CONTEXTO Barroco:
El adjetivo Barroco se utiliza para designar a la cultura europea del Siglo XVII. No solo al estilo artístico dominante sino, por extensión, a la monarquía absoluta, la economía mercantilista y la Contrarreforma religiosa. La palabra surge en el Siglo XVI del lenguaje técnico de los joyeros portugueses, que llamaban Barroco a la perla irregular que utilizaban para decorar estructuras de oro y plata. En el siglo siguiente, los comerciantes florentinos la utilizan para designar operaciones mercantiles fraudulentas. Su sentido estético lo adquiere en Francia, en la segunda mitad del XVIII, pero con un sentido negativo, equivalente a confuso o a extravagante. En el Siglo XIX, se mantiene la consideración peyorativa: se llama Barroco al arte complicado y recargado, opuesto a las normas clásicas del Renacimiento. La consideración del Barroco como un estilo artístico con carácterísticas propias fue iniciada por el historiador suizo Heinrich Wölfflin. A partir de él, se han generado dos corrientes: la formal, que se centra en los valores plásticos. La sociológica, que considera el Barroco como una época histórica. El catolicismo de la Contrarreforma impondrá el gusto por las composiciones aparatosas y el tono triunfal derivado de la idea de que había sido aplastada la herejía protestante. Dentro del Barroco, se pueden distinguir dos etapas: El Barroco pleno o maduro (aproximadamente, entre 1630 y 1680) El Barroco tardío o rococó, mitad del XVIII.
. Características: El estilo neoclásico aparece en Italia a mediados del Siglo XVIII como un rechazo a los excesos cometidos en la última etapa del Barroco. La causa última del movimiento neoclásico es el afán de perfeccionismo promovido por la Ilustración. Se utiliza el arte clásico para inculcar a los pueblos la razón y la moralidad que representaban Grecia y Roma. Su desarrollo puede dividirse en dos etapas: Primera. Tiene su centro en Roma y está representada por dos teóricos alemanes: o WINCKELMAN, un teólogo que se convirtió al catolicismo en 1755 para ocupar la plaza de bibliotecario del Museo Vaticano. Ese mismo año, publica su obra
Reflexiones en torno a la imitación de la pintura y la escultura de los griegos, que pronto será considerada como el ideario estético del nuevo estilo. MENGS fue pintor y teórico del arte. Como pintor, rompe con los modelos barrocos; y como teórico, sostuvo que el arte era superior a la naturaleza. Segunda. Se abre a partir de 1770 y viene marcada por la labor de las academias: instituciones q estaban acogidas a la protección del
estado y regidas por un claustro de profesores-académicos pertenecientes a las diferentes disciplinas artísticas. Su labor contribuyó a que la pintura, la escultura y la pintura dejaran de ser oficios mecánicos para convertirse en “nobles artes liberales”. Sus objetivos fueron de dos tipos: Realizar reuniones periódicas para discutir los problemas, Inculcar a los alumnos la correcta educación neoclásica. Los arquitectos se formaban proyectando edificios según las normas de los teóricos romanos (Vitrubio) y renacentistas (Vignola y Palladio). Se crearon academias de Bellas Artes en las principales ciudades. Las más prestigiosas fueron: la Academia de San Lucas, en Roma; la Académie Royale, en París.
LA ARQUITECTURA: Juan DE VILLANUEVA , es el prototipo de arquitecto neoclásico europeo. Se formó en la Academia de San Fernando. Amplió estudios en Italia y volvíó a España dispuesto a ejercer su oficio. Tras su regreso, es nombrado arquitecto del monasterio de El Escorial. Villanueva realiza entonces tres importantes obras en Madrid capital: El Palacio de las Ciencias (hoy, Museo del Prado). El Observatorio Astronómico. El Cementerio general del Norte.
LA ESCULTURA: Antonio CANOVA
El italiano Canova es el más importante escultor del neoclásico. Defendíó su categoría de artista creador. Así lo acredita su obra Dédalo e Ícaro: una alegoría de la escultura. A continuación, desarrolla cuatro obras que muestran su interés por la escultura antigua: Teseo y el Minotauro, Amor y Psiquis abrazados, Hércules y Licas, y Perseo con la cabeza de Medusa. Otra clave de su estilo es la calidad sensorial que transmite a las estatua. En la Basílica de los Santos Apóstoles (Roma), realizó los sepulcros de los papas Clemente XIII y Clemente XIV. Su éxito le lleva a Viena, donde labra el Monumento funerario de María Cristina de Austria. En 1802, retratará a Napoleón a su madre y a su hermana Paulina. En 1815, , realiza Las Tres Gracias. El último gran encargo internacional le llega de Carolina del Norte. Se trata de una escultura de G. Washington, entrega en 1821, poco antes de morir.
Francisco de Goya
Nacíó en Fuendetodos en 1746; y murió en Burdeos en 1828. Vivíó un periodo convulso y sirvió a cuatro reyes (Carlos III, Carlos IV, José I y Fernando VII). Fue neoclásico y ROMántico, pero su producción es tan variada que ninguna clasificación es adecuada para el conjunto de su producción
Dominó todas las técnicas (pintura mural y de caballete, cartones para tapices y grabado) y se atrevíó con todos los géneros (retratos, bodegones,.. Regresa a Zaragoza de Parma Italia, trabaja en la basílica del Pilar y se casa con Josefa Bayeu. Su cuñado le facilita su instalación en la capital. La Real Fábrica de Santa Bárbara lo encarga de pintar cartones para los tapices que allí se fabricaban. Eran tapices que debían servir para decorar los salones de las residencias de la familia real. El cacharrero, El quitasol, La gallina ciega o La pradera de San Isidro son buenos ejemplos. El éxito con las obras para la familia real le lleva a que también los nobles le realicen encargos con los que decorar sus palacios. La cucaña y El columpio. La casa de Osuna le hace también un encargo religioso: cuadros con la vida de San Francisco de Borja para la Catedral de Valencia. Tmb pinto muchos retratos: Arquitectos neoclásicos: Ventura Rodríguez y Juan de Villanueva. Intelectuales ilustrados: Jovellanos, Meléndez Valdés, Fernández de Moratín. Banqueros: Cabarrús. Aristocracia femenina: Condesa de Chinchón, Condesa de Haro; duquesas de Alba y Osuna. Familia de Carlos IV. En 1796, vuelve a Andalucía para pintar el oratorio de la Santa Cueva gaditana. En los años del cambio de siglo, cumple con el encargo de Godoy de pintar dos retratos femeninos de cuerpo entero: La maja desnuda y La maja vestida. La sordera y la situación política marcan un antes y un después en la producción artística del pintor. En adelante,su obra alterna dos vertientes antagónicas: las plácidas pinturas de encargo y las estampas desgarradas que contienen estas cinco series: a) LOS CAPRICHOS: El conjunto es una sátira cruda de los vicios y debilidades sociales: la concentración del poder, el abuso de los débiles, la ignorancia y la superstición. LOS DESASTRES DE LA GUERRA. Conjunto de 82 grabados que recogen episodios de la invasión napoleónica y la Guerra de Independencia. LA TAUROMAQUIA. Cansado de los desastres de la guerra, Goya se refugió en el mundo de los toros. PINTURAS NEGRAS. LOS DISPARATES de veintidós grabados realizados con aguatinta y aguafuerte. En ella destacan las visiones oníricas, la presencia de la violencia y el sexo y la puesta en solfa de las instituciones relacionadas con el Antiguo Régimen. De 1814, datan dos de sus obras más importantes: La carga de los mamelucos y Los fusilamientos de la Moncloa. En 1823, una nueva invasión francesa acaba con el Trienio liberal y devuelve el poder absoluto a Fernando VII., se autoexilia a Burdeos.
La maja desnuda
Ficha técnica Entre 1795 y 1800 Oleo sobre lienzo. 97 x 190 cm. Museo del Prado. El artista y su época: Resulta imposible situar a Francisco de Goya en un estilo o movimiento artístico concreto. Vivíó la época del Neoclasicismo pero solo una parte de su obra responde a sus carácterísticas. Practicó todos los géneros (desde pinturas históricas a retratos de gran penetración psicológica) y dominó todas las técnicas (grabados, cartones para tapices, pintura al fresco…). Nacíó en Zaragoza y, tras una breve instancia en Italia y casarse con Josefa Bayeu –de una familia de importantes pintores-,se instala en Madrid. Fue testigo de una etapa convulsa de la Historia de España, lo que, junto a su sordera, le hacen vivir en un creciente aislamiento. Análisis La Maja desnuda es la primera figura femenina de la historia de la pintura que muestra el vello púbico, poniendo de manifiesto su originalidad. Sobre ella se ha escrito una ingente cantidad de líneas que no han hecho sino aumentar la incógnita de su realización. En 1800 aparece citada en el gabinete de Godoy, por lo que sería anterior a esa fecha. Los tonos verdosos y blancos empleados por Goya corresponden a los utilizados en las obras de los últimos años del Siglo XVIII, como el retrato de Jovellanos. Pero ahí no quedan las incógnitas, ya que también desconocemos quién las encargó. Todo hace apuntar a que ambas Majas fueron encargadas por Godoy para decorar su despacho junto a la Venus del espejo de Velázquez y otra Venus de la Escuela veneciana del Siglo XVI, manifestando el gusto del valido de Carlos IV por las pinturas de desnudos femeninos, así como su poder, debido a la persecución que conllevaban estas obras; pero Godoy no tenía nada que temer pues era el hombre más poderoso del país. También se apunta la posibilidad legendaria de que la Maja sea la Duquesa de Alba, a quien Goya estaba estrechamente unido desde que enviudó ésta y se trasladaron juntos a Sanlúcar de Barrameda. Bien es cierto que su rostro no corresponde al de las Majas, pero es evidente que los rostros son estereotipados, como ya hacía en los cartones para tapiz, precisamente para que no fuera reconocida. La postura provocativa de la Maja podría incluso sugerir que se trata de una prostituta de alto postín, que se ofrece al mejor postor. La mirada pícara y atrayente puede reforzar esta idea. Como aspectos técnicos, podemos destacar los siguientes: Pictóricamente,
es una obra en la que destacan los tonos verdes, en contraste con los blancos y los rosas. La pincelada no es tan larga como acostumbra el artista.Cabe destacar la particular luminosidad que Goya da al cuerpo de la desnuda, luminosidad que contrasta con el resto del ambiente. Comentario La Inquisición mandó comparecer a Goya ante sus tribunales por haber pintado las Majas y los Caprichos, pero curiosamente el asunto fue sobreseído gracias a la intervención de un personaje poderoso, quizá el Cardenal don Luis de Borbón o, en último término, el propio Fernando VII, con quien el pintor no manténía muy buenas relaciones, todo sea dicho. La maja desnuda es la fuente de inspiración de la pose de la Olympia de Manet.
Los fusilamientos del 3 de Mayo
Ficha técnica 1814. Óleo sobre lienzo 266 x 345 cm Museo del Prado. Madrid El artista y su época (el mismo de antes) Análisis La obra fue pintada seis años después de que ocurrieran los acontecimientos que narra. En 1807, España había sido invadida por las tropas de Napoleón. Tras la ocupación del territorio, nombró a su hermano José como rey.
Goya vive la situación de forma contradictoria: él, un hombre partidario del progreso y de la modernidad que llegaban de Francia, no puede estar de acuerdo con la crueldad y las arbitrariedades que acarrea la invasión. El 2 de Mayo de 1808, con las tropas francesas instaladas en Madrid,se produce un incidente en la puerta del Palacio Real que acabó con enfrentamientos entre los soldados de Napoleón y los ciudadanos de Madrid. La venganza del emperador llegó de forma inmediata: el general Murat ordena detener y ejecutar a todos los hombres armados. Al día siguiente, en la colina del Príncipe Pío,se producen más de cuatrocientos fusilamientos. Es el comienzo de la Guerra de Independencia, que durará cinco años y que terminará con la marcha del ejército francés. Terminada la guerra, Goya toma este tema para un cuadro destinado,según él, a ilustrar el triunfo contra el tirano. El momento que elige es cuando unos hombres indefensos están siendo aniquilados sin piedad: Los soldados que disparan sus fusiles son figuras sin rostro que se reconocen por las armas y el uniforme. Frente a ellos, vemos a las víctimas, unas muertas y otras a punto de morir. Destaca el personaje de la camisa blanca, que recibe casi toda la luz del farol cuadrado que hay en el centro. Este hombre, que tiene los brazos extendidos mientras espera la muerte
,se ha visto como una crucifixión moderna. Entre los soldados y el grupo a punto de ser fusilado, hay condenados que se llevan las manos a la cara por miedo a lo que les espera. Como recursos técnicos, podemos señalar los siguientes: No hay ningún interés por el detalle. Se trata más bien de un estilo abocetado, útil para mostrar la idea principal de unos hombres que, convertidos en bestias, aniquilan a otros. La diagonal que se cruza con la línea de los soldados sugiere el emplazamiento de la acción, al pie de una colina. La escena es completamente oscura y los colores fríos, lo que ayuda a representar la escena de forma descarnada. Pág. 10 Comentario Conviene comparar este cuadro con la serie de grabados Los desastres de la guerra. Sin embargo, estos últimos hay que interpretarlos más como un alegato contra la crueldad humana,sin distinguir entre los bandos. La época en que pinta Los desastres es distinta: ha vuelto Fernando VII, ha implantado la monarquía absoluta y se dedica a perseguir a los afrancesados. Goya también está entre los sospechosos, incluso es llamado por la Inquisición para que responda por haber pintado La maja desnuda, considerada una blasfemia. Para congraciarse con el rey, le hace varios retratos y se ofrece para pintar dos grandes lienzos que simbolicen la tiranía de los invasores: este que comentamos y La carga de los mamelucos, en la que se representa la lucha desigual ocurrida el 2 de Mayo entre los poderosos soldados del ejército francés, a caballo y armados con poderosos sables, y gente a pie luchando con pequeños cuchillos. Ninguno de los dos fue expuesto en su momento.
La familia de Carlos IV: Ficha técnica 1800-1801 Óleo sobre lienzo. 228 x 336 cm. Museo del Prado Análisis El cuadro fue un encargo del propio rey Carlos IV. Y lo realizó a partir de los esbozos que realizó de cada uno de sus miembros. La gran incógnita que plantea el lienzo es la intencionalidad del artista: ¿quiso retratar a los miembros de la familia real tal y como eran o pretendía caricaturizarlos? ¿O le salíó una caricatura cuando pretendía ser fiel a la realidad? La interpretación de las intenciones de Goya fueron críticas se apoya en el hecho de que, a pesar de ser pintor de cámara,sintonizaba más con los ilustrados que con lo que representaba la monarquía absoluta. Sin embargo, la familia real aceptó el cuadro sin la más mínima objeción. Tanto el rey, presentado con la energía propia de un rey absoluto, como su hijo y heredero,
el futuro Fernando VII, aparecen en primer plano. Tampoco es casual, que la reina, conocida por su vanidad y capacidad para la intriga, ocupe el centro de la escena con una actitud casi desafiante.En un rincón de la escena, aparece el propio autor, como un mero espectador. Podemos observar en el conjunto rasgos típicos del retrato neoclásico: la posición vertical de las figuras y la ausencia de movimiento. Sin embargo, aparecen rasgos novedosos: las formas están centradas en el color y se profundiza en la psicología de los personajes. Los personajes reales se organizan en tres grupos: En el centro, aparecen el rey y su esposa María Luisa con sus dos hijos pequeños, María Isabel y Francisco de Paula. A la izquierda, el futuro Fernando VII acompañado de su futura esposa (al desconocerse quién sería, tiene la cara vuelta); completan el cuarteto el infante Carlos María Isidro y la hermana del rey. A la derecha, aparecen en primer plano. Tampoco es casual, que la reina, conocida por su vanidad y capacidad para la intriga, ocupe el centro de la escena con una actitud casi desafiante.En un rincón de la escena, aparece el propio autor, como un mero espectador. Podemos observar en el conjunto rasgos típicos del retrato neoclásico: la posición vertical de las figuras y la ausencia de movimiento. Sin embargo, aparecen rasgos novedosos: las formas están centradas en el color y se profundiza en la psicología de los personajes. Los personajes reales se organizan en tres grupos: En el centro, aparecen el rey y su esposa María Luisa con sus dos hijos pequeños, María Isabel y Francisco de Paula. A la izquierda, el futuro Fernando VII acompañado de su futura esposa (al desconocerse quién sería, tiene la cara vuelta); completan el cuarteto el infante Carlos María Isidro y la hermana del rey. A la derecha, Antonio Pascual, hermano del rey, dos hijas más de los reyes (Carlota Joaquina y María Luisa Josefina), el marido de la segunda (Luis de Borbón) y el infante Carlos Luis, hijo de este matrimonio. Como elementos técnicos, podemos destacar los siguientes: Una pincelada vigorosa y resuelta que deja el dibujo en segundo plano. Resalta el colorido de los trajes: los blancos y dorados armonizan perfectamente con los rojos, azules y negros. Sobre todos ellos, reluce el lujoso vestido de la reina y el rojo del pantalón del infante Francisco de Paula. La iluminación desde el lado derecho, que deja el izquierdo en penumbra, ayuda a que se acentúe el brillo de joyas y condecoraciones.
Comentario Goya siempre admitíó que había tenido tres maestros: Velázquez, Rembrandt y la naturaleza. Del pintor sevillano, podemos señalar la influencia que pudo recibir para este cuadro de Las meninas, tanto por la naturalidad de la escena como por el hecho de autorretratarse. De Rembrandt, pudo tomar la técnica del claroscuro. Aunque es más clara en los grabados, aquí está presente en la mitad izquierda del lienzo. La influencia de la naturaleza está presente en intención realista de Goya, lejos de cualquier artificiosidad o maquillaje.