Escultura Gótica
La escultura gótica se mantuvo ligada a la decoración de los edificios religiosos, aunque liberándose, a diferencia de la escultura románica, del espacio arquitectónico. La arquitectura tuvo su origen en Francia, donde se esculpieron muchas obras de arte entre los siglos XII y XIII. Se convirtió en el principal elemento de ornamentación de las fachadas, empleándose tímpanos, arquivoltas, jambas, dintel y parteluz, de manera que se poblaron de estatuas que representaban temas religiosos con intencionalidad didáctica. Ejemplos: Portadas reales de las Catedrales de Reims y Chartres. En el interior de los templos, la decoración escultórica solo está presente en los relieves de los púlpitos y coros. Las esculturas de ese periodo eran policromadas y se humanizan a través de diferentes recursos:
- Estilización y redondeo de las líneas anatómicas.
- Elegancia de los movimientos.
- Captación de un cierto naturalismo en los gestos y en la expresión de los rostros.
- Preocupación por la corporeidad y volumetría de los ropajes y de los cuerpos.
Se observa un desarrollo narrativo en la escultura medieval, con temáticas como el Juicio Final y la Virgen María, impulsadas por la orden cisterciense. En el siglo XIII, emergieron esculturas exentas, especialmente estatuas-columnas en portadas, marcando el inicio de la independencia escultórica del marco arquitectónico. Durante el siglo XIV, el escultor Claus Sluter contribuyó a esta autonomía, que se consolidó en el siglo XV con la introducción de retardos históricos de carácter monumental y la difusión de imágenes de devoción y sepulcros autónomos. Ejemplos destacados de la escultura gótica: El Pozo de Moisés (1400), donde se muestran figuras naturalistas con gran volumen. Se emplearon materiales como madera, piedra y alabastro, destacando en Flandes, Castilla y Cataluña. La escultura gótica se caracterizó por un fuerte realismo, detallado en los rostros, y un exceso de elementos decorativos, especialmente en talleres germánicos y flamencos. Francia fue un referente en esta evolución, mientras que en Italia, la escultura mantuvo su lenguaje expresivo y se vio influenciada por el arte clásico y bizantino, destacando los Hermanos Pisano.
Pintura Gótica
Durante el periodo gótico, las catedrales adoptaron vidrieras en lugar de pinturas murales, lo que llevó al abandono de la pintura al fresco y la popularidad de la pintura sobre tabla y de vidrieras, excepto en Italia. La miniatura, inicialmente producida en monasterios, comenzó a desarrollarse en talleres especializados debido a las demandas educativas. La pintura gótica se enfocó en representar figuras religiosas y episodios evangélicos, integrando temas profanos. Se destaca por su canon natural, expresividad y el uso innovador de la luz. Predominó la técnica al temple, aunque el óleo brilló en el siglo XV gracias a los hermanos Van Eyck.
Estilos de la Pintura Gótica
1. Estilo Franco Gótico o Lineal (mediados s. XII – finales s. XIII)
Muestra una influencia del arte de las vidrieras y de las miniaturas, caracterizándose por darle más importancia a la línea que al color. El auge en las miniaturas pictóricas generó dibujos más coloridos, detallados y figuras con contornos definidos. Ejemplos: Sainte Chapelle (París), Vidrieras de la catedral de León (León) y las Vidrieras de la Catedral de Canterbury (Inglaterra).
2. Estilo Italogótico (1250 – 1400)
La pintura en Italia, influenciada por el arte bizantino, destaca por su monumentalidad, simetría y una evolución hacia el naturalismo con colores claros. Dentro del estilo italogótico, se desarrollaron ejercicios de perspectiva y se utilizaron fondos dorados con decoraciones sencillas. Este estilo se originó en Siena y Florencia. Destacan artistas como Duccio, Martini, Giotto y Cimabue, cuyas obras, como los murales de Giotto en la Capilla degli Scrovegni, son claves para el Renacimiento. En Aragón, Ferrer Bassa y Pere Serra se destacaron. Ejemplo: La Anunciación (Simone Martini, 1333; Galería degli Uffizi). Los fondos dorados reflejan herencia bizantina, mientras las figuras muestran el esfuerzo de Simone Martini por humanizar personajes. Y Madonna di Rucellai, de 1285, de Duccio de Buoninsegna. El estilo del pintor se caracteriza por formas delicadas y manos alargadas.
3. Estilo Cortesano/Internacional (1375-1425)
Su desarrollo se dio en las cortes europeas. Este tipo de pintura equilibró la estilización del estilo francogótico con el naturalismo de los pintores italianos. Características: colores más intensos, detalles naturalistas muy delicados, mezcla de fondos dorados con ambientaciones paisajísticas, las formas y las figuras de aristócratas eran muy elegantes. Artistas destacados: Gentile da Fabriano y los hermanos Limbourg, Robert Campin, Ramón de Mur, Bernar Martorel y Nicolás Frances. El manto azul de la Virgen, que simboliza pureza y realeza, se popularizó entre los siglos XII-XIII y alcanzó su apogeo en el Renacimiento. El lapislázuli, usado para el pigmento ultramarino, era tan costoso como el oro. Ejemplo: Adoración de los reyes, de 1416, hermanos Limbourg. Las iluminaciones o ilustraciones eran cuadros en miniaturas de gran elegancia, colorido y paisaje. Ejemplo: Virgen de la leche, 1417, Ramón de Mur. Se observa movimiento en el manto de la virgen y actitudes de ángeles.
4. Estilo Flamenco
El estilo artístico, que surge en el siglo XV en Flandes y los Países Bajos, se caracteriza por la técnica derivada del gótico internacional y el uso de pintura al óleo. Destaca la ausencia de movimiento y el simbolismo en las obras. Temática: son a menudo una mezcla de temas religiosos y profanos, se ven muchos retratos. Jan y Hubert van Eyck crearon «El Políptico de Gante», destacando en pintura gótica por su técnica al óleo, simbolismo y detallismo. Jan fue un notable retratista de su tiempo. En España la tradición flamenca fue muy importante y tuvo representaciones: Fernando Gallego, Bartolomé Bermejo, Lluís Dalmau. Más importante fue el artista/genio El Bosco. Fue un artista adelantado a su época porque pintó temas del mundo real y onírico (se adelantó 4 siglos a lo luego sería conocido como figurativismo. Ejemplo: Virgen de los consejeros (1443), Lluis Dalmao. Este cuadro es famoso por el rigor histórico, pieza fundamental del gótico catalán debido a que los miembros del consejo, están representados por sus rasgos fisonómicos de un modo muy realista para la época.