El teatro es un impulso al que Lorca va a responder a lo largo de toda su producción literaria. Las obras teatrales que Lorca estrenó en vida no constituyeron una ruptura demasiado radical, aunque ello no significa que estuvieran dentro de los modelos convencionales. Lorca modifica los paradigmas tradicionales sin rechazarlos del todo.García Lorca se sitúa siempre en los márgenes respecto al teatro de su época. Trabaja en las fórmulas menos vigentes. En sus primeros años de producción teatral, se centra en:- El teatro poético: era un género más o menos marginal. El autor más importante en la década de los años 20 es Eduardo Marquina. Cuando Lorca se introduce en estos géneros, introduce cambios: utiliza un lenguaje muy próximo al que utiliza en su producción poética, tremendamente lírico, alejado del lenguaje de la Edad Media y del de los demás autores. Las obras estaban escritas en verso pero no eran líricas. En el caso de Lorca, hay una acumulación de imágenes y de metáforas. Utiliza un lenguaje no teatral, no adecuado para el teatro en esa época. Los demás autores utilizan un lengua teatral, con conversaciones en verso.- Las marionetas o los títeres: Lorca va a escribir obras para títeres desde el principio de su producción hasta el final. Se nos pone de manifiesto los aspectos más significativos del teatro de Lorca. Para él, los títeres, lejos de ser una distracción, van a ser el modelo de todo lo que él pretendía para su teatro. Lorca concebía las obras de marionetas como la vuelta a la esencia del teatro, al teatro puro.- Las farsas:van a ser herederas de las marionetas pero escritas para ser representadas por actores. Van a ser las primeras obras en prosa representadas por actores que Lorca escribe. Las dos farsas de Lorca son: La zapatera prodigiosa y Amor de Don Perlimplín con belisa a su jardín.1. EL TEATRO DE GARCÍA LORCA. Así llegaríamos a 1928-29, en el momento en el que Lorca va a dar por finalizada su producción anterior y empieza una nueva. En el caso del teatro, esa nueva manera espiritualista se va a dividir en dos caminos:Por una parte, Lorca empieza a escribir obras de teatro en secreto sin esperanza ni voluntad de representarlo (teatro poético). Estas obras son lo que se ha llamado su “teatro imposible”. Esta denominación la ha establecido la crítica basándose en unas declaraciones que hizo Lorca. Las obras del “teatro imposible” son: El Público. Así que pasen cinco años.Comedia sin título / El sueño de la vida (sin terminar) Estas obras son las más radicalmente vanguardistas, pretendiendo hacer una ruptura con el teatro de su época. Sin embargo, a la vez que escribe estas obras, Lorca va a acceder al éxito comercial. Ese acceso no se produce con estas obras. Le llega con las obras en la que de manera más clara abandona los márgenes y se centra en los géneros más habituales de su época. Esto no significa que estas obras de éxito se ajusten por completo a las convenciones de esos géneros. La batalla con el horizonte de expectativas se va a librar de manera diferente pero igualmente efectiva. Lorca se sitúa en esos géneros y de ahí va a ir corrigiendo y combinando esas convenciones. Aquí se van a situar las Tragedias ( Bodas de Sangre y Yerma) y los Dramas ( La casa de Bernarda Alba y Doña Rosita la soltera o El lenguaje de las flores. Los Sueños de mi prima Aurelia es el tercer drama pero está sin concluir. Las obras de Lorca se sitúan entre 1920 y 1936. El Maleficio de las mariposas fue la primera obra de Lorca que se estrenó en 1920. El estreno fue un fracaso absoluto, por lo que Lorca tardó varios años en representar una obra de teatro.En la crítica de este momento, las causas del fracaso fueron lo desagradable y lo difícil de entender la obra, junto a la incomodidad de los espectadores. Era una obra muy transgresora para la época en muchos aspectos básicos de la representación teatral. Afectaba al cuerpo de los actores, que había quedado fijado como elemento fundamental en la representación teatral (al cuerpo del personaje). Aquí nos vamos a encontrar con un desplazamiento radical del cuerpo de los actores, con trajes gigantescos de cucarachas sin que se viese la cara y el cuerpo. La intención de Lorca era que los actores fueses irreconocibles pasando al anonimato. El hecho de que fueses gigantescos y cucarachas también es importante. Lorca pretendía un agigantamiento de lo que se considera ínfimo, repugnante, con el fin de que se asimilasen al asco y además agigantarlo. La crítica decía también que en esos trajes no era fácil reconocer a esas cucarachas ya que no tenían un estatut artístico. Lorca potenció rasgos repugnantes. Además, las cucarachas se ponen a hablar en verso con una carga enorme de lirismo. Los diálogos estaban llenos de metáforas,más cercanos a la poesía que al teatro. La obra también altera las coordenadas de tiempo y espacio que se respetaban en el teatro. Los temas de la obra son: el deseo frustrado, las ilusiones perdidas… los mismos que los de su poesía.Aunque Lorca sigue escribiendo teatro, no volverá a representar una obra hasta 1927 con Mariana Pineda. La crítica la acogió bastante bien y también fue un éxito de público.Es una obra de teatro en verso pero que renunciaba a las enormer transgresiones de la obra anterior. El tema es histórico por lo que el verso se considera adecuado para el teatro. No obstante, el lenguaje sigue siendo lírico pero alejado de los excesos de El maleficio de las mariposas.La innovación mayor tiene que ver con la concepción de lo heroico tal como se presenta en el personaje de Mariana Pineda. Ella aparece como empequeñecida, lo que le reprochó la crítica. Lorca desplazó a propósito lo heroico hacia lo cotidiano..2EL TEATRO DE MARIONETAS.En esos años, la estancia más renovadora y más fructífera va a ser el teatro de marionetas.En 1921, Lorca proyectó un “teatro de cachiporra andaluz” en colaboración con Falla. En 1934, estrena en Buenos Aires El Retablillo de Don Cristóbal y Doña Rosita.Entre 1921 y 1934 va a escribir abundantes obras de marionetas, por lo que hay una gran cantidad de variantes y manuscritos. Esa variedad de posibilidades de la obra era una característica de la propia obra y de los personajes. De estas variantes tenemos dos obras que se conservan: El Retablillo de Don Cristóbal y Doña Rosita y Los títeres de Cachiporra.Las marionetas no son una distracción sino el modelo. Suponían la vuelta a los orígenes para Lorca, porque consideraba que la forma tradicional de las marionetas era el paradigma de la libertad (sin convenciones como los demás géneros).La idea del origen va a ser importante en las obras de títeres: hay que volver a un teatro puro. La noción de “origen” en los títeres implica hablar del concepto de “mito”, uno de los accesos al concepto “lo trágico”, omnipresente en la nueva manera espiritualista de Lorca.Junto al mito, el nuevo acceso a lo trágico va a ser la tragedia. En los títeres hay que poner en un primer plano el Mito de Dionisos, referido al despedazamiento del cuerpo de Dionisos por parte de los titanes. Ese despedazamiento era celebrado en las fiestas dionisíacas, más exactamente la resurreción del cuerpo de Dionisos después del despedazamiento. Resurrección entendida como la vuelta a una unidad primordial (la naturaleza) sin connotaciones religiosas.Era una especie de negación de la individualidad y la celebración de la vuelta a la unidad primordial. Las prácticas de estas fiestas eran una manera de que los asistentes experimentases parte de esa unidad primordial.La cuestión del despedazamiento va a ser fundamental en el teatro de títeres de Lorca. En las marionetas, el despedazamiento y la muerte no van a tener ese carácter concluyente, definitivo. Va a ser un acto puntual y único, y está asociado a la representación de la dualidad que suponen Don Cristóbal y Doña Rosita. No son dos figuras concebidas individualmente. Sólo funcionan na en función de la otra, como conjunto que no se puede separar.Las tramas de los títeres siempre se desarrollan en torno a esa dualidad: la vida y la muerte, lo joven y lo viejo…
