La Cantata
La cantata es una forma breve y discontinua que alterna recitativos, coros y arias para una o varias voces acompañadas por un bajo continuo y, a veces, por partes instrumentales. Puede ser descriptiva, teatral, lírica o espiritual.
La Cantata Italiana
- Sustituyó al madrigal.
- Habitualmente escrita para voz solista con acompañamiento continuo.
- Dividida en varias partes que entremezclan recitativos y arias.
- Se asemeja a una escena separada de una ópera, pero concebida en una escala más íntima.
- Destinada a la ejecución en salones, sin escenografías ni trajes.
Compositores notables: Alessandro Scarlatti, Barbara Strozzi.
La Cantata Religiosa en Alemania
En Alemania, la cantata es religiosa y parte de los corales en alemán utilizados por Lutero y basados en el Evangelio. Se intercalaban entre el Evangelio y la homilía. El tema se relacionaba con el asunto religioso del Evangelio.
En la época de Bach, constaba de tres elementos:
- Corales con textos de la Biblia.
- Recitativo que precedía al aria.
- Arias con forma da capo.
La composición dependía del texto, la ocasión y los conjuntos corales o instrumentos disponibles. Algunas estaban compuestas para solista en su totalidad, y otras principalmente para coros.
Las cantatas de Bach merecen una atención especial por su cantidad (unas 200) y su calidad. Las melodías de corales constituyeron el germen de las cantatas.
7.2. El Oratorio
El oratorio es una composición vocal-instrumental con partes líricas y dramáticas sobre textos bíblicos o religiosos, pero sin escenografía ni acción. Intervienen un narrador, voces solistas, coro y orquesta.
Igual que en la ópera, puede haber una obertura o introducción instrumental, y los solos tienen forma de recitativos o de aria.
El oratorio surgió de las representaciones sagradas italianas del siglo XVI. San Felipe Neri instituyó reuniones de jóvenes en una iglesia u oratorio de Roma, y el género musical que allí se desarrolló se denominó oratorio.
Tipos de Oratorio
- Oratorio latino: Basado en textos libres en lengua italiana, con un afán educativo y moral.
- Oratorio en lengua vernácula: Utilizaba textos en el idioma del país donde se representaba.
Principales cultivadores: Landi, Carissimi, Bach, Telemann, Haendel.
Bach dio el título de oratorio a tres de sus obras: el oratorio de la ascensión, el oratorio de pascua y el oratorio de navidad. Este último es una suite de 6 cantatas.
Haendel es autor de 34 oratorios, compuestos en Italia e Inglaterra, opuestos a los de Bach. Estas obras solo se diferencian de la estructura general de las óperas de la época por el tema y por el uso generalizado de coros ligados a la acción.
Marianne von
Fue una de las cantantes y compositoras más destacadas de su época. Discípula de Haydn y Niccolo porpora.
Obras destacadas:
- Letania a la Beata Virgen María (coro mixto y orquesta)
- Isaac, figura del redentor
- Santa Elena en calvario (oratorios)
- 3 conciertos para clave y orquesta
- Varias cantatas profanas
- Arias
- Música sacra
- Numerosas sonatas para piano
Orquesta Clásica
Hasta 1750, la composición de la orquesta varió mucho, aunque era bastante usual la siguiente:
- Grupo de cuerda
- Clavecín
- Oboes
- Fagotes
- Flautas
- Timbales
- Trompetas
A partir de 1750, la orquesta adquirió la composición actual, aunque algo más reducida. Gracias a Stamitz, en Manheim, se incorporaron definitivamente los clarinetes y las trompas.
Así, la cuerda se dividió en 5 partes:
- Violines (1º y 2º)
- Viola
- Violonchelo
- Contrabajos
A los instrumentos de viento-madera, el esquema más utilizado era el de una flauta, 2 oboes, fagotes y, un poco más tarde, clarinetes.
A finales de siglo se añadieron los trombones, el flautín y el contrafagot.
Los instrumentos de metal eran 2 trompas y, ocasionalmente, trompetas. A ellos, cabría añadir los dos timbales.
El número de músicos que componían la orquesta aumentó considerablemente en el último cuarto de siglo hasta cerca de 50-60.
Concierto Clásico
El concierto clásico para solista vino a reemplazar al concerto grosso, en el que se daba la alternancia de un grupo de solistas con el grupo orquestal.
El grupo orquestal corresponde a la orquesta sinfónica completa.
Los solistas más frecuentes del concierto clásico son el violín y el piano, aunque en general pueden ser todos los instrumentos, especialmente los de viento.
El esquema formal viene a ser el mismo de la sonata clásica, con la diferencia de que, en vez de 4 movimientos, hay 3 (allegro, lento, rápido).
En el primer movimiento se utiliza también el tipo allegro de sonata, con las modificaciones que requieren el solista y la orquesta: doble exposición, una encomendada al solista y la otra a la orquesta.
Es característica del concierto una cadencia o largo reposo, colocada hacia el final del primer movimiento, en donde el solista, sin acompañamiento, resume virtuosísticamente el material temático precedente.
Sinfonía
Las sinfonías estuvieron bajo la influencia de la obertura de ópera italiana. Hacia 1700, esta adquirió la estructura de 3 movimientos (rápido-lento-rápido) con un final en forma de minué o de baile rápido.
La obertura se podía interpretar como pieza suelta o como obra independiente en conciertos instrumentales.
La sinfonía, que nació con Stamitz y Haydn, desarrolla al máximo la grandeza arquitectónica de la estructura de la sonata.
La mayor parte de las sinfonías consta de 4 movimientos; es excepcional que rebasen este número y aún más que no lleguen a 3.
Suele ser puramente orquestal.
Haydn
A partir de 1785, se advierte una clara evolución en sus sinfonías:
/ Se amplia la dimensión de las obras/ Aparece la sonata monotemática/Cambios inesperados de forte a piano, descendo y sforzati/ Aparece el contrapunto/La paleta armónica es mas rica/Emplea frecuentemente las tonalidades menores.
La orquestación se amplió y pasó a comprender, además de las cuerdas, una flauta, 2 oboes, 2 clarinetes, 2 fagotes, 2 trompas y timbales. ….Su música religiosa cabe destacar las Misas que escribió, especialmente las de Nelson, de Teresa y de La armonía.
7.3 La pasión Es un oratorio basado en el tema de la muerte de Cristo. Se trata de una forma germánica. Los libretistas adoptaron relatos de los 4 evangelistas para utilizarlos como texto de las pasiones; parece que los compositores preferían el relato de san Mateo al resto de los Evangelios.
Origen y evolución -Su origen se fundamente en la tradición de la Iglesia de declamar textos evangélicos sobre la crucifixión y muerte de Cristo durante la semana Santa.
El relato lo recitan 3 clérigos, que desempeñan respectivamente los papeles de cronista o narrador, cristo y turba o pueblo, se interpretó muchas veces en estilo
de motete polifónico; ejemplo de ello son muchas de las pasiones de compositores
católicos del siglo XVI.
Las pasiones de Johann Sebastian Bach
Escribió 5 pasiones, solo 2 se han conservado, La pasión según San Juan y la pasión según san Mateo. La pasión según san Marcos solo se conoce la letra; las otras han
desaparecido. La pasión según san Juan contiene pocas arias y la extensión de cada una de ellas es bastante moderada. A diferencia de la pasión según San Mateo, parece solamente el recitativo seco( solo lleva acompañamiento de bajo continuo). La pasión según san Mateo, recuperada por Mendelsshon, se considera una de las cimas de la música de todos los tiempos. Utiliza dos coros y dos orquestas claramente separados, mientras que los recitativos de Cristo se acompañan con la sección de cuerda. La voz del evangelista, es acompañada por un órgano barroco o por un clavicordio.
la sonata a parte de la exposición de 2 temas opuestos constituye sobre todo un movimiento de tensión que se opera a partir del paso de la tónica al tono de la dominante afirmada por varios grupos cadenciales; esta tensión se amplia a través del desarrollo y se resuelve en la vuelta al tono inicial, que queda reafirmado en el momento de la reexposición (ABA); le sigue una serie de cadencias que preparan la feliz conclusión, y en general, ayudan a evidenciar la estructura de la obra. Después del periodo clásico, la sonata no dejó de desarrollarse con los diferentes estilos que han ido sucediéndose. Los románticos añadieron nuevos temas en los primeros movimientos y ampliaron el desarrollo de los mismos.
características de la música clásica.
la música no debía obligar al oyente a realizar un esfuerzo por ello: otorgó una gran preferencia al modo mayor/debía agradar por medio de sonidos gratos y una estructura racional/conmover mediante la imitación de los sentimientos/ no asombrar con demasiada frecuencia a causa de una elaboración excesiva, por un exceso de complejidad.
…El abandono del bajo continuo se debió a múltiples razones. La principal fue, el desarrollo de una armonía cada vez más rica que, al necesitar numeraciones complejas, convirtió la improvisación en una tarea delicadísima. Otras características del clasicismo son/El retroceso del contrapunto; el fugato se convierte a parir de este momento en
una práctica propia de la música sacra/El gran respeto por las formas/El predominio de la línea melódica sobre la armonía/Las frases son cuadradas (4, 6, 12 o 16 compases).
2.2. Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) Su vida fue muy corta, compuso cerca de 750 obras. Espontaneidad en su modo de composición. Su música refleja alegría, serenidad, ternura y cosmopolitismo, gracias a su contacto con diversos maestros, estilos y pueblos en sus continuos viajes. Si Haydn puso los cimientos de la sinfonía, Mozart la perfeccionó. Apuntes. Etapas
1_Periodo de aprendizaje -Gira con prolongadas estancias en Paris y Londres.- Primeros cuartetos y sinfonía.
2_Primeras obras maestras
3_Periodo de Viena:-La mayor parte de obras que inmortalizaron a Mozart fueron compuestas durante los últimos 10 años de su vida.-Principales influencias:
· Del estudio de Haydn/· Descubrimiento de la música de J.S. Bach:Creciente empleo de la textura contrapuntística
Haydn no innovó las formas externas, sino que su producción musical se
fundamentó en los siguientes aspectos, que constituyen los rasgos generales de su
carrera:
· Perfeccionó tipos formales como la sonata.
· Consagró la sinfonía.
· Fijó definitivamente el cuarteto de cuerda.
· Fue un maestro consumado en el desarrollo de temas, que desentrañó y
transformó de mil modos; manejó magistralmente el tema con variaciones, que
utilizó frecuentemente en el segundo tiempo.
3. La música para teclado
Durante el último cuarto del s. XVIII, el clavecín fue desplazado por el pianoforte.
Artesanos geniales perfeccionaron este instrumento, cuyo teclado llegó a tener 6
octavas. Aunque los compositores ya concebían sus piezas para pianoforte, eran
muchos los músicos que solo disponían del antiguo clavecín. Esto explica la
ambigüedad de los títulos de estas piezas, que permiten ambas posibilidades en la
ejecución: la sonata patética, de Beethoven, editada en 1799, apareció con esta
mención expresa: “para pianoforte o clavecín”. Tanto Haydn como Mozart y
Beethoven concibieron para pianoforte sonatas, fantasías y danzas diversas.
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En sus obras para teclado, los 3 músicos citados fueron eliminando
progresivamente las fórmulas tradicionales de acompañamiento, como el bajo
Alberti.
También utilizaron, en el ámbito de la expresión, los mismos procedimientos:
· Uso del tenuto.
· Búsqueda de la fluidez del discurso a través de anotaciones que crean un efecto
de tempo rubato (perdendosi, calando, ritardando, sempre più largo, a piacere…)
· Ampliación del discurso musical aprovechando las mejoras que iban
experimentando los instrumentos de teclado. Empleo progresivo de octavas,
stacatti, etc.
· Uso del pedal de ligado.
· Utilización de diferentes dinámicas en cada mano.