Iluminación
Los orígenes de la iluminación en el cine
En los inicios, con el cine en blanco y negro la importancia de la iluminación era aún mayor que hoy en día, porque ahora tenemos cámaras con una mayor sensibilidad y la cantidad de luz no es tan importante.
Las tradiciones ancestrales ya jugaban con luces para contar historias alrededor del fuego, algo en la oscuridad interrumpida por un foco de luz nos lleva a introducirnos más en los relatos.
Durante gran parte de la historia, se vivió en la oscuridad con la excepción de la luz de una llama, se trataba de la iluminación por combustión (con grasa, velas de cera, antorchas de brea, etc.).
Todo eso fue usado en la pintura, que fueron los primeros referentes.
La vela va sustituyéndose por elementos un poco más sofisticados y menos peligrosos, pero sobre todo va evolucionando el combustible y las mechas usadas.
- Lámparas de aceite – Problema: si se derrama lo quema todo, humo y olor.
- Lámpara de Argant (s.XVII) – Llama más sofisticada, protegida con un cristal, más segura, se podía usar en teatros.
- Quinqué (s.XVII) – Evolución del anterior que quema queroseno, permite la regulación del aire, dando más o menos llama/luz, más seguro.
- Luz de gas (S.XIX) – Conductos de gas por las ciudades que permiten regular esas farolas que son iluminadas por las noches por los faroleros.
Se empezó a experimentar con la corriente eléctrica a partir del siglo XIX, no obstante, el punto importante estaba en el uso de esa electricidad. En 1879 Thomas Edison patenta la bombilla, invento que compró a unos hermanos canadienses que usa la electricidad para iluminar.
- Bombilla incandescente (1879-80) – Un hilo de coser retorcido en forma de cola de cerdo envasado al vacío en un frasco de cristal, al encenderlo se genera calor y luz. Problema: generan más calor que luz, es muy poco eficaz para iluminar. Duraban 40 – 60 horas.
- Tungsteno (introducido en 1902) – Mineral del que se crean nuevos filamentos de una duración y resistencia superior (1000 horas)
Iluminación teatral
En los escenarios griegos y tradicionales, se usaba la iluminación solar o de la última hora de la tarde. La tecnología fue avanzando y en el siglo de oro (XVI) se empezaron a usar velas o lamparas de aceite
- Se ponían al pie del escenario (foot lights) y alrededor del marco del telón.
- Eran peligrosas – Podían provocar incendios
- Duraban muy poco (25 minutos)
A principios del s.XIX se popularizó el gas y esto llegó a los escenarios
Innovadores de escena e iluminación
Adolphe Appia (1862-1928) – “Las sombras son tan importantes como las luces”
- Rechaza la convención teatral de los decorados pintados. (luz plana)
- Plantea que los escenarios deben ser tridimensionales.
- Es escenario debe tener múltiples niveles.
- La iluminación crea atmósferas y realza la música.
- La iluminación debe poder moverse y desplazarse.
- La iluminación debe poder tener color.
- La iluminación realza la actuación de los actores y su movimiento.
- La luz muestra al espectador la realidad como la vive el personaje, no como es.
- Lo pensó para las óperas de Wagner, pero acabó extendiéndolo a todo.
Max Reinhardt (1873-1943)
- Empezó en el teatro, pero acabó por apadrinar a grandes estrellas y cineastas del cine (Murnau, Preminger, Luwgitch etc.).
- Precursor del teatro expresionista. El primer productor teatral en apostar por el estilo en 1913, mucho antes que el cine expresionista alemán.
- Transforma la escenografía teatral, reduciéndola al mínimo.
- La iluminación cobra una importancia capital.
- Utiliza la iluminación de efectos violentos y dinámicos.
- Utiliza iluminación centrada en el personaje central.
- Utiliza la luz contrapuesta para concentrar la atención.
- La luz y la oscuridad tenían un sentido en sus obras.
David Belasco (1853-1931)
- Actor, director, productor, mentor y mecenas de grandes figuras americanas.
- Elimina por primera vez las foot lights en Norte-América.
- Usa luz desde el techo, escondida de la audiencia, para suavizar.
- Precursor de los efectos de luz naturalistas, imitando el paso del tiempo.
- Introduce iluminación creíble y variable en escena (amanecer, tormenta, etc.)
- Precursor del uso de luces de color motorizadas.
- Gran influencia en diseños lumínicos posteriores.
Estudios
Estudios Black Maria
Creados por la compañía de Edison para rodar las películas del cinemascopio. Estaban montados sobre rieles circulares para que, levantando una parte del techo del estudio, se pudiera aprovechar la luz solar.
- Luz suficiente para exponer
- Evitar el racor de Luz
- Aislarse del ruido exterior
- Alimentar mediante electricidad
Estudios Meliès
Empezó usando un invernadero a las afueras de París para rodar sus películas. A diferencia de los Black María, no giraba sobre raíles, pero estaba acristalado por todos lados para aprovechar el sol al máximo.
- Usaba telas para tamizar, redireccionar, suavizar, etc. la luz del sol.
- Luz única.
Primeros operadores de cámara y directores
Los primeros directores solían ser a la vez operadores de cámara y montadores. Un solo hombre (o mujer en algunos casos) encargándose de la visión entera de una película. Los más importantes fueron distintos, aportaron innovaciones.
La revolución del Nickleodeon – El sistema del Director (1907-1915)
Al aparecer salas de cine al precio de un nickle, los trabajadores podían permitirse el cine, que pasa a ser un entretenimiento de masas con una gran demanda. Debido a esa gran demanda, la industria americana explota y el sistema del operador de cámara (Camera man) que lo hace todo, ya no es viable.
A partir de entonces se adaptó el sistema del teatro: un director que da órdenes a todo un equipo que trabaja en favor de su visión. Los operadores eran hombres que colocaban la cámara donde decía el director y tenían un buen sentido del ritmo, para darle a la manivela.
Los operadores de cámara empezaron a ganar autonomía poco a poco para ayudar al director con su visión, haciendo que este se alejara cada vez más de la cámara y el revelado para centrarse en el diseño de plano y la dirección de actores.
The Glasshauses (1907 – 1913)
Debido a los nickleodeon, la industria de cine americano empezó a crear grandes estudios en New Jersey parecidos al invernadero de Meliès, donde se rodaban películas como churros para suplir la demanda de los Nickleodeon. Empiezan a usar luces artificiales que rellenan sombras producidas por el sol, la iluminación seguía siendo meramente práctica.
La guerra de patentes
Édison quiso demandar a todos aquellos que usaran un sistema similar al suyo para poder monopolizar el cine, con tal huir de la “influencia Edison”, todas las productoras independientes que se niegan a pagar huyen al otro lado del país, a la costa Oeste.
Se instalan en las colinas de Hollywood, donde rodar es mucho más barato, porque el terreno recién colonizado era muy barato y había muchas más horas de sol (“en California nunca llueve”).
Allí se fundarán las productoras que luego dominarán la industria, las “majors” y las “minors”
La iluminación plana en Hollywood
Era una combinación de luz natural y artificial, para poder iluminarlo todo (la oscuridad era mal vista), llenando el decorado. Se combinaban luces de arco voltaico y luces de mercurio para suavizar y regular la iluminación.
Emulsiones Ortocromáticas
Son emulsiones que solo son sensibles a radiaciones verdes y azules, será la usada hasta 1927, hasta la llegada del sonoro.
- La sensibilidad cromática era mucho más reducida.
- Los naranjas y rojos se oscurecen. Las pieles quedaban oscuras.
- Los cielos quedaban quemados, blancos y sin nubes.
- Los ojos azules se quemaban y se veían completamente blancos.
- El rubio/amarillo se oscurecía y debía teñirse
Las luces de vapor de mercurio tendían a verdes.
Iluminación Creativa y Estilo
Podemos empezar a hablar de iluminación creativa más o menos en 1909, cuando empiezan a abundar secuencias nocturnas, se intentan emular las horas del día, etc. El objetivo empieza a ser que las imágenes parezcan reales, conseguir que dos dimensiones parezcan tres. Al principio no podremos hablar de “Directores de Foto” sino de operadores de cámara con “visión”.
Algunas de esas aportaciones de estilo que se ven habituales en el cine americano y el italiano de 1909 son:
- Luz lateral para aumentar contraste y conseguir mayor volumen.
- Introducción del contraluz con reflexión suavizada. (Porex ext. Día)
- Búsqueda de justificación lumínica por dirección (Buscar naturalidad)
- Aumento de la importancia de las sombras.
- Utilización por primera vez del concepto silueta.
Como mínimo se debe hablar de dos grandes operadores de cámara: Billy Bitzer y Alvin Wyckoff.
Billy Bitzer:
El operador de cámara de D.W.Griffith, encargado de llevar la visión del director a la cámara:
Fundidos a negro, iris cerrándose al final de una escena, etc.
Fue el “inventor” del Soft focus photography en los primeros planos, usando medias para filtrar la luz y dar una iluminación más suave y angelical. Fue uno de los primeros en usar Matte painting, pintar un fondo en un cristal con el que rodar planos que serían muy caros de construir o imposibles de conseguir (el VFX de la época). También fue el primero en rodar únicamente con iluminación artificial, incluso en exterior.
Alvin Wyckoff:
El operador de cámara de Cecile B.DeMille, pero ya venía de trabajar en la industria del teatro con David Belasco. Empezaron a trabajar en 1910 e hicieron más de 40 largos juntos.
Su aportación más importante fue el aumento del contraste, con técnica como la reflexión negativa (rodear el decorado de negro), para otorgar más tensión.
Empezaron a usar direcciones de luz poco habituales en el cine para crear sombras y ambientes.
Cosas que eran normales en teatro, pero no en el cine mudo, tenían más intencionalidad.
Además, hicieron uso de las sombras cuando casi nadie lo hacía.
La llegada del contraluz al cine:
El contraluz ya existía antes en otros ámbitos, pero se empezó a adoptar para otorgar algo de profundidad y “despegar” a los actores del fondo.
Cabiria (1913):
Fue una de las películas más innovadoras de la época,
Decorados reales, no forillos pintados
Locas naturales
Mov de cámara (carello = trávelin)
Luz con intención dramática
La llegada de la película pancromática
Esto sucede más o menos en 1920 cuando Kodak presenta la película pancromática, sensible a todas las longitudes de onda visibles.
Esto cambiará la escala de grises, los maquillajes y la forma de iluminar. Aunque las luces en el cine cambiarán definitivamente tres los Mazda Test en 1928, un año después de la aparición del cine sonoro.
Los arcos voltaicos hacían un ruido zumbante pronunciado y constante, por lo que eran imposibles de usar con el sonoro, además de ser menos efectiva en pancromático. Pero al pasarse a la iluminación con bombillas, la luz tendió a rojizos, pero no hacían ruido.
Consecuencias técnicas del sonido:
– Aislar la cámara para evitar el ruido (imposibilidad de mover la cámara).
– Necesidad de multicámara (rodar planos generales y primeros planos a la vez).
– Luz plana y artificial (un gran paso atrás)