida y sus esfuerzos al impulso del arte.
Tributo de la Moneda
Ficha Técnica
- Autor: Masaccio
- Cronología: 1425
- Estilo: Quattrocento
- Localización: Capilla Brancacci (Florencia, Italia)
- Técnica: Pintura al fresco
- Tipología: Pintura
Descripción Formal
Esta obra forma parte del conjunto de escenas del Antiguo y Nuevo Testamento situadas en la Capilla Brancacci de Florencia y en la que se narran tres episodios dentro de la misma composición. La escena representa los tres momentos del episodio en el que Cristo, a quien el recaudador había pedido su pago, con un ademán indica a Pedro que en el agua encontrará el dinero, y en otra escena, Pedro paga al recaudador, sacando la moneda de la boca de un pez del lago cercano. Las figuras del grupo principal se sitúan en un paisaje formando casi un círculo y vestidas a la manera griega. Su monumentalismo está inspirado en las estatuas clásicas y en las obras de Donatello, por las que Masaccio sentía especial admiración. Hay que destacar, además, la expresividad de sus rostros, que aportan gran sensación de realismo, reforzada por los gestos. Al ubicar al recaudador de espaldas, intenta involucrar al espectador en la escena (influencia de Giotto) y hacernos partícipes de esta manera del episodio que transcurre en esos momentos. Las figuras del grupo principal se sitúan en un paisaje formando casi un círculo y vestidas a la manera griega. Su monumentalismo está inspirado en las estatuas clásicas y en las obras de Donatello, por las que Masaccio sentía especial admiración. Hay que destacar, además, la expresividad de sus rostros, que aportan gran sensación de realismo, reforzada por los gestos. Al ubicar al recaudador de espaldas, intenta involucrar al espectador en la escena (influencia de Giotto) y hacernos partícipes de esta manera del episodio que transcurre en esos momentos. La luz inunda la composición resaltando los colores empleados (que también sirven para dar efecto de perspectiva a la obra, colocando los más cálidos en primer plano y los más fríos, al fondo) y el efecto volumétrico de los personajes, interesándose Masaccio por la anatomía.
Hay diversas interpretaciones de la obra; la más aceptada para algunos autores es la que la relaciona con el comercio marítimo de Florencia, en clara alusión a Francesco Brancacci, comerciante florentino y patrono de la obra.
El Renacimiento: Un Renacer Cultural
El Renacimiento, cuyo término significa “renacer”, representa una época de revitalización cultural que contrasta con la denominada “oscura Edad Media”. Este movimiento buscó recuperar y reinterpretar las formas de la Antigüedad clásica, centrándose en conceptos como la perspectiva y la proporción. Se produjo un retorno a una cultura antropocéntrica, donde el ser humano se consideraba el centro del universo, dando lugar al humanismo. Los humanistas retomaron el estudio de los clásicos, las lenguas griega y latina, la filosofía, la ciencia natural y el arte.
Un elemento clave en este periodo fue la figura del mecenas: individuos de alto prestigio social que financiaban a los artistas, proporcionándoles estabilidad económica y la oportunidad de destacar en el mundo del arte. A diferencia de épocas anteriores, durante el Renacimiento, el mecenazgo no solo buscaba fines públicos, religiosos o políticos, sino también la exaltación y prestigio personal o familiar. Los mecenas y sus familias comenzaron a aparecer en las obras de arte, no solo como donantes humildes, sino como protagonistas de la historia representada. Encargar una obra de arte se convirtió en una forma de ostentación y propaganda de prestigio político, ideológico y social. Familias adineradas competían por obtener los servicios de los mejores artistas, y en las cortes europeas (como las de Francisco I, Carlos V, Enrique VIII y los Papas) se disputaban a los más talentosos. Este apoyo elevó el estatus de los artistas, quienes dejaron de ser considerados meros artesanos para ser reconocidos como intelectuales y teóricos. Gracias al mecenazgo, el Renacimiento italiano experimentó una explosión creativa. Artistas como Leonardo da Vinci, Miguel Ángel y Rafael pudieron desarrollar su talento y dejar un legado artístico perdurable.
Figuras Clave del Renacimiento
- Leonardo da Vinci (1452-1519): Ejemplo del “hombre universal” del Renacimiento, fue ingeniero, pensador y artista. Se formó en el taller de Verrocchio y desde joven estuvo vinculado al círculo de los Médici. Dominó la profundidad de manera natural y buscó el equilibrio formal mediante composiciones triangulares. Estudió anatomía para perfeccionar el movimiento de sus figuras y desarrolló la técnica del “sfumato”, que envolvía a sus personajes en una neblina, armonizando figura y fondo. Obras destacadas: “La Virgen de las Rocas” y “La Gioconda”.
- Rafael Sanzio (1483-1520): Nacido en Urbino, una ciudad con un ambiente humanista vibrante, Rafael supo conciliar diversas tendencias artísticas. Su estilo se caracterizó por la proporción, la medida y la elegancia, buscando siempre la belleza ideal. Su obra se divide en etapas: la primera en Perugia y Urbino, con ordenación simétrica y claridad espacial; la segunda en Florencia, influenciado por Leonardo, adoptando la composición piramidal y el “sfumato”; y la última en Roma, donde, bajo el encargo del papa Julio II, decoró las “Estancias Vaticanas”, culminando el proceso de pintura mural en Italia.
- Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564): Considerado el genio del periodo, se especializó en escultura pero también destacó en pintura, abordándola con mentalidad de escultor. Sus figuras son musculosas, monumentales y dinámicas, reflejando la “terribilitá” miguelangelesca. En Florencia, destaca el “Tondo Doni”, que anticipa recursos manieristas. En Roma, por encargo papal, realizó la “Capilla Sixtina” y, en su madurez, el “Juicio Final”, donde el movimiento es más complejo y se exalta la anatomía y el desnudo, reflejando el papel del hombre en las teorías humanistas de la época.
En resumen, el Renacimiento fue una época de renacer cultural que, gracias al mecenazgo y al talento de artistas excepcionales, dejó un legado artístico y humanista que perdura hasta nuestros días.
Cúpula de la Catedral de Santa María del Fiore
Ficha Técnica
- Autor: Filippo Brunelleschi
- Cronología: 1420-1436
- Estilo: Quattrocento
- Localización: Florencia (Italia)
- Material: Ladrillo, piedra y mármol
- Tipología: Cúpula
Descripción Formal
La catedral de Florencia es una construcción gótica que a principios del siglo XV estaba sin abovedar el crucero. En 1418, se convocó un concurso para terminarla y el proyecto de Brunelleschi fue el seleccionado. Por la altura del edificio, la cúpula que diseñara Brunelleschi no podía ser totalmente esférica por posibles problemas de derrumbe. La solución llevada a cabo por el arquitecto fue la construcción de una doble cúpula, una interior semiesférica y otra exterior apuntada, uniendo ambas por un sistema de ganchos. El espacio hueco que quedaba entre las dos permitió contrarrestar el empuje, aumentar la altura y aligerar el peso de la bóveda semiesférica (mucho más pesada). Otra gran novedad fue que construyó la bóveda sin cimbras* y tan sólo se sirvió de un ligero andamiaje para que se pudiera trabajar. En el exterior, la cúpula se alza sobre un tambor octogonal de piedra, que ya existía, revestido de placas de mármol (blanco, verde y rosado), con un gran óculo en cada uno de sus lados. La cúpula, cuyas ocho caras están cubiertas de tejas rojas planas, tiene aspecto esbelto gracias a su perfil apuntado, conseguido por la curvatura de sus nervios* de mármol blanco que la recorren (de cuatro metros) y destaca por encima del resto de edificaciones de Florencia, convirtiéndose en el siglo XV, en el símbolo de la ciudad-Estado más prestigiosa del momento. De ella dijo Vasari que era «una nueva colina nacida entre las casas». En la unión de los nervios en la cúspide aparece una estilizada linterna*, punto de fuga del sistema, terminada en 1471, muerto ya Brunelleschi. Esta cúpula está considerada la primera gran obra del Quattrocento italiano, inspirada en los sistemas de construcción romanos, especialmente en el Panteón de Agripa. Además, Miguel Ángel se inspiraría en ella para realizar su cúpula del Vaticano. Posteriormente, se realizarían otras cúpulas que la tomarían como modelo, como la cúpula de la Catedral de San Pablo de Londres (siglo XVII) o la del Capitolio de Washington (principios del siglo XIX).
El Nacimiento de Venus
Ficha Técnica
- Autor: Sandro Botticelli
- Cronología: 1485
- Estilo: Quattrocento
- Localización: Galería de los Uffizi (Florencia, Italia)
- Técnica: Pintura al temple sobre tabla
- Tipología: Pintura
Descripción Formal
La obra presenta un tema mitológico inspirado en la Venus clásica, a la que se consideraba engendrada por Saturno y nacida del mar. La composición está perfectamente equilibrada: el personaje central es el que capta toda la atención y hacia él convergen el resto de figuras. En el centro de la composición, que es piramidal, sobre una concha, Venus (probablemente la modelo Simoneta Vespucci) nacida de la espuma del mar, bajo una lluvia de rosas, es llevada hasta la orilla de las playas de Chipre o Citerea ayudada por el soplo de los vientos Céfiro y Aura. En la playa le espera una Hora (seguramente la primavera debido a la decoración floral de su vestido) dispuesta a cubrirla con un manto purpúreo. El soplo del viento enreda los cabellos de la diosa y parece oponerse a la acción de la Hora, hinchando el manto al aire. El paisaje marino ha sido realizado con líneas sinuosas, que repiten el perfil del cuerpo. El desnudo de Venus, inspirado en la postura de algunas esculturas clásicas, está construido con líneas curvas que resaltan su perfil. Los colores tenues, uniformados por el uso del barniz, están enriquecidos por dorados (en las alas del viento, los cabellos de Venus y los troncos). El único desnudo admitido en el arte era el de Eva, así que éste supone una novedad en la Italia de su época. Los rostros de los personajes son melancólicos, el trazo nervioso, sensual, los cuerpos alargados e ingrávidos, elegantes, que muestran la falta de interés de Botticelli por la anatomía y los cuerpos musculosos. Los vientos marcan una diagonal, la Hora un arco y Venus una vertical sinuosa e inestable sobre una concha que lo que nos indica es sentido de movimiento. Todo esto, junto con la riquísima gama cromática, hacen de esta obra una de las más bellas del Quattrocento.